Kann man gleichzeitig anwesend und abwesend sein? Das geschieht in der Welt von Maeve van Klaveren (Amsterdam, *1977). Die Figuren in ihrem Werk sind nicht vorhanden – zumindest nicht wirklich. Manchmal buchstäblich, weil sie nicht dargestellt, sondern nur als Leere oder Spur vorhanden sind. Manchmal, weil sie so tief in Gedanken versunken sind, dass sie scheinbar woanders sind. Sie sind ruhig, geben Raum. Und genau dieser Raum lädt den Betrachter ein, sich darin zu erkennen – oder etwas völlig anderes darin zu sehen.

Diese Einzelpräsentation, bestehend aus einer Auswahl von 11 Werken, ist noch bis 25. Oktober im Museum MORE in Gorssel zu sehen.

Die Welt in der Nähe

Neben menschlichen Figuren stellt Van Klaveren auch gerne Gegenstände dar, die ihr nahe liegen: einen Blumenstrauß, eine Hauskatze, einen Esstisch. Ihre Arbeit strahlt eine heimelige Atmosphäre aus, ein Frühlingsgefühl – helle Töne, sanfte Farben. Vertraut und einladend. Gleichzeitig gibt es Stimmungen und Emotionen, die man erkennt, ohne sie genau benennen zu können.

Eigene visuelle Sprache

Was ihre Arbeit sofort erkennbar macht, ist nicht nur das Motiv, sondern auch die Art des Zeichnens. Eine naturalistische Darstellung ist kein Selbstzweck: Köpfe können vergrößert sein, aber ausdrucksstark und groß wirken. Sie sucht nach einer etwas anderen Darstellungsweise, bei der Wiedererkennung und ihre eigene visuelle Sprache Hand in Hand gehen. Wenn man das Werk sieht, weiß man sofort: Das ist Maeve van Klaveren.

Von der Mode zum Museum

Diese Individualität zeigt sich auch in ihrem Materialgebrauch. Van Klaveren kombiniert Zeichenmaterialien – Kohle, Buntstift, Pastell- und Aquarellfarbe – und verarbeitet sie austauschbar auf Papier, was ihm eine samtige, fast kuschelige Textur verleiht. Ihr Hintergrund zeigt sich darin: Sie studierte am Amsterdam Fashion Institute und arbeitete im Atelier einer Textilkünstlerin, bevor sie vor etwa zwölf Jahren den Schritt zur autonomen Kunst machte. Ihre Erfahrung als Innenarchitektin – das Dekorieren und Aufhellen von Innenräumen – spiegelt sich auch in den inneren Welten wider, die sie darstellt.

Über Maeve van Klaveren

Van Klaveren wird durch die Moving Gallery (Utrecht) und die Kristin Hjellegjerde Gallery (London, Berlin, West Palm Beach) vertreten. Sie hat international ausgestellt und ihre Arbeiten befinden sich in Privatsammlungen weltweit sowie in öffentlichen Sammlungen, darunter DELA und UMC Utrecht. Nach Einzelausstellungen in der Moving Gallery und der Kristin Hjellegjerde Gallery in Berlin (2024) und London (2025) ist das Museum MORE 2026 der Ort für ihre erste Museums-Einzelpräsentation sein. Drei ihrer Kunstwerke wurden zuvor in den Ausstellungen „Reality Check“ im Museum More in Gorssel und „Cute & Catty“ im Schloss Ruurlo gezeigt, beide im Jahr 2025.

Nähere Informationen: Museum More, Hoofdstraat 28, 7213 CW Gorssel, Telefon: +31 575 760 300, E-Mail: info@museummore.nl

Wie sieht Freiheit aus, wenn man sie einfängt? In Ölgemälden und Kugelschreiberzeichnungen zeigen Bobbi Essers (*2000) und Robin Wen (*1994) jeweils auf ihre eigene Weise den Wunsch nach Freiheit ihrer Generation. Ihre Arbeit führt einen von chilligen Abenden mit Freunden zu Partys, die bis in die frühen Morgenstunden andauern. Mit geschickter Hand schaffen beide Künstler ruhige, filmische Schnappschüsse. Indem man sorgfältig auswählt, was sie zeigen – und besonders das, was sie weglassen – entstehen Bilder, die mehr aussagen als zeigen.

„Robin Wen & Bobbi Essers | Nothing Makes Me Feel As Good“ ist noch bis 15. November im Garden Room des Museums More in Gorssel zu sehen.

Fragmente einer gemeinsamen Welt

Für ihre Ölgemälde orientiert sich Essers an analogen Fotos ihrer Freunde. Im Großformat nutzt sie präzise Technik, um abrupt geschnittene Fragmente ihrer Welt einzufangen: eine Schulter, einen Ohrring, ein Haarbüschel, eine Umarmung. Diese Details werden zu Bildern verwoben, die sich wie Erinnerungen an einen ausgelassenen Abend anfühlen – Eindrücke, die auch nach dem Ende der Nacht bleiben.

Da Essers ihrem Subjekt nahe steht, entsteht eine spürbare Intimität. Sie lässt Identität und Geschlecht oft bewusst in der Mitte – ihre persönliche Welt öffnet sich so für eine größere Anerkennung. Ihre Arbeit strahlt queere Positivität aus: Auf ihrer Leinwand werden Menschen in ihrem vollen Wesen unsterblich gemacht. Essers fängt den Geist der Generation Z ein: das Abenteuer, das Chillen und die Liebe. In ihren Ausschnitten und unerwarteten Kombinationen liegt etwas, das zugleich sehr persönlich und weithin erkennbar ist: der Zauber der Freundschaft.

Nachtleben in blauen Linien

Wo Essers die Intimität ihrer unmittelbaren Umgebung darstellt, taucht Wen in die Welt der Free Party und der Rave-Kultur ein: freie, oft illegale Partys, bei denen junge Menschen zusammenkommen, um Ekstase und Flucht zu suchen.

Er fängt diese ungezähmte Welt mit außergewöhnlicher technischer Präzision ein. Wen arbeitet hauptsächlich mit einem scheinbar alltäglichen Medium: dem blauen Kugelschreiber. Texturen, Licht und Gesichtsausdrücke werden fast fotografisch dargestellt. Das charakteristische blaue Leuchten verleiht seiner Arbeit eine entfremdende Atmosphäre: Das Nachtleben scheint von der gewöhnlichen Realität losgelöst zu sein.

In seinen Bildern erscheinen leere Partylocations im Morgenlicht und tanzende Figuren ohne Gesichter. Diese Abwesenheit wird zur Kraft: das Unbekannte, das Schwerfassbare, die Widersprüche zwischen Überschwang und Schweigen, zwischen Kollektivität und Einsamkeit. Seine Arbeit dient als Zeugnis einer Subkultur, die zwischen dem Fantastischen und dem Alltäglichen balanciert.

Open-End-Schnappschüsse

Essers und Wen zeigen ihre Realität als Fragmente mit bewusst offenen Enden. Bei Essers wird Raum geschaffen durch das, was sie weglässt: Identität verblasst, Details übernehmen. Wen umarmt das Fremde: Leere Räume und anonyme Körper betonen die flüchtige Natur der Freiheit.

Beide Künstler teilen eine Faszination für den Moment, diesen einen Moment, in dem die Zeit stillzustehen scheint. Ihre Werke sind keine fertigen Geschichten – sie laden zur Fantasie ein und fordern den Betrachter auf, selbst Verbindungen herzustellen.

In einer Zeit, in der Bilder schnell nacheinander folgen, verlangsamen Essers und Wen ihren Blick. Sie machen das flüchtige Leben ihrer Generation sichtbar und lassen es einfach dort existieren, in all seiner Zerbrechlichkeit, Intensität und Schönheit.

Über Robin Wen

Robin Wen (Taiwan, *1994) lebt und arbeitet in Brüssel. 2018 schloss er sein Studium an der La Cambre, der belgischen Nationalschule für Bildende Kunst, ab und gewann den Woluwe-Saint-Pierre Kunstpreis für seine Zeichnungen. Seine Arbeiten – hyperrealistische Zeichnungen mit Kugelschreiber, verwurzelt in der Free Party und der Rave-Kultur – sind seitdem international durch Messen und Ausstellungen sichtbar geworden. Dies ist das erste Mal, dass sein Werk in einem niederländischen Museum gezeigt wird.

Über Bobbi Essers

Bobbi Essers (Enschede, *2000) lebt und arbeitet in Amsterdam. Sie schloss 2022 ihr Studium an der Utrechter Kunsthochschule ab und erwarb 2024 ihren Masterabschluss am Frank Mohr Institute. 2023 erhielt sie den Royal Award for Painting. Seitdem hat sie an Ausstellungen im In- und Ausland teilgenommen, darunter die Gruppenausstellung Reality Check des Museum More im Jahr 2025.

Nähere Informationen: Museum More, Hoofdstraat 28, 7213 CW Gorssel, Telefon: +31 575 760 300, E-Mail: info@museummore.nl

Die Kunsthalle Bremen hat ihre Sammlung von Zeichnungen von Bremer Künstlerinnen im Rahmen eines Forschungsprojektes genauer untersucht und eine bemerkenswerte Erkenntnis gemacht: Im Verhältnis zum männlich geprägten Gesamtbestand der Kunsthalle Bremen bewahrt das Kupferstichkabinett überdurchschnittlich viele Zeichnungen von Bremer Künstlerinnen. Neben Paula Modersohn-Becker tauchen weitere Namen auf, die bislang kaum bekannt sind.

Eine Auswahl von 60 Werken wird in der Ausstellung „Mehr Frauen! Bremer Künstlerinnen auf Papier“ vom 22. Juli bis 8. November in der Kunsthalle präsentiert. Paula Modersohn-Becker genießt heute weltweiten Ruhm. Wer aber kennt ihre Mitstreiterinnen, die in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts ebenfalls in der Bremer Kunstszene aktiv waren: Clara Rilke Westhoff, Marie Bock, Anna Plate, Margarethe von Reinken, Agnes Sander-Plump, Dora Bromberger, Elisabeth Noltenius, Gustava Tölken oder Olga Bontjes van Beek?

Die Sammlung von Zeichnungen Bremer Künstlerinnen umfasst insgesamt mehr als 1800 Werke, davon stammt fast ein Viertel von Frauen. Wie kam es zu dieser Schaffenskraft, obwohl Künstlerinnen damals doch systematisch ausgebremst wurden? Bis 1919 durften Frauen beispielsweise nicht an den staatlichen Kunstakademien studieren, sodass ihre Ausbildung erheblich erschwert war. Die Bremer Künstlerinnen setzten sich durch Netzwerkarbeit gegen die Ausgrenzung zur Wehr: Sie gründeten 1899 den „Bremer Malerinnenverband“ oder traten ab 1928 der „Gemeinschaft deutscher und oesterreichischer Künstlerinnen und Kunstfreundinnen“ (GEDOK) bei.

Die Ausstellung verfolgt die Verbindungslinien zwischen den Künstlerinnen sowie ihre Verwurzelung in Bremen und dem Umland: In den Orten Worpswede, Fischerhude und Dötlingen lebten sie Tür an Tür. Dort unterrichteten sie die nachfolgende Generation im Malen und Zeichnen – bewusst in Abgrenzung zu den Akademien. Es sind Künstlerdynastien entstanden wie die Familien Modersohn, Plump oder Breling. Zuletzt sind aus den Bekanntschaften in den Künstlerinnenorten und bei der GEDOK tiefe Freundschaften erwachsen.

Forschungsprojekt

Die Ausstellung bildet den Abschluss des Forschungsprojekts „Handzeichnungen HB“, in dem mehr als 1.800 Zeichnungen untersucht wurden. Die Erschließung umfasste unter anderem die Zuschreibung an eine Künstlerin, die Bestimmung von Motiv, künstlerischer Technik und Objektmaßen sowie die Erfassung von Provenienzmerkmalen. Neben der Ausstellung und einem Katalog werden die Ergebnisse im Online-Katalog der Kunsthalle Bremen und darüber hinaus in übergeordneten Datenbanken wie dem Graphikportal und der Deutschen Digitalen Bibliothek zugänglich gemacht. So stehen sie sowohl der Forschung als auch einer interessierten Öffentlichkeit zur Verfügung.

Nähere Informationen: Kunsthalle Bremen, Am Wall 207, 28195 Bremen, Telefon: +49 (0)421 – 32 9080, Fax +49 (0)421 – 32908470, E-Mail: info@kunsthalle-bremen.de

Gemeinsam bilden drei Ausstellungen ein festliches Jubiläumsprogramm, das Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft des Museumszentrum Quadrat miteinander verbindet und in einem abwechslungsreichen Rundgang die lebendige und teils visionäre Bottroper Ausstellungs- und Sammlungsgeschichte vorstellt. Im Erweiterungsbau wird eine große Retrospektive des Künstlers, Theoretikers und Wegbereiters der konstruktiv-konkreten Kunst Richard Paul Lohse präsentiert. In der Abteilung Moderne Galerie lädt die Ausstellung 50 Jahre Quadrat zum Entdecken und Mitgestalten ein, während das Museum für Ur- und Ortsgeschichte mit einer Ausstellung zu Museumsleiter Arno Heinrich an die Gründung und die frühen Jahre des Hauses erinnert.

Die Ausstellungen sind am Sonntag, 14. Juni, ab 11 Uhr kostenfrei geöffnet. Geboten werden Kunstgespräche in den Ausstellungen [11.30-13.30/15-17 Uhr] und ein offener Collageworkshop [11-14/15-17 Uhr].

Zum Jubiläumsprogramm im Detail

Richard Paul Lohse – 14. Juni bis 11. Oktober

Das Josef Albers Museum im Museumszentrum Quadrat präsentiert zum Jubiläum eine umfassende Einzelausstellung des Malers, Grafikers und Theoretikers Richard Paul Lohse (*1902 – +1988). Im Jahr 1976 war ihm die erste Einzelausstellung im frisch eröffneten »Quadrat« gewidmet und sein Werk »Drei horizontale Teilungen« (1949/72) stellt den ersten Ankauf des Bottroper Museums und damit den Grundstein der Kunstsammlung »jenseits von Josef Albers« dar. Bei der aktuellen Ausstellung handelt es sich um die erste große Retrospektive von Lohse, einem der Hauptvertreter der konstruktiv-konkreten Kunst, seit mehr als 20 Jahren. Sie erzählt eine wesentliche Episode der Bottroper Museumsgeschichte und verhandelt aktuelle Fragen nach gesellschaftlichen Utopien und sozialer Gleichheit.

Ergänzt wird die Ausstellung durch Werke von Josef Albers, Günter Fruhtrunk, Rupprecht Geiger, Camille Graeser, Gotthard Graubner, Donald Judd, Verena Loewensberg, François Morellet, Bridget Riley, Jan Schoonhoven, Günther Uecker und Victor Vasarely.

Die Ausstellung ist eine Kooperation mit der Richard Paul Lohse-Stiftung in Zürich sowie dem MASI Lugano, dem Museum Haus Konstruktiv in Zürich und dem Wilhelm-Hack-Museum Ludwigshafen. Zur Ausstellung wird ein umfangreiches Programm mit Führungen und anderen Veranstaltungen geboten.

50 Jahre Quadrat – bis 8. November

In der Abteilung Moderne Galerie lädt »50 Jahre Quadrat« dazu ein, neue Perspektiven auf die reiche Geschichte und die Gegenwart des Museumszentrums zu gewinnen und darüber nachzudenken, wie dessen Zukunft aussehen könnte. Interaktive Stationen bieten Besuchenden die Gelegenheit, sich kreativ mit Josef Albers, dem Museum und seinen Geschichten auseinanderzusetzen und nicht zuletzt das Morgen und Übermorgen des Museums mitzugestalten.

Arno Heinrich – Vom Bergmann zum Museumsleiter – ab dem 14. Juni

Die Ausstellung zu Arno Heinrich (*1929 – +2009) knüpft ebenfalls an das Jubiläum an und thematisiert die eindrucksvolle und einmalige Geschichte des Gründungsdirektors des Museum für Ur- und Ortsgeschichte.

Mit zum Teil erstmals öffentlich gezeigten Funden aus seinen Untersuchungen, Texten, Fotografien und Filmen wird das außergewöhnliche Engagement Heinrichs sichtbar, der als Arbeiter ins Ruhrgebiet kam und aufgrund der spektakulären eiszeitlichen Funde im Bottroper Stadtgebiet zum international vernetzten Museumsleiter wurde.

Auch das Museum für Ur- und Ortsgeschichte beteiligt sich an der Einladung an Besucher, Inhalte und Materialien mitzugestalten. Unter dem Titel »Labor²: Experimentierfeld (im) Museum« steht ab Juni 2026 ein Mitmachtisch in der Eiszeithalle, an dem Abbildungen, Texte und interaktive Methoden ausprobiert werden können. Los geht es im Juni und Juli mit »Findlinge: Klima-Archive der Erde«.

Nähere Informationen: Museumszentrum Quadrat, Josef Albers Museum, Museum für Ur- und Ortsgeschichte, Anni-Albers-Platz 1, 46236 Bottrop, Telefon: 02041 – 37 20 30, Internet: www.quadrat-bottrop.de, Instagram: @museumquadrat. Öffnungszeiten: Mittwoch bis Sonntag, 11 bis 17 Uhr, Donnerstag 11 bis 19 Uhr.

Ergänzung zur Ausstellung im Museum Barberini

Max Liebermann war einer der zentralen Künstler des Impressionismus in Deutschland und hatte auch als Sammler, Ausstellungsmacher und Mentor herausragenden Einfluss. Im konservativen Kaiserreich war der jüdische Maler als Präsident der Berliner Secession eine mutige Stimme für Fortschritt, Internationalität und Erneuerung. Dennoch war Liebermann bei seinem Tod 1935 aus der Öffentlichkeit gedrängt, sein Werk verfemt. Wie konnte es dazu kommen?

In dem vierteiligen Video-Podcast „Der Fall Liebermann“ geht der Kulturjournalist und Moderator Johannes Nichelmann dieser Frage nach. Er folgt Max Liebermann von seinen skandalbegleiteten Anfängen über die Zeiten des Ruhmes als gefeierter Künstler Deutschlands bis zu seinem Ende in Verbitterung und Einsamkeit. Der Podcast ist ab heute auf Spotify, Apple Podcasts sowie YouTube zu finden.

Der Fall Liebermann verbindet anhand der facettenreichen Biographie Max Liebermanns Kunst- und Zeitgeschichte. Als Expert:innen zu hören sind dabei Evelyn Wöldicke, Liebermann-Expertin und Direktorin der Liebermann-Villa am Wannsee, Jens Bisky, Journalist und Autor (zuletzt: „Die Entscheidung. Deutschland 1929—34“), und Ortrud Westheider, Direktorin des Museums Barberini. Moderiert wird der Podcast von Kulturjournalist Johannes Nichelmann, der auch dessen Produzent ist. In vier Akten werden Liebermanns Leben und „Fall“ aufgerollt:

Die erste Akte, „Jung gegen Alt“, widmet sich Liebermanns Anfängen, seiner Erziehung als Sohn einer großbürgerlichen Familie, dem Skandal um sein erstes großes Werk „Die Gänserupferinnen“ sowie seinem Gemälde Zwölfjähriger Jesus im Tempel, das ebenfalls für einen Skandal sorgte und den Juden Liebermann erstmals weitreichenden antisemitischen Anfeindungen aussetzte.

Die zweite Akte, „Künstler gegen Kaiser“, beleuchtet Liebermanns Konflikte im konservativen Kaiserreich und mit Kaiser Wilhelm II. persönlich. Liebermanns Kunst wird immer stärker impressionistisch, also französisch beeinflusst – ein Affront in den Augen des Kaisers! Der Konflikt gipfelt in der Gründung der Berliner Secession, deren Präsident Max Liebermann wird. Als Machtmensch polarisiert Liebermann, doch als er 1911 als Präsident der Secession zurücktritt, ist er auf dem Zenit seines Schaffens und seines künstlerischen Ruhmes.

Im Zentrum der dritten Akte, „Nazis gegen die Vernunft“, stehen die Jahre der Weimarer Republik, in denen Max Liebermann Präsident der Preußischen Akademie der Künste ist. Als Reformer fördert er junge Künstler, die er als Secessions-Präsident noch ablehnte – nun bringt er damit reaktionäre Kreise gegen sich auf, die zunehmend laut eine „völkische“ Kunst fordern. Obwohl vordergründig in gefestigter Position, muss Liebermann immer stärker antisemitische Hetze ertragen. Mit der Machtübernahme der Nationalsozialisten ist Liebermanns Leben und Wirken in der Öffentlichkeit beendet.

Die vierte Akte, „Die Villa am See“, fokussiert sich auf Liebermanns häusliches Umfeld in seiner Villa am Wannsee, seine Familie und das Schicksal seiner Frau Martha. Und sie folgt der Frage: Wie konnten die Nationalsozialisten innerhalb nur weniger Jahre die Öffentlichkeit gleichschalten und das gesellschaftliche Fundament für ihre Verbrechen legen?

Ortrud Westheider, Direktorin des Museums Barberini, über das Projekt: „Das Museum Barberini versteht sich als Haus des Impressionismus. Max Liebermann als den wohl wichtigsten Vertreter dieser Strömung in Deutschland auch über unsere aktuelle Ausstellung hinaus näher zu beleuchten, war für uns daher naheliegend. Im Video-Podcast erfahren wir nicht nur viel über seine Kunstauffassung oder seine künstlerische Arbeit, sondern lernen Liebermann auch als Menschen kennen, mit seinem Humor, seiner Familienliebe, seiner Streitbarkeit, aber auch den Anfeindungen, denen er eigentlich sein ganzes Leben lang ausgesetzt war. Die Idee von nb Studios für das Format hat uns sofort überzeugt, und dank der umfassenden Unterstützung der Liebermann-Villa, für die wir sehr dankbar sind, können wir nun dauerhaft aus Potsdam heraus die Brücke zum Berliner Max Liebermann schlagen.“

Evelyn Wöldicke, Direktorin der Liebermann-Villa am Wannsee, über das Projekt: „Max Liebermanns Biographie ist keine Erfolgsgeschichte ohne Brüche. Sie erzählt von Ausgrenzung, von Widersprüchen und davon, wie schnell gesellschaftliche Anerkennung kippen kann. Für die Liebermann-Villa ist es ein zentrales Anliegen, Liebermann nicht allein als Maler zu zeigen, sondern auch als Persönlichkeit im Spannungsfeld seiner Epoche. Der Podcast bietet dafür ein besonders lebendiges Format: Er bringt unterschiedliche Perspektiven zusammen, eröffnet neue Zugänge und lädt ein, tiefer in die Zeitgeschichte einzutauchen. Es ist uns eine große Freude, Teil dieses wichtigen Projekts zu sein, um Liebermanns Geschichte vielschichtig in die Gegenwart zu tragen.“

Johannes Nichelmann, Co-Produzent von nb Studios sowie Moderator des Video-Podcasts: „Als Produktionsfirma erzählen wir bei nb Studios packende Geschichten aus Politik, Kultur und Gesellschaft. Die Lebensgeschichte Max Liebermanns verbindet alle diese Bereiche und wir wollten sie in einer zeitgemäßen Form erzählen. Fragen, die für Liebermanns Zeit hochrelevant waren, beschäftigen uns auch heute: Wer hat welchen Platz in einer Gesellschaft? Wessen Stimmen werden gehört? Wie schnell können Menschen ausgegrenzt werden, und auf welcher Grundlage eigentlich? Mit dem Video-Podcast zeigen wir auf, dass all diese Fragen nicht neu sind, die Suche nach Antworten uns aber bis heute dazu auffordert, genau hinzusehen.“

Neben der umfassenden inhaltlichen Unterstützung der Liebermann-Villa am Wannsee unterstützten auch das Städel Museum, Frankfurt am Main, sowie die Staatlichen Museen zu Berlin mit Alter Nationalgalerie und Kupferstichkabinett das Projekt, insbesondere mit der Bereitstellung von Bildmaterial. Weitere Abbildungen stammen aus dem Museum Kunst der Westküste, Alkersum / Föhr, dem Musée d’Orsay, Paris, der Tate, London, aus dem Kunsthaus Zürich sowie aus Privatsammlungen.

Der Fall Liebermann ist als Video-Podcast auf Spotify und Apple Music sowie als Video auf dem YouTube-Kanal des Museums Barberini zu finden.

Nähere Informationen: Museum Barberini, Friedrich-Ebert-Str. 115, 14467 Potsdam, E-Mail: info@museum-barberini.de, Internet: http://www.museum-barberini.de

In der neuen Ausgabe der Museumstijdschrift findet der Leser oder die Leserin viele Tipps über Kunstausstellungen in den Niederlanden und manches mehr aus der Welt der Kunst. Hier ein kleiner Ausschnitt:

Jan Steen und Gerard van Honthorst – zwei Gesichter des siebzehnten Jahrhunderts – Von Saskia Cohen-Willner

Zwei Jubiläumskünstler des siebzehnten Jahrhunderts, zwei Ausstellungen: In Leiden feiert das Museum De Lakenhal den 400. Geburtstag von Jan Steen mit einer Ausstellung über seine Welt in Leiden, und das Centraal Museum zeigt, wie international orientiert Gerard van Honthorsts Karriere war. Beide zeigen, wie vielseitig die Malerei des siebzehnten Jahrhunderts war – und wie ihr Ruf entsteht.

Mit Humor in den Künsten ist es kein einfaches Bewenden. Einen guten Witz zu liefern erfordert das höchste Maß an Talent und technischer Beherrschung, aber wenn du darin brillierst, wirst du für immer ernst genommen werden. Witz ist die Falltür in der Stufe des Rufs. Und Jan Steen (*1626 –+1679), dem die schöne Ausstellung ‚Zuhause bei Jan Steen – 400 Jahre Leben in der Brauerei‘ im Museum De Lakenhal in Leiden anlässlich seines 400. Geburtstags gewidmet ist, ging es um mehr als oberflächlichen Scherz. Wenn jemand ein Lachen auf die Leinwand gebracht hat, dann er. So sehr, dass man fast übersehen würde, was für ein großartiger Maler er ist.

Doppelte Bedeutung von Drama und Tragödie in Steens Werk

Spannung aufbauen, den richtigen Moment erfassen und die präzise Darstellung von Emotionen mit Überzeugung: Bei Steen finden wir all das und im Überfluss, sorglos verstreut über alltägliche Arztbesuche, Nikolausabende und verkleidete Freier. Wie es sich für guten Humor gehört, ist die doppelte Bedeutung von Drama und Tragödie nie weit entfernt. Steens Humor ist schroff und eindringlich, und der eigentliche Witz ist vielleicht, dass diese Dualität auch in der Malerei widerhallt. Mit großer Leichtigkeit wechselt er die Extreme von lockerem Pinselstrich und Pinselarbeit mit äußerst präzise bemalten Details wie einem bronzenen Schlüssel an einem Nagel an der Wand, einem präzisen Saum eines gefalteten Ärmels aus feinem Batiste oder funkelnden Reflexionen auf einem Satinrock. Kurzum: Diese virtuose Vielfalt in Atmosphäre, Technik und Details ist vielleicht das höchste, was in der Malerei erreichbar ist.

Fesselnde Ausstellung

Seit dem achtzehnten Jahrhundert besteht in der Kunstliteratur die Meinung, Steens Leben könne nicht getrennt von seinem Werk gesehen werden, eine Idee, die von all jenen Momenten inspiriert wurde, in denen er selbst in seinen Gemälden erscheint – oft in komischen Rollen. Dies spiegelt sich auch in der Ausstellung im Museum De Lakenhal wider, wo Steens persönliches Umfeld und die Rolle seiner Heimatstadt Leiden im Mittelpunkt stehen. Die facettenreiche Geschichte wird an bunten Wänden und in thematischen Unterteilungen erzählt. Eine verfeinerte frühe Landschaft aus der Zeit, als Steen vermutlich noch für seinen Schwiegervater Jan van Goyen arbeitete; jüngste Entdeckungen und Leihgaben aus Privatsammlungen werden mit bekannteren Werken aus anderen öffentlichen niederländischen Sammlungen durchsetzt.

Es ist hervorragend, wie der NK-Sammlungsstatus wichtiger Werke wie „Der Wahrsager“ (1650–54), „Die Dorfhochzeit“ (1653) und „Christus vertreibt die Geldwechsler aus dem Tempel“ (1675) mit einer separaten Erwähnung und QR-Code hervorgehoben wird, Werke, die seit dem Zweiten Weltkrieg im Besitz des niederländischen Staates sind und auf eine mögliche Rückgabe an (Nachkommen der) ursprünglichen Eigentümer warten. Und die Einbindung von Werken von Freunden und Zeitgenossen wie dem Standartenträger von 1664 von Ary de Vois liefert den notwendigen Kontext, sodass Steens Geist, Individualität und theatralische Qualität noch stärker hervortreten.

Honthorsts internationale Perspektive

Während die Ausstellung im Museum De Lakenhal den Blick nach innen richtet und Jan Steens Werk mit seiner eigenen lokalen Leidener Welt verbindet, zeigt das Centraal Museum mit der Ausstellung „Gerard van Honthorst – In allem außer Rembrandt“ einen anderen Blick. Wenn eine Malerkarriere des 17. Jahrhunderts dafür geeignet ist, internationale Perspektiven aufzuzeigen, dann ist es die von Gerard van Honthorst (*1592 – +1656). Geboren und aufgewachsen in Utrecht, arbeitete er ab 1616 in Rom, wo er, wie der Biograf Joachim von Sandrart erwähnte, im Palazzo von Kardinal Benedetto Giustiniani und dessen Bruder, des Bankiers und renommierten Kunstsammlers Vincenzo Giustiniani, lebte. Dort konnte er sich mit einer der wichtigsten Kunstsammlungen seiner Zeit beschäftigen, mit Werken von Caravaggio und anderen. Gleichzeitig erfüllte er dort wichtige Aufgaben. Zurück in Utrecht gelang es ihm, diese Erfahrung zu nutzen. Nach einem Aufenthalt am englischen Hof eröffnete er auch ein zweites Atelier in Den Haag, mit dem er die Bedürfnisse einer adeligen Kundschaft erfüllen konnte.

Die groß angelegte Ausstellung führt diese außergewöhnliche künstlerische Laufbahn chronologisch über ihre Höhepunkte hinaus. Kritisch ist der Untertitel ‚in allem anders als Rembrandt‘ zu sehen. Das Argument, Rembrandt sei ein Meister der Darstellung der Psychologie gewesen, während Honthorst hauptsächlich in der Darstellung von Affekten glänzte, ergibt ebenfalls zu wenig Sinn. Diese Darstellung von Geisteszuständen kommt in Honthorsts Werk nicht immer stark zum Vorschein, schon gar nicht in jenem polierten höfischen Stil, mit dem er bei seinen edlen Gönnern so erfolgreich war. Das ändert jedoch nichts an der Tatsache, dass diese Ausstellung einen wichtigen Beitrag zu einem nuancierteren Bild der Kunstproduktion des 17. Jahrhunderts leistet, jenseits des allgegenwärtigen Schattens von Rembrandt.

Nähere Informationen: Museum De Lakenhal, Oude Singel 32, Leiden, Telefon: +31 715165360, E-Mail: pr@lakenhal.nl, Internet: www.lakenhal.nl, und Centraal Museum, Agnietenstraat 1, Utrecht, Telefon: +31 302362362, E-Mail: info@centraalmuseum.nl, Internet: www.centraalmuseum.nl

Neue Kunsthalle Brusk in Brügge eröffnet

Die neue Kunsthalle Brusk im Museumsviertel Brügge wurde vor Kurzem in Verbindung mit zwei Ausstellungen eröffnett: mit „Breedbeeld“ über Brügge als internationales Zentrum im Mittelalter, und mit „Latent City“, eine immersive KI-Installation des Medienkünstlers Refik Anadol. Diese Kombination macht sofort deutlich, wie Brusk sich profilieren möchte: als Kunsthalle, in der Kulturerbe, zeitgenössische Kunst und Technologie zusammenkommen.

Brusk befindet sich in einem eleganten, dunkelgrünen Gebäude mit großen Glasfenstern neben dem Groeninge-Museum, entworfen von Robbrecht en Daem Architects und Olivier Salens Architects. Im Gegensatz zu den umliegenden Museen verfügt Brusk nicht über eine Dauerausstellung: Die beiden großen Ausstellungsräume im ersten Stock sind für wechselnde Präsentationen gedacht. Im transparenten Erdgeschoss befinden sich eine Bar, ein Museumsgeschäft und Veranstaltungsräume. Neben bildender Kunst werden auch Tanz, Theater, Performance und Musik dort einen Platz haben.Brusk ist Teil der Musea Brügge, die seit 2022 von der flämischen Regierung als eine der drei wichtigsten Kulturerbeinstitutionen in Flandern anerkannt ist, neben der KMSKA und der M HKA, beide in Antwerpen. Dadurch kann das Kunsthal auf die Kulturerbesammlungen Brügges zurückgreifen, legt aber auch den Fokus explizit auf zeitgenössische Kunst und Innovation. Bis 2031 muss das Gebiet in einen neuen Museumspark rund um Brusk und das renovierte Groeninge-Museum umgewandelt werden.

Brügge als internationale Stadt

Mit der Ausstellung „Widescreen“ blickt Brusk auf Brügge zwischen 900 und 1550 zurück. Unter der Leitung des britischen Historikers Peter Frankopan vereint die Ausstellung etwa 250 Objekte, die zeigen, wie eng die Stadt mit internationalem Handel, religiösen und kulturellen Netzwerken verwoben war. Zu den Höhepunkten zählen Gentile Bellinis berühmtes Porträt des osmanischen Sultans Mehmed II. aus dem Jahr 1480 aus der National Gallery in London sowie Hans Memlings „Passion Christi“ (1470–71) aus Turin. Brügge wird hier nicht als isolierte mittelalterliche Stadt dargestellt, sondern als Kreuzung von Gütern, Ideen und Menschen.

Im angrenzenden Raum macht der Besucher einen Sprung in die Gegenwart – oder sogar in die Zukunft. Für ‚Latent City‘ entwickelte der türkisch-amerikanische Künstler Refik Anadol (1985) eine neue KI-Installation auf Basis von Daten aus Brügge selbst: von historischen Karten und Architektur bis hin zu Echtzeitinformationen über die Stadt. Diese Daten werden in ständig wechselnde Videobilder übersetzt, in denen manchmal noch die Konturen von Brügger-Mühlen oder Fassaden erscheinen.

Mit der Kombination aus historischen Objekten und KI-Kunst präsentiert sich Brusk als Kunsthalle, die über das klassische Bild Brügges als Kulturerbe hinausblicken möchte.

Nähere Informationen: Musea Brugge, Dijver 12, 8000 Brugge, Telefon: +32 50448743, E-Mail: musea.reservatie@brugge.be, Internet: www.bruskbrugge.be

Muse oder Schöpfer im Kunstmuseum Den Haag – von Emma Falconer

In drei fast identischen Räumen steht ein Urinal auf einem Sockel. Sie sind 3D-gedruckt, grob fertiggestellt; Das eine ist besser geworden als das andere. Eine einfache Stehlampe beleuchtet sie. An der Wand hängt ein Teppich mit dem Bild eines durchgestrichenen Briefes.

Die Installation ist in der Ausstellung „Mix & match – Barbara Visser“ im Kunstmuseum Den Haag zu sehen. Die Ausstellung baut auf dem Dokumentarfilm „Alreadymade“ (2023) von Barbara Visser (*1966) auf und dreht sich um einen Schlüsselmoment der Kunstgeschichte: die Zuschreibung des weltberühmten Urinalbrunnens. Das Werk wird üblicherweise Marcel Duchamp zugeschrieben, aber Visser nennt einen anderen Namen: Elsa von Freytag-Loringhoven (*1874 – +1927), Dadaistin, Interpretin und Zeitgenosse Duchamps. Könnte sie die wahre Schöpferin sein? Die Präsentation ist Teil einer neuen Serie des Museums, zu der zeitgenössische Künstler eingeladen werden. Visser kombiniert seine eigenen Arbeiten mit Objekten aus der Museumssammlung. An einer der Wände hängt eine Reihe von Gemälden und Fotografien von Frauen, dargestellt von Männern, die selbst keinen Namen haben – sie sind in Vergessenheit geraten. Visser zeigt, dass es keineswegs selbstverständlich war, dass Frauen im zwanzigsten Jahrhundert mehr als eine anonyme Muse als Modell waren – geschweige denn, als Künstlerin anerkannt zu werden.

Nähere Informationen: Kunstmuseum Den Haag, Stadhouderslaan 41, Den Haag, Telefon +31 70338111, E-Mail: info@kunstmuseum.nl, Internet: www.kunstmuseum.nl,

Liebe Leute, Emo Verkerk

1976, im Alter von 21 Jahren, schuf Emo Verkerk sein erstes Kunstwerk: einen verlängerten Küchenstuhl, der Präsenz betont. Es war der Beginn eines Werks voller Porträts historischer Persönlichkeiten, von Schriftstellern bis Schamanen, die ihn wirklich faszinieren. Seine Wahl ist intuitiv, basiert auf Mitgefühl, nicht auf Bewunderung. Jede Begegnung führt zu einer einzigartigen Malweise, manchmal sogar zu mehreren Porträts einer Person. Für Verkerk geht es bei der Malerei um Empathie, nicht als Mittel, sondern als Konsequenz. Das Porträt entsteht aus der Vergangenheit und erscheint in der Gegenwart. Eine Reflexion über Kunst, Kultur und die menschliche Psyche. Die Ausstellung im Stedelijk Museum Alkmaar zeigt jedoch eine fast unbekannte Seite seiner Arbeit: Porträts von Menschen aus seiner unmittelbaren Umgebung, zusammengebracht unter dem Titel „Loved Ones“.

Nähere Informationen: Stedelijk Museum Alkmaar, Canadaplein 1, Telefon: +31 725489789, E-Mail: info@museumalkmaar.nl, Internet: www.stedelijkmuseumalkmaar.nl

Genießt die Stille

SCHUNCK, das Museum für moderne und zeitgenössische Kunst in Heerlen, feiert mit „Enjoy the Silence“ sein 40-jähriges Bestehen. Im Art Depot kann man Werke aus der städtischen Kunstsammlung aus den achtziger und neunziger Jahren, den frühen Jahren des Museums, sehen.Die Auswahl zeigt, wie sich die Sammlung in den achtziger und neunziger Jahren entwickelte. Man betrachtet Werke von Künstlern, die in dieser Zeit Innovation in die niederländische Malerei brachten, aber auch Werke, die damals besondere Erwerbungen der Sammlung waren. Beispielhaft dafür sind ein Gemälde von Karel Appel, Werke von Marlene Dumas und Gemälde, die typisch für die malerischen Entwicklungen jener Zeit sind.

Nähere Informationen: Schunck, Bongerd 18, Heerlen, Telefon: +31 455772200, E-Mail: info@schunck.nl, Internet: www.schunck.nl

Suzanne Perlman

Seit Anfang 2026 ist im Museum Singer Laren eine Ausstellung dem Werk der ungarisch-niederländischen Künstlerin Suzanne Perlman (*1922 – +2020, geborene Suzanne Sternberg) gewidmet. Perlman wurde in eine künstlerische Familie in Budapest geboren und heiratete im Alter von 17 Jahren Henry Perlman, einen niederländischen Getreidehändler. Das Paar zog 1939 nach Rotterdam, doch dieser Aufenthalt war nur von kurzer Dauer. 1940 flohen sie vor den Nazis nach Curaçao, wo Perlman schließlich fünfzig Jahre lebte. Dort fertigte sie ihre ersten expressionistischen Landschaften und Porträts an. Auf der Insel entwickelte sie ihren eigenen Stil, der sich durch einen kühnen und lebhaften Einsatz von Farben und expressionistischen Pinselstrichen auszeichnete. Perlman interessierte sich besonders für das tägliche Leben und die Arbeit der Menschen auf der Straße. Sie malte häufig die Bevölkerung von Curaçao um sich herum, Frauen, die ihre Kleidung waschen, Straßenverkäufer und Tänzer, aber auch Aktporträts. Mit ihren Gemälden hoffte sie, ihre „Liebe und ihren Respekt für die Menschen der Insel“ auszudrücken.

Nähere Informationen: Museum Singer Laren, Oude Drift 1, Laren, Telefon: +31 355393956, E-Mail: museum@singerlaren.nl, Internet: http://www.singerlaren.nl

Elly Tamminga – Malerin für alle

Nach Jahrzehnten relativer Stille erhält das Werk von Elly Tamminga (*1896 – +1983) erneut die Aufmerksamkeit, die es verdient. Eine noch bis zum 30. August zu sehende Ausstellung im Kasteel het Nijenhuis in Heino hebt die Arbeiten dieser eigenwilligen niederländischen Malerin und Grafikerin hervor, dessen Werk seit langem nur Insidern bekannt ist. Obwohl Tamminga ab den 1920-er Jahren regelmäßig im In- und Ausland ausstellte und ein beeindruckendes Werk aufbaute, verschwand sie nach 1970 fast vollständig aus der Öffentlichkeit. Die Tatsache, dass ihre Arbeit nun wieder präsentiert wird, markiert einen besonderen Moment der Wiederentdeckung.
Tammingas Kunst ist figurativ und hat ihre Ursprünge im Kubismus, mit kraftvollen Farbflächen, klaren Kompositionen und manchmal einer ausgeprägten sozialen Beteiligung. Sie malt Landschaften, Stillleben, Porträts und Alltagsszenen und fertigt zudem grafische Arbeiten an, die bewusst für ein breites Publikum erschwinglich sind. Ihre Kunst wird von Idealen, Einfachheit und Zugänglichkeit dominiert, doch zu ihrer Zeit wurde sie anders aufgenommen und selten von Museen gekauft. Diese Ausstellung zeigt, wie reichhaltig und beständig ihr Werk ist, und lädt Elly Tamminga ein, wieder einen Platz in der niederländischen Kunstgeschichte zu erhalten.

Diese Ausstellung lenkt erneut die Aufmerksamkeit auf das Werk und Leben von Elly Tamminga. Tamminga war eine niederländische Malerin, Grafikerin und Geschäftsfrau, die ihre Kunst bewusst unter anderem nutzte, um soziale Ungleichheit sichtbar zu machen. Aus einem privilegierten Umfeld entschied sie sich nachdrücklich für den Sozialismus und oft für Themen aus dem Leben von Arbeitern, Fischern, Hirten und Bauern. Die Ausstellung zeigt, wie Tamminga Kunst, Überzeugung und persönliche Freiheit verband und wie ihre Arbeit sich auf Zeitgenossen wie Lou Loeber, Peter Alma, Toon Verhoef und Antoon Derkinderen bezieht.

Wilma Wilbrink – In Veeneiken II

Unter dem Titel „Veeneiken II“ zeigt Wilma Wilbrink Arbeiten, die aus jahrhundertealten Eichen stammen, die 2013 beim Room for the River-Projekt entlang der IJssel bei Zwolle freigelegt wurden. Diese Bäume, die seit mehr als 2000 Jahren unter Torf erhalten sind, bilden den Ausgangspunkt für skulpturale Arbeiten, in denen Naturgeschichte und zeitgenössische Klimafragen zusammenkommen. Wilbrink bezieht sich auf mögliche zukünftige Wasserstände und ermöglicht es der Moor-Eiche, als stiller Zeuge menschlichen Eingriffs und Landschaftswandels zu wirken. Die Wachstumsringe verraten von Wachstum, Dürre und Wasser, während eine Leiter das verletzliche Gleichgewicht zwischen Mensch und Natur sichtbar macht.

In dieser Ausstellung tritt ihre Arbeit in den Dialog mit Landschaftsbildern aus der Fundatie-Sammlung von Emmy Bergsma, Paul Bodifee, Jeroen Krabbé, Jan Voerman und vielen mehr. Jedes dieser Werke erzählt eine andere Geschichte über die Overijssel-Landschaft und die Veränderungen, denen sie unterliegt.

Nähere Informationen: Kasteel het Nijenhuis, ´t Nijenhuis 10, 8131 RD Heino/Wijhe, Telefon: 0572 388188, E-Mail: info@museumdefundatie.nl