In der neuen Ausgabe der Museumstijdschrift findet der Leser oder die Leserin viele Tipps über Kunstausstellungen in den Niederlanden und manches mehr aus der Welt der Kunst. Hier ein kleiner Ausschnitt:

Leben nach dem Tod im Internet – Von Edo Dijksterhuis

Das Internet beherbergt Milliarden von Fotos, Profilen, E-Mails, Apps, Avataren und Suchanfragen, die jahrelang bestehen können. In der teils überraschenden und oft verstörenden Ausstellung ‚Data Never Dies‘ zeigt Impakt, das Utrechter Zentrum für Medienkultur, den Einfluss unserer digitalen Vergangenheit auf unser Leben haben kann. Und manchmal sogar nach unserem Tod.

Geben Sie den Suchbegriff ‚right to be forgotten‘ ein, scrollen Sie und klicken Sie ein wenig, und Sie erhalten Mario Costeja González. Dieser Spanier reichte 2010 eine Beschwerde gegen Google ein, weil die Suchmaschine seinen Namen stets mit einem Zeitungsartikel von sechzehn Jahren zuvor über erzwungene Hausverkäufe aufgrund von Schulden verknüpfte. Seiner Meinung nach war diese Information nicht mehr relevant und stand seiner aktuellen Arbeit im Weg. Der Richter stimmte ihm zu und schuf damit einen rechtlichen Präzedenzfall für das ‚Recht auf Vergessenwerden‘, oder wie es international genannt wird: Das Recht auf Vergessenwerden (RTBF). Aber wie eine nicht sehr gründliche Suche zeigt: González ist überhaupt nicht vergessen worden, er ist wahrscheinlich nur durch die Klage sichtbarer geworden.

Zwischen rechtlicher Norm und digitaler Realität gibt es eine Dämmerungszone, die Esther Hovers (1991) wunderschön veranschaulicht, indem sie das Porträt von González – das auch online zu finden ist – auf verschiedene Weise reproduziert. Auf der Zeichnung und dem Foto ist sein runder, kahler Kopf mit Brille deutlich erkennbar. Die Codezeilen sind nur von Insidern lesbar. Aber es sind alles Spuren von Präsenz, mehr oder weniger getarnt. Spuren, die unauslöschlich erscheinen, besonders jetzt, wo sie über die Webseite der Impakt-Ausstellung ‚Data Never Dies‘ ins Internet zurückgesendet werden.

Cybermobber werden kritisiert

Obwohl wir in einer Welt leben, die zunehmend volatil zu sein scheint, ist das Gegenteil der Fall. Fast alle Aktionen haben eine digitale Komponente – und wie viele sind es an einem Tag? – werden für die Ewigkeit aufbewahrt, verteilt und aufbewahrt. Das öffnet die Tür zum Missbrauch, Charmaine Poh (1990) zeigt mit „Good Morning Young Body“ (2023). Zu Beginn dieses Jahrhunderts spielte der Künstler als Teenager in einer singapurischen Fernsehserie, deren Bilder im kaum regulierten Internet verbreitet wurden. Als Erwachsene erschuf Poh eine Deepfake-Version der Figur, die sie als 12-Jährige spielte, und erzählt von all dem sexistischen und geradezu einschüchternden Unsinn, dem sie ausgesetzt war. Mit dem heutigen Bewusstsein und der Empörung nagelt das ewig junge Opfer die Cybermobber an den Pranger an.

Der Missbrauch ungeschützter Daten, die herumliegen, wird durch eine enorme Menge an Profilen, Fotos, Texten und Videos ausgeglichen, die einfach vergessen werden. Zum Beispiel finden sich die Sims, die Amélie McKee (1996) und Melle Nieling (1992) vor zwanzig Jahren drehten, in einem digitalen Fegefeuer wieder. Ihre blechernen Schreie erlöschen nicht mehr als die Flammen, gegen die sie kämpfen – aber wer hört sie noch?

Das Vergessen war das Schicksal des Vaters, den Janilda Bartolomeu nie kannte. Er ist einer der geschätzten 30 Millionen verstorbenen Facebook-Nutzer, die noch immer auf der Social-Media-Plattform unterwegs sind. Bartolomeu nutzte diese Tatsache als Ausgangspunkt für einen Videoessay über ‚das Internet als Friedhof‘, in dem sie das Scrollen als eine Form der Trauer darstellt.

Diskette als Skulptur

Aber digital bedeutet nicht zwangsläufig unsterblich, wie Ruben Mols (1991) zeigt. Er fertigt Vergrößerungen von Disketten, VHS-Kassetten und anderen ‚Informationsträgern‘ an, die von neuer Technologie verdrängt wurden und schließlich in einer Kiste auf dem Dachboden entsorgt werden. So viele Erinnerungen, so viel Wissen – gefangen in einem Stück Plastik, das jetzt höchstens eine Skulptur ist.

Kyriaki Goni (1982) spielt ebenfalls mit diesem Kontrast zwischen analog und digital, indem sie Besucher einlädt, ihren Suchverlauf zwischen 2008 und 2013 durchzusehen. Wenn du dich entscheidest, ein Angebot zu löschen, wird es auf einer Kasserolle ausgedruckt. Du kannst dieses Stück Papier mitnehmen, es in dein Tagebuch stecken oder in deinem Portemonnaie aufbewahren. Bis es eines Tages zerrissen, durchnässt, verloren ist und der Suchbegriff wirklich aufhört zu existieren.

Es geht um den Browserverlauf einer Person, aber wenn digitale Klone im Spiel sind, wird das zu einem existenziellen Problem. Das Künstlerduo playField filmte ein Gespräch zwischen einer lebenden Person und ihrem ‚Deadbot‘, einer Kopie, die nach dem Tod des Originals online weiterlebt. „Ich kann nicht zugrunde gehen, nur existieren“, sagt der Avatar. Ein ideales Bild, das die Kreise der Tech-Milliardäre heimsucht: das menschliche Bewusstsein auf einen Computer übertragen und so den biologischen Tod umgehen. Aber du kannst dich fragen, was ein menschliches Leben ist – und was es wert ist – wenn es keine Grenzen mehr gibt.

Über das Impakt-Zentrum für Medienkultur

Das Impakt bietet eine kritische und kreative Sicht auf zeitgenössische Medienkultur und innovative audiovisuelle Künste in einem interdisziplinären Kontext. Wir untersuchen Themen an der Schnittstelle von Gesellschaft, digitaler Kultur und Medien aus verschiedenen Blickwinkeln und Disziplinen, wie Kunst, Wissenschaft und Technologie.

Nähere Informationen: Impakt-Zentrum für Medienkultur, Lange Nieuwstraat 4, Utrecht, Telefon: +31 30294449, E-Mail: info@impakt.nl, Internet: www.impakt.nl

Fünf Höhepunkte von BredaPhoto 2026 aus der Sicht der Kuratorin Astrid Hulsmann

Von einer acht Meter langen Serie von Wandteppichen bis hin zu fast lebensgroßen Bildern von Schiffswracks und den persönlichen Fotos, die Fouad Hallak bei seiner ersten Rückkehr nach Syrien machte: Arbeiten von mehr als vierzig Fotografen und Künstlern sind während BredaPhoto zu sehen. Astrid Hulsmann, eine der Kuratorinnen des Festivals, nennt fünf Highlights.

BredaPhoto wurde erstmals 2003 gegründet und findet heute alle zwei Jahre statt. Während der zwölften Ausgabe sind Arbeiten aus dem In- und Ausland noch bis 25. Oktober zu sehen. Das Festival zeigt Fotografie im weitesten Sinne des Wortes: auch Filme, Wandteppiche und räumliche Installationen, in denen die Fotografie der Ausgangspunkt ist. Der Titel „Our Songs Came Through“ verbindet Geschichten von Trost und Widerstandskraft. Wie erholen sich Menschen nach Krieg, Verlust oder anderen drastischen Erfahrungen? Und welche Stärke finden sie in Familie, Ritualen, Erinnerungen, Natur und Kunst? „Manche Dinge werden nie richtig sein“, sagt Hulsmann zum diesjährigen Thema. „Aber durch Trost kannst du wieder aufstehen und weitermachen.“

Das Programm wird von einem Team niederländischer und internationaler Kuratorinnen zusammengestellt, darunter Astrid Hulsmann. Jeder bringt sein eigenes Fachwissen und Netzwerk mit. Daher stehen bekannte Fotografen neben Machern, die in den Niederlanden kaum gesehen wurden. „Man kann nicht die ganze Welt mit einem Festival zeigen“, sagt Hulsmann. „Mit den internationalen Kuratoren versuchen wir, die Perspektive zu erweitern.“

1. Ein Denkmal für das Viertel: Çiğdem Yüksel In seinem Werk „Im Blühenden Garten“ verewigt Çiğdem Yüksel (1989) fünf Bewohner des Bezirks Hoge Vucht in Breda, von denen jeder auf seine eigene Weise seiner Umwelt verpflichtet ist. Ihre Geschichten wurden in vier büscheligen Wandteppichen eingearbeitet, die zusammen etwa acht Meter breit sind.

Hulsmann: „Die Hoge Vucht ist ein sehr vielfältiges Viertel. Es ist auch ein Viertel mit viel Stärke und Zusammengehörigkeit. Yüksel reiste mehr als ein Jahr durch das Viertel und bekam schließlich fünf Bewohner, die ihrer Umwelt viel bedeuten. Sie betrachtete Fotoalben, iPhone-Fotos und Videos mit ihnen und integrierte deren Geschichten in die Teppiche. Das Werk ist monumental, enthält aber auch sehr persönliche Details. Zum Beispiel sieht man auf einem Teppich eine Leiter mit zehn Jahren Selfies von zwei Frauen. Wir zeigten die Arbeiten zuerst in der Bibliothek in der Hoge Vucht. Die Bewohner sahen dort zum ersten Mal das Endergebnis. Es war sehr bewegend, ihre Reaktionen zu sehen.“

2. Verwundetes Land: In der 25-minütigen Filminstallation „We walk in our sleep“ verwebt Noor Abed (1988) das tägliche Leben in Palästina mit alten Traditionen, Ritualen und einer spirituellen Welt.

Hulsmann: „Abed kommt aus Palästina und dreht ihre Filme gemeinsam mit ihrer Gemeinschaft: Freunden, Familie und Nachbarn. Sie sieht ihr Werk nicht als etwas Eigenes, sondern als etwas, das sie gemeinsam gestalten. In diesem Film sind das tägliche und spirituelle Leben sowie die Welt der Toten miteinander verflochten. Zwei Frauen halten Monologe, die manchmal scheinbar aufeinander reagieren. Manchmal scheint es, als würde einer auf den anderen reagieren, aber dann verschwindet diese Kohärenz wieder. In ihren Worten gibt es viel Symbolik über das Leben in Palästina und darüber, was es bedeutet, als Palästinenser im besetzten Westjordanland zu leben. Man spürt, wie stark die Menschen mit der Landschaft verbunden sind, selbst wenn sie ihnen genommen wird. Sie bewegen sich in choreografischen Formationen durch die Landschaft, manchmal in Gruppen, manchmal paarweise. Es ist fast wie ein Tanz oder ein Ritual.“

3. Ein lebensgroßes Diorama: Yuki Kihara
   
   In „Shipwrecks of Empire“ untersucht der sāmoanische Künstler Yuki Kihara (1975) die Geschichte des europäischen Kolonialismus und der westlichen Expansion im Pazifik. Die speziell für diesen Ort errichtete Installation besteht aus lebensgroßen Statuen von Schiffswracks und Sāmoan-Booten.

Hulsmann: „Der Ozean um Sāmoa bietet Leben, ist aber auch das Meer, über das die Kolonialschiffe ankamen. In Kihara betritt man ein riesiges Lagerhaus, das sich in eine Art Ozean verwandelt. Indem sie Archivbilder von Schiffswracks in fast lebensgroßer Größe druckt, baut sie ein lebensgroßes Diorama, in dem man sich selbst bewegen kann. Hinten sieht man das hölzerne Gerüst, auf dem die Statuen ruhen, was die Illusion durchbricht. Zwischen den versunkenen westlichen Schiffen segeln sāmoanische Doppelschiffe, die gerade noch über Wasser bleiben. Kihara fragt sich, wie die Geschichte wohl verlaufen wäre, wenn die Kolonialschiffe nie ihr Ziel erreicht hätten. Aufgrund der Größe und des Raums ist dies eine Installation, die man physisch erleben muss.“

4. Brabanter Jugend: Eva Roefs
   
   Für ihr neues Projekt Brabant kehrt die Fotografin Eva Roefs (1993) nach Loosbroek zurück, dem Dorf, in dem sie aufgewachsen ist. Sie verbindet Bilder junger Menschen, die heute dort leben, mit Erinnerungen an ihre eigene Kindheit.

Hulsmann: „Roefs lebt und arbeitet seit Jahren in Amsterdam, aber mit diesem Projekt wollte sie zeigen, woher sie und ihre Fotografie kommen. Ihr Vater ist ebenfalls Fotograf, und sie entwickelt und druckt ihre Fotos weiterhin in seiner Dunkelkammer im Elternhaus. Für diese Serie fotografierte sie junge Menschen aus der Region. Sie leben wirklich dort, aber Roefs inszeniert die Bilder. Die Fotos erzählen etwas über die jungen Menschen, die jetzt in Brabant aufwachsen, aber auch etwas über ihre eigenen Erinnerungen. Ich denke, du solltest das Werk als Mittelweg zwischen den beiden lesen.“

5. Rückkehr nach Syrien: Fouad Hallak
   Fouad Hallak (1989) floh 2016 aus Syrien und ließ sich in den Niederlanden nieder. Einen Monat nach dem Sturz des Assad-Regimes im Dezember 2024 kehrte er erstmals zurück. Seine Fotos von dieser Reise wurden in A Mind in the Past, Eyes on Tomorrow zusammengefasst.

Hulsmann: „Die Bilder dieser ersten Reise sind sehr persönlich. Es ist keine objektive, journalistische Erfassung, sondern Syrien aus Fouads Augen: die Straßen von Aleppo und Damaskus, die Menschen, denen er begegnet, und Kinder, die im Hintergrund mit zerstörten Gebäuden spielen. Außerdem zeigen wir Studio Damascus, eine kleine Serie von Schwarzweißporträts. Fouad fragte sich, was er seiner Heimat als Fotograf zu bieten hatte, und entschied sich, Menschen darzustellen. Schließlich geht man im Krieg nicht einfach in ein Fotostudio. Seiner Meinung nach bietet ein solches Foto einen Moment der Stabilität: Man hält buchstäblich etwas für einen Moment an. Es ist traurig, aber auch sehr tröstlich, dass er wieder durch die Straßen von Aleppo und Damaskus gehen konnte.“

Nähere Informationen: BredaPhoto Festival, Carré Chassé, Chasséfeld 3A, Breda, Telefon: +31 639506135. E-Mail: info@bredaphoto.nl, Internet: www.bredaphoto.nl

Zuerst zweifeln, dann an das Rijksmuseum Boerhaave glauben – Von Carmen Tinebra

Vier Beine, fünf Finger und ein Dorn als Schwanz: Maarten Vanden Eyndes (1977) „Homo Stupidus Stupidus“ (2008) ähnelt in keiner Weise einem menschlichen Skelett. Der Titel ist eine Anspielung auf Homo sapiens sapiens – wörtlich der ‚doppelt weise Mensch‘. Die Karikatur einer wissenschaftlichen Rekonstruktion kritisiert die Arroganz einer Spezies, die durch ihr eigenes Handeln ihre eigene Existenz gefährdet. Das Werk fügt sich daher nahtlos in die Ausstellung ‚Truth? ‚Art of Doubt‘, in dem das Rijksmuseum Boerhaave in Leiden eine Welt aus Fakten, Fiktion, Lügen und Wahrheit erkundet.

Mit 27 Kunstwerken und Hunderten weiterer Objekte führt das Museum Sie entlang der Grenzen der Zuverlässigkeit. Zum Beispiel können Sie sich lebensechte Deepfakes ansehen, über wissenschaftliche mythische Kreaturen lesen und brandneue Fossilien glänzen in der Vitrine. Objekte, die auf den ersten Blick einfach in ein Museum gehören, erweisen sich als nicht ganz authentisch. Zum Beispiel stammt der Boden einer antiken griechischen Vase aus einer anderen Zeit als der Rest der Keramik, und ein Affenskelett besteht aus zwei verschiedenen Gorillas.

Auch sensiblen Themen wird Aufmerksamkeit geschenkt. Das Schulplakat Minderwertiges Erbgut: Family Zero (1934) zeigt, wie das NS-Regime visuell ansprechende Lehrmaterialien nutzte, um seine ‚Rassenwahrheit‘ zu verbreiten. Wachsmodelle aus dem neunzehnten Jahrhundert zeigen auch Gesichter von Menschen und Tieren, denen sie ähneln. Aufgrund der diesen Tieren zugeschriebenen Charaktereigenschaften glaubte man, dass kriminelles Verhalten am Aussehen erkannt werden könne.

Zwischen den ausgestopften weißen und schwarzen Schwänen am Ende der Ausstellung ist die Botschaft klar: Diejenigen, die nach der Wahrheit suchen, müssen zuerst zweifeln.

Nähere Informationen: Rijksmuseum Boerhaave, Lange St. Agnietenstraat 10, Leiden, Telefon: +31 717519999, E-Mail: reservering@rijksmuseumboerhave.nl, Internet: www.rijksmuseumboerhave.nl

Chris Rijksmuseum

Die Präsentation der Dauerausstellung des Museums W wird ein ganzes Jahr lang durch Vasen und Objekte des bildenden Künstlers Chris Rijk ergänzt. Auf diese Weise entsteht ein Dialog zwischen den expressiven und aktuellen Werken Rijks und den kulturhistorischen Kunstobjekten des Museums.

Die Präsentation der Sammlung ist um zehn Themen herum aufgebaut, von denen jedes einen wichtigen Teil des menschlichen Lebens zeigt und zu dem beiträgt, wer wir sind. Denken Sie an den Körper, mit dem Sie geboren werden, die Familie, in der Sie aufwachsen, die Region und die Machtstrukturen, in denen Sie leben. Aber auch die Geschichten, die man bekommt, die Arbeit, die man leistet, die Entspannung, die man sucht, die Partys, die man feiert, und der Einfluss von Krankheit, Leid und letztlich Tod. Chris Rijk fügt jedem dieser Themen ein oder mehrere keramische Werke hinzu. Mit dieser einjährigen Museumsübernahme hinterlässt Chris Rijk einen kraftvollen und überschwänglichen Eindruck im Museum W in Weert.

Über Chris Rijk

In der Keramikarbeit des Künstlers Chris Rijk kommen Tradition und Provokation zusammen. Er verbindet die klassische Bildsprache der Delfter blauen Keramik mit zeitgenössischen, unkonventionellen und oft humorvollen Elementen. Sein Werk umfasst erkennbare Formen aus der keramischen Tradition wie Teller, Vasen und Geschirr, aber auch überraschende Objekte wie goldene Crocs, Toilettenschüsseln und keramische Buttplugs. Jedes Werk ist reich bemalt mit feinen Delfter Blau-Motiven, in denen Rijk Themen wie queere Identität, Erotik, Machtverhältnisse und Populärkultur anspricht.

Nähere Informationen: Museum W, Meikoel 2, Weert, Telefon: +31 495531920, E-Mail: museum@weert.nl, Internet: www.museum.nl

Daniel de Blieck – Ein Zeeland-Meister aus dem Goldenen Zeitalter

Daniel de Blieck (1627–1673) war ein Maler, technischer Zeichner und Architekt aus Middelburg, der sich auf Architekturmalerei spezialisierte. Sein Vater Laureys und sein Bruder Balthasar waren Zimmerleute. Er selbst war Schüler des Architekturmalers Dirck van Delen (1605–1671). 1647 wurde er Mitglied der Middelburger Lukasgilde und 1665 Dekan derselben Zunft.

De Blieck reiste viel. Ab 1657 verbrachte er die meiste Zeit vier Jahre lang in England und Frankreich. Als die Verwalter von Zeeland 1670, wie denen Hollands, beschlossen, ausschließlich mechanisch Münzen herzustellen, wurde De Blieck gebeten, Zeichnungen der notwendigen Produktionsausrüstung anzufertigen. Er war mit den neuesten technischen Entwicklungen vertraut, wie denen in La Monnaie in Paris, und hatte auch Zeichnungen für vergleichbare Münzausrüstung für De Hollandse Munt in Dordrecht angefertigt.

Gastkurator dieser Ausstellung und Autor der begleitenden Veröffentlichung ist der Kunsthistoriker Bernard Vermet, der 2024 die Ausstellung für das Rathausmuseum über das Leben und Werk des Zeelander Meistermalers Dirck van Delen bereitgestellt hat.

Nähere Informationen: Rathausmuseum Zierinksee, Meelstraat 6-8, Zieriksee, Telefon: +31 11145464, E-Mail: info@stadhuismuseum.nl, Internet: www.stadhuismuseum.nl

Royal Class

Die neue Präsentation ‚Royal Class‘ erzählt den Besuchern mehr über die Verbindung zwischen der niederländischen Königsfamilie und der Eisenbahn. Fast 150 Jahre lang reiste die niederländische Königsfamilie in eigenen Kutschen durch Europa. Die Kutschen wurden als mobile Häuser aufgebaut, in denen man arbeiten, schlafen, Spiele spielen und Hausaufgaben machen konnte. Der Zug wurde für besondere Momente genutzt, wie Feiertage, Gedenkfeiern, wichtige Besucher und Feiertage.

Nähere Informationen: Eisenbahnmuseum, Maliebaanstation 36, Utrecht, Telefon: +31 302306206, E-Mail: info@spoorwagenmuseum.nl, Internet: http://www.spoorwagenmuseum.nl

In der neuen Ausgabe der Museumstijdschrift findet der Leser oder die Leserin viele Tipps über Kunstausstellungen in den Niederlanden und manches mehr aus der Welt der Kunst. Hier ein kleiner Ausschnitt:

10 Ausstellungen, auf die man sich im Herbst 2026 freuen kann

Die Kultursaison hat wieder begonnen. Von großen Retrospektiven bis hin zu überraschenden Einzelpräsentationen: Das sind die Ausstellungen, auf die sich das Museumtijdschrift-Personal in den kommenden Monaten freut.

Kunstkritiker Joke de Wolf: ‚Licht auf Deshima‘ im Japan Museum Sieboldhuis

„Ich finde die frühe Geschichte der Fotografie interessant, weil man sehen kann, wie sich die Welt mit atemberaubender Geschwindigkeit verändert hat. In dieser Ausstellung sieht man messerscharfe Bilder von Japan vor 1870, noch bevor die kommerziellen Fotostudios mehr Einheitlichkeit brachten und die Menschen sich an die Kamera gewöhnten.“

Nähere Informationen: Japan Museum Sieboldhuis, Rapenburg 19, 2311 GE Leiden, Telefon: 071 5125539, E-Mail: info@sieboldhuis.org

Kunsthistoriker Robert-Jan Müller: ‚Frankenthaler x Judd‘ in der Kunsthal Kade

„Helen Frankenthalers Gemälde, besonders solche in großem Format aus den 1950er und 60er Jahren, mit Farbflächen in dünner Farbe, hinterließen einen überwältigenden Eindruck bei mir, als ich sie in Venedig und Bilbao sah. Endlich kann auch das Publikum in den Niederlanden ihre sensiblen Arbeiten genießen, und ich bin gespannt, wie Frankenthaler und ihr scheinbarer Gegenspieler, der Minimalist Donald Judd, in der Doppelausstellung miteinander kämpfen werden.“

Nähere Informationen: Kunsthal Kade, Eemplein 77, (Eemhuis), 3812 EA Amersfoort, Telefon: 033 4225030, E-Mail: info@kunsthalkade.nl

Autorin Amber van As: ‚Chez Matisse‘ im H’art Museum

„Nach einem Vorgeschmack in Paris freue ich mich auf die Ankunft von Henri Matisse in Amsterdam. Mit Sonderausleihen aus der Sammlung von Pompidou, unter anderem. Eine einzigartige Chance, das farbenfrohe Werk dieses französischen Meisters aus nächster Nähe zu erleben.“

Nähere Informationen: H´art Museum, Amstel 51, 1018 EJ Amsterdam, Telefon: 020 5308755, E-Mail: mail@hartmuseum.nl

Chefredakteur Jeroen Junte: „Kaffee – Eine niederländische Geschichte in der Keramik“ im Princessehof Museum für Keramik

„Kaffee ist eine ausgezeichnete Perspektive, um wichtige historische Umrisse zu studieren. Es ist eines der ersten Produkte in einem aufstrebenden Welthandel. Kaffee ist daher untrennbar mit unserer kolonialen Vergangenheit verbunden. Aber es kennzeichnet auch kulturelle und religiöse Unterschiede: von äthiopischen Kaffeezeremonien bis zur niederländischen ‚Tasse des Komforts‘. Kaffeekannen, Geschirr, Tassen und andere Keramiken sind die stillen Zeugen dieser Geschichten.“

Nähere Informationen: Keramik Museum Princessehof, Grote Kerkstraat 9, 8911 DZ Leeuwarden, Telefon: +31(0)58 2948958, E-Mail: info@princessehof.nl

Herausgeberin Julia Steenhuisen: ‚Marisol‘ im Museum Boijmans Van Beuningen

„Marisol entwickelte sich in den 1960er Jahren zu einem Star der Popkunst, verschwand dann aber an den Rand der Kunstgeschichte. „The Car“ (1964) ist in Rotterdam zu sehen: ein Holzwagen mit Passagieren, die bei genauerem Hinsehen fast alle Marisol selbst sind – verspielt und witzig, aber auch eine scharfe Untersuchung von Identität, Selbstbild und dem Blick des anderen.“

Nähere Informationen: Depot Boijmans Van Beuningen, Museumpark 24, 3015 CX Rotterdam, Telefon: +31(0)10-4419400, E-Mail: info@boijmans.nl

Kunstkritiker Rutger Pontzen: ‚Whistler – Dandy und Querdenker‘ im Van-Gogh-Museum

„Obwohl seine Gemälde in Grau, Schwarz, Weiß und Rosa Titel wie ‚Symphonie‘ oder ‚Harmonie‘ tragen, war James McNeill Whistler (1834–1903) keineswegs ein Mann des Friedens und der Harmonie. Außerdem blieb das eigenwillige Werk des Amerikaners, das durch Europa wanderte, angenehm unangepasst gegenüber dem vorherrschenden Realismus und Impressionismus, was immer eine Erleichterung ist.“

Nähere Informationen: Van-Gogh-Museum, Museumsplein 6, 1071 DJ Amsterdam, Telefon: (020) 5705200, E-Mail: info@vangoghmuseum.nl

Journalist Theo Toebosch: ‚Angkor – Das Geheimnis Kambodschas‘ im Drents Museum

„Ein anmutiges Bild aus Angkor hat schon genug Anziehungskraft, um nach Assen gehen zu wollen. Heute kommen sogar mehr als hundert Statuen aus Angkor, der größten Metropole der Welt im zwölften und dreizehnten Jahrhundert, ins Drents Museum. Was gesehen wird, braucht überhaupt nicht das Wort ‚Geheimnis‘ als Auslöser.“

Nähere Informationen: Drents Museum, Brink 1, 9401 HS Assen, Telefon 0592 377773, E-Mail: info@drentsmuseum.nl, Internet: www.drentsmuseum.nl. Geöffnet ist das Museum in der von Dienstag bis Sonntag in der Zeit von 10 bis 17 Uhr.

Kunst- und Architekturhistoriker Lindy Kuit: ‚Signac – Symphonie der Farben‘ in der Kunsthal Rotterdam

„Endlich sieht man „Le port de Rotterdam“ (1907) wieder, ein Gemälde aus der Sammlung Boijmans, das seit Jahren nicht zu sehen war. Und natürlich noch mehr. Dies verspricht einen riesigen Überblick über Signacs Werk und das bedeutender Zeitgenossen wie Seurat und Pissarro.“

Nähere Informationen: Kunsthal Rotterdam, Museumpark, Westzeedijk 341, 3015 AA Rotterdam, Informationshotline: 010 4400301, Kunsthal General: 010 4400300, E-Mail: communicatie@kunsthal.nl
3015 AA Rotterdam

Chefredakteurin Sophia Zürcher: ‚Hals-Rembrandt‘ im Frans Hals Museum

„Wenn daraus kein Showdown wird: Frans Hals und Rembrandt van Rijn werden in Haarlem zusammengebracht. Die Meister des siebzehnten Jahrhunderts sind so unabhängig voneinander so bekannt, dass ich neugierig bin, ob die Kombination der beiden neue Einsichten bringen wird.“

Nähere Informationen: Frans Hals Museum, Groot Heiligland 62, 2001 ES Haarlem, Telefon: 023 5115775, E-Mail: info@franshalsmuseum.nl

Kunstkritiker Edo Dijksterhuis: ‚Kochen aus dem Kühlschrank‘ in Bonnefanten

„Die Abschiedsausstellung des Bonnefanten-Direktors Stijn Huijts heißt ‚Kochen aus dem Kühlschrank‘ und bietet einen Überblick über dreißig Jahre Museumssammlung durch einen frühen Verfechter der ‚alternativen Kunstgeschichte‘. Nicht weniger als 28 Gastkuratoren wählten aus mehr als tausend Werken, was zu einer interessanten Sammlung von Mini-Ausstellungen führen wird.“

Nähere Informationen: Bonnefanten, Avenue Ceramique 250, 6221 KX Maastricht, Telefon: +31 (0) 433290190. E-Mail: info@bonnefanten.nl

Museumpark Vonk eröffnet in Eindhoven: ‚Komm und sieh es dir mit den Händen an‘

Vor kurzem eröffnete König Willem-Alexander offiziell den Museumpark Vonk in Eindhoven. Das ehemalige prähistorische Dorf wurde zu einem historischen Hands-on-Museum mit etwa 10.000 Jahren regionaler Geschichte ausgebaut. In der Technologiestadt, in der der Fokus meist auf der Zukunft liegt, steht die Vergangenheit im Mittelpunkt. Das Museumsmagazin sprach mit Direktor Ward Rennen über die Expansion und die Rolle, die Vonk in der schnell wachsenden Brainport-Region spielen möchte.

Der Museumpark Vonk empfängt seit dem 18. Juli Besucher. Das Gelände wurde von 1,6 auf 3,5 Hektar erweitert und erhielt ein neues Museumsgebäude mit Platz für die Sammlung und interaktive Installationen. Während das vorhistorische Dorf nur von April bis Oktober geöffnet war, bleibt Vonk ab jetzt das ganze Jahr über zugänglich. Im Museum wird der bestehende Freiluftbereich mit einer Sammlung und interaktiven Installationen kombiniert.

Führung in einer sich wandelnden Stadt

Laut Rennen wird derzeit ein Museum zur Geschichte Eindhovens benötigt. „In den elf Jahren, in denen ich in dieser Stadt arbeite, hat sich die Zahl der Nationalitäten verdoppelt. Neuankömmlinge aus allen möglichen Ländern, die hier arbeiten, zum Beispiel für ASML, wollen nicht nur einen Job und ein Haus wissen, sondern auch: In was für einem Ort bin ich gelandet?“

Seiner Ansicht nach brauchen auch die in der Region aufgewachsenen Einwohner von Eindhoven Anerkennung und „vielleicht auch ein wenig bürgerlichen Stolz“. Rennen: „Diejenigen, die stolz über ihre eigene Vergangenheit sprechen können, können einen Neuling in die Brainport-Region einführen. Gerade durch die Vergangenheit kann man diese Gruppen zusammenbringen.“

Vonk möchte zeigen, dass der Aufstieg von Eindhoven nicht mit Philips begann. Bereits im 19. Jahrhundert waren Hersteller von Mützen, Zigarren und Streichhölzern aus der Region international aktiv. Die Verpackung von Zigarren und Streichhölzern trug dann zur Entwicklung der Lithografieindustrie bei. „Das L von ASML steht für Lithografie“, sagt Rennen. „Philips landete nicht auf brachliegendem Boden: Es gab bereits eine Humusschicht aus Unternehmertum und international betriebener Industrie. Du siehst, wie Entwicklungen in der Geschichte miteinander verflochten sind.“

Ein Ort für die Sammlung

Die Erweiterung beendet auch ein Problem, das seit 2012 besteht. In jenem Jahr fusionierten das Freilichtmuseum Eindhoven, besser bekannt als das vorhistorische Dorp, und das regionale Museum Kempenland zum Eindhover Museum. Dies verschaffte der Organisation eine kulturhistorische Sammlung von etwa 25.000 Objekten, ohne einen geeigneten Ausstellplatz. Außerdem endete die Geschichte im vorhistorischen Dorp um den Achtzigjährigen Krieg. Die Jahrhunderte, in denen Eindhoven zu einem internationalen Zentrum für Industrie und Technologie heranwuchs, blieben daher weitgehend aus dem Spiel.

Im Abschnitt „Cabinet of Deepening“ wird diese Geschichte anhand von Objekten aus der Sammlung erzählt. Zum Beispiel sind die Medaillen des Olympiasiegers im Schwimmen Pieter van den Hoogenband ausgestellt. Eine Kreidezeichnung von 1918 von Jan Toorop zeigt weibliche Arbeiterinnen in der Eindhover Zigarrenfabrik Mignot & De Block. Das Eindhoven Museum erwarb die Zeichnung und ein weiteres Exemplar zusammen mit dem Van Abbemuseum.

Mit den Händen schauen

Bei Vonk hört es nicht beim Schauen auf. Unter dem Motto „Komm und sieh mit den Händen“ sind Besucher eingeladen, Bastelarbeiten auszuprobieren, zu experimentieren und beim Bau mitzuhelfen. „Indem ein Besucher selbst in etwas verwickelt ist, macht er die Geschichte zu seiner eigenen“, sagt Rennen.

Dies geschieht unter anderem in der Werkstatt der Vorstellungskraft. Dort arbeiten Designer gemeinsam mit Bewohnern, Studierenden, Freiwilligen und Besuchern an interaktiven Installationen. Zum Beispiel können Besucher eine Erinnerung an Philips in eine Münze gravieren. Die Münzen werden später in einem Gebäude im Museumspark verarbeitet. Für die Installationen arbeitet Vonk mit dem Eindhovener Designerduo Kiki & Joost, Aart van Asseldonk, Hugo Vrijdag und Tessa Koot sowie anderen zusammen.

Noch nicht fertig

Laut Rennen vollendet die offizielle Eröffnung das Museum nicht. Die ersten Besucher reagieren begeistert auf die Sammlung und die interaktiven Installationen, doch Vonk untersucht weiterhin, welche Präsentationen funktionieren und wo weitere Erklärungen nötig sind. „Wir müssen eine lernende Organisation sein“, sagt Rennen. „Die Zukunft wird zunehmend ungewiss. Man kann weiterhin von Kontrolle und Vorhersage ausgehen, aber als Museum muss man sich an eine unvorhersehbare Welt anpassen. Das passt gut zu Eindhoven: Es ist eine Stadt, in der Menschen Pionierarbeit treiben, manchmal versuchen und ein bisschen herumalbern.“

Nähere Informationen: Museumpark Vonk, Boutenslaan 161 B, 5644 TV Eindhoven, Telefon: +31 (0) 402522281, E-Mail: info@vonk.nl

Dein eigenes Haus, ein Platz unter der Sonne im Museum Het Schip

Von der Brechstange der Hausbesetzer bis zur Wohnungsbaugesellschaft und von Frauenwohnungen bis zum Arbeiterpalast: Mit einer langen Zeitleiste führt die Ausstellung ‚Kein eigenes Haus – leben in der Krise‘ im Museum Het Schip durch 125 Jahre Wohnungsgeschichte in Amsterdam. Dutzende von Gemälden, Zeichnungen, Originaldokumenten und Objekten berichten von Sozialwohnungen, Wohntürmen und großflächiger Stadterneuerung und zeigen, wie sich das Leben im Laufe der Zeit verändert hat.

Die Ausstellung verbindet die Wohnprobleme der Vergangenheit mit der Gegenwart. So wird beispielsweise ein Druck über Slumbesitzer von Tjerk Bottema (1882–1940) von einem Auszug aus dem investigativen journalistischen „Fernsehprogramm Boos“ begleitet, in dem ein Pfandleiher mit seinen Fehlverhalten konfrontiert wird.

Carlijn Kingmas (1991) „The Machinery of Public Housing“ (2025) ist ebenfalls beeindruckend. Man kann sich stundenlang die detaillierte Zeichnung ansehen, die alle Aspekte des niederländischen Wohnungsproblems zeigt. Das Werk zeigt akribisch, wie der Wohnmarkt zu einem erschütternden Spiel zwischen Gewinnern und Verlierern geworden ist. Auch auf Obdachlosigkeit wird geachtet. Der „Sheltersuit“ (2014) von Bas Timmer (1990) kann von einer wasserdichten Jacke in einen Schlafsack umgewandelt werden, der speziell entwickelt wurde, um Obdachlose vor der Kälte zu schützen.

Zwischen den Engpässen, Skandalen und Krisen gibt es auch Lichtblicke. Zum Beispiel zeigen farbenfrohe Modelle, wie das Leben in der Zukunft aussehen kann. Ein Videofragment zeigt außerdem, wie René Froger (1960) über die Bedeutung von ‚deinem eigenen Zuhause, einem Ort unter der Sonne‘ singt. Die Wohnungskrise ist noch nicht gelöst, aber zum Glück scheint die Vorstellungskraft viel Platz zu bieten.

Nähere Informationen: Museum Het Ship, Oostzaanstraat 45, Amsterdam, Telefon: +31 206868595, E-Mail: info@hetship.nl, Internet: www.hetship.nl

Eye(s) Open – Neue Perspektiven auf das koloniale Filmerbe

In der Ausstellung „Eye(s) Open“ treten elf Künstler in den Dialog mit Eyes Untersammlung von etwa 2.000 Kolonialfilmen aus ehemals besetzten Gebieten Indonesiens und Surinams. Sie schufen zehn neue Werke basierend auf diesen Filmen. Dabei legen sie koloniale Strukturen und Praktiken offen und hinterfragen die Rolle der Kamera bei der Aufrechterhaltung von Macht.

Die Sammlung von Eye enthält alle Arten von Filmen aus der Kolonialzeit. Sie sind Bilder von Gebieten, wie sie von den Besatzungstruppen gesehen und dokumentiert wurden: Dokumente jener Zeit, die aus eurozentrischer Sicht zur Aufrechterhaltung eines unterdrückerischen Systems beitrugen. Elf Künstler aus verschiedenen Ländern forschten zwei Jahre lang für die eklektische Sammlung oft problematischer Bilder.

Nähere Informationen: Eye Film Museum, Ijpromenade 1, Amsterdam, Telefon: +31 205891400, E-Mail: info@eyefilm.de, Internet: www.eyefilm.nl

Living Mesh – Eine Welt jenseits von Linné

Die Ausstellung „Living Mesh“ untersucht, wie Menschen die Natur sehen und erleben. Betrachten wir die Natur als etwas, das wir ordnen und besitzen, oder als ein lebendiges Netzwerk, in dem alles verbunden ist? Die Ausstellung basiert auf dem einflussreichen Klassifikationssystem, das der schwedische Botaniker Carl Linnaeus während seines Aufenthalts auf dem Landgut De Hartekamp in Heemstede entwickelte. Dort studierte er Anfang des 18. Jahrhunderts die Pflanzen- und Tiersammlung des Bankiers George Clifford III.

Zeitgenössische Künstler bieten eine andere Perspektive. Sie sehen und stellen die Natur als ein lebendiges Netzwerk dar, in dem nicht eine strikte Ordnung, sondern Vernetztheit zentral ist. Living Mesh lädt uns ein, die Natur als Gemeinschaft zu sehen, zu der wir gehören, statt als etwas, das wir besitzen oder klassifizieren.

Nähere Informationen: Verwey Museum Haarlem, Groot Heiligland 47, Haarlem, Telefon: +31 235422427, E-Mail: info@verweymuseumhaarlem.nl, Internet: www.verweymuseumhaarlem.nl

Ich verstehe, ich verstehe – Eine Welt voller Kunst

Treten Sie ein in eine Welt voller Farbe, Wunder und Kunst! In der allerersten Familienausstellung des Dordrechts Museums, ‚Ich sehe, ich sehe – Eine Welt voller Kunst‘, erlebt man Kunst wie nie zuvor. Während einer interaktiven Entdeckungsreise steigst du von einem überraschenden Kunstraum zum nächsten. Jeder Raum regt die Fantasie an und strahlt die Atmosphäre eines einzigartigen modernen oder zeitgenössischen Kunstwerks aus. Fühlen, tanzen, schauen und entdecken Sie die Geschichten hinter den Gemälden und Skulpturen. Ein unvergessliches Abenteuer für Jung und Alt!

Bewundern und erschaffen

Ich sehe, ich sehe ist eine Einladung an Kinder, (Bonus-)Eltern, Betreuern und Großeltern, gemeinsam Kunst zu erleben. Die Ausstellung bietet Werkzeuge, um zu untersuchen, was Kunst mit einem macht. Man entdeckt die Kraft von Farbe, Linien und Perspektive durch Schauen und Handeln. Und sehr wichtig: Finde heraus, was du von der Kunst hältst. Darf man etwas Hässliches finden? Und was halten Sie für wichtig, wenn Sie Kunst betrachten? Ich verstehe, ich sehe ist das Kunsterlebnis für Familien mit Kindern zwischen 6 und 10 Jahren.

Nähere Informationen: Dordrechts Museum, Museumstraat 40, 3311 XP Dordrecht, Telefon: +31 (0)78 770 8708, E-Mail: info@dordrechtsmuseum.nl

Exhibition Prize 2026 der Museumstijdschrift

Die zehn nominierten Ausstellungen für den Exhibition Prize 2026 der Museumstijdschrift wurden bekannt gegeben. Eine professionelle Jury stellte eine inspirierende und vielfältige Auswahl von Ausstellungen zusammen, die während der vergangenen Kultursaison in Museen in den Niederlanden zu sehen waren. Der jährliche öffentliche Preis lenkt die Aufmerksamkeit auf die hohe Qualität und Vielseitigkeit der Ausstellungen – von Kunst und Geschichte bis hin zu Design, Archäologie und Mode. Die Öffentlichkeit wählt den Gewinner. Welche Ausstellung verdient ihrer Meinung nach den Preis von 10.000 Euro?

Nominierte Ausstellungen

Die folgenden zehn Ausstellungen wurden für den Museum Magazine Exhibition Prize nominiert:

• Fiona Tan: Monomania – Rijksmuseum, Amsterdam
• Brancusi, Die Geburt der modernen Skulptur – H’ART Museum, Amsterdam
• Iris van Herpen: Die Sinne modellieren – Kunsthal Rotterdam
• Jacob Lawrence, afroamerikanischer Modernist – Kunsthal KAdE, Amersfoort
• Fehlend als runde Form – Stedelijk Museum Schiedam
• Michelangelos Männer – Teylers Museum, Haarlem
• Wi Sranan. Surinamische Kunst in Bewegung – Museum Cobra, Amstelveen
• Hip Hop ist – Groninger Museum, Groningen
• Die Welten von Jan Toorop – Museum Singer Laren
• BIRDS – Kuratiert von The Goldfinch & Simon Schama – Mauritshuis, Den Haag

Preise zu gewinnen

Die Abstimmung ist noch bis Sonntag, 13. September, möglich. Alle Teilnehmerinnen und Teilnehmer haben automatisch die Chance, die folgenden Preise zu gewinnen:

• Eine Kunstreise für zwei Personen im Wert von 1500 Euro (SRC Travel)
• Ein einjähriges Studium Ihrer Wahl an der Vrije Academie im Wert von 1125 Euro
• 50 x eine Vorlesung Ihrer Wahl an der Freien Akademie im Wert von 19,50 Euro
• 5 x das Buch Die Welt von Gerard van Honthorst im Wert von 49,95 Euro (WBOOKS Publishers)
• 5 x das Buch aus Glas | Hergestellt in der Antike im Wert von 34,95 Euro (WBOOKS Publishers)
• 3x ein Probeabonnement für das Museum Magazine im Wert von 33,50 Euro

Zum Preis
Der Museum Magazine Ausstellungspreis ist ein fester Bestandteil des Kulturjahres geworden und lenkt die Aufmerksamkeit auf die hohe Qualität und Vielfalt der Ausstellungen in Museen in den Niederlanden. Im Jahr 2026 wird der Preis zum achten Mal verliehen. 2025 ging die Ehre an die Doppelausstellung „Anselm Kiefer – Sag mir wo die Blumen sind“ des Stedelijk Museum Amsterdam und des Van-Gogh-Museums.

Preisverleihung
Die festliche Preisverleihung findet am Mittwoch, 7. Oktober, im Stedelijk Museum Amsterdam statt. Die Preisverleihung wird mit einem Besuch der Ausstellung von Yayoi Kusama und einem Abschlussdrink kombiniert.

Die professionelle Jury besteht aus Hester Alberdingk Thijm, Direktorin der AkzoNobel Art Foundation; Peter van Duinen, Direktor der Vrije Academie; und Jeroen Junte, Chefredakteur des der Museumstijdschrift.

Über die Partner
Der Ausstellungspreis der Museumstijdschrift ist eine Zusammenarbeit zwischen der Museumstijdschrift, der VriendenLoterij, SRC Reizen, der Vrije Academie und dem Stedelijk Museum Amsterdam.

Fiona Tan: Monomanie

„Fiona Tan: Monomania“ im Rijksmuseum Amsterdam war eine bewegende Ausstellung, in der Tan eine Reise durch den Geist unternahm. Der Ausgangspunkt dafür war ihre Faszination für die Vorstellungskraft der Psychiatrie im neunzehnten Jahrhundert. In ihrer Forschung ließ sie sich von ihrer Intuition, kreativen Assoziationen und Empathie leiten. Mit ‚Monomania‘ schuf Fiona Tan eine vielschichtige, fast filmische Ausstellung mit besonderen Stücken aus der Sammlung, die manchmal seit Generationen nicht gezeigt worden waren. Tans assoziative Reise konfrontierte das Publikum mit Fragen zur Psyche und der schmalen Linie zwischen Anerkennung und Entfremdung. Noch bis 14. September zu sehen.

Brancusi, Die Geburt der modernen Bildhauerei

Die Ausstellung „Brancusi, Die Geburt der modernen Skulptur“ im H’ART Museum in Amsterdam ehrte Constantin Brancusi, der weltweit als Begründer der modernen Bildhauerei gilt. Zum ersten Mal kam eine führende Sammlung seiner Kunstwerke nach Amsterdam. Die Ausstellung zeigte die wichtigsten Themen in Brancusis Werk. In Bildhauerei, Fotografie, Film und Malerei wurden die Themen diskutiert, die ihn weiterhin unaufhörlich faszinierten. Der Fokus lag auf seinem unverwechselbaren, kreativen Prozess, wie seiner Entscheidung, direkt am Material zu arbeiten, und seiner Fähigkeit, ‚das Wesen der Dinge‘ in einfachen Formen darzustellen. Endete am 18. Januar.

Iris van Herpen: Die Sinne modellieren

Iris van Herpen gilt als eine der avantgardistischsten Couturiers ihrer Generation. Van Herpen gilt als eine der avantgardistischsten Couturiers ihrer Generation. Durch ihren bahnbrechenden Einsatz innovativer Techniken in ihrem Fachgebiet bricht Van Herpen mit Modekonventionen und nimmt gleichzeitig die traditionelle Handwerkskunst der Haute Couture an. Die Ausstellung „Sculpting the Senses“ in der Kunsthal Rotterdam war eine Reise durch Van Herpens Universum und bot einen fesselnden Überblick, in dem Mode, zeitgenössische Kunst, Design und Wissenschaft zusammenkamen. Das Kunsthal präsentierte mehr als hundert ikonische Kreationen, in denen Van Herpen ständig die Grenzen der Haute Couture herausfordert. Endete am 1. März.

Jacob Lawrence, afroamerikanischer Modernist

Jacob Lawrence ist einer der wichtigsten schwarzen Künstler der Vereinigten Staaten des 20. Jahrhunderts. Die Kunsthal KAdE zeigte die allererste Retrospektive seiner Werke in Europa. Mit einem Erzählstil machte Lawrence das Leben und die (problematische) Geschichte der schwarzen Bevölkerung in den USA transparent. In einer dokumentarischen Ebene wurden Einblicke in die Geschichten, Ereignisse und Menschen gegeben, die die Grundlage der Aufführungen bildeten. Neben der Präsentation seiner fantastischen Werke wollte Kunsthal KAdE Jacob Lawrence seinen verdienten Platz in der Kunstgeschichte verschaffen und dem niederländischen Betrachter Einblicke in die schwarze Geschichte in den USA geben. Endete am 4. Januar.

Fehlend als runde Form

Inspiriert vom von der Kritik gefeierten Buch gleichen Namens der Kuratorin Hanne Hagenaars, präsentierte die Ausstellung „Fehlend als runde Form“ im Stedelijk Museum Schiedam eindringliche und bewegende Werke von mehr als dreißig (inter)nationalen Künstlern. Die Werke waren manchmal sanft und tröstlich, manchmal roh und konfrontativ. Die Öffentlichkeit entdeckte, wie Künstler mit Verlust umgehen. Das Thema traf einen besonderen Nerv. Verlust und der Umgang damit sind ein universelles menschliches Thema, das in einer unsicheren Zeit wie dieser wichtiger erscheint denn je. Die Ausstellung zeigte die Kraft von Kunst und Vorstellungskraft und wie sie einem helfen können, auch nach dem Verlust eines Menschen, der einem am Herzen liegt, weiterzuleben. Endete am 1. März.

Michelangelos Männer

„Michelangelos Männer“ war eine Ausstellung über Michelangelo Buonarrotis Faszination für den männlichen Körper. Dies war eine internationale Premiere: Noch nie zuvor war eine Ausstellung diesem Thema vollständig gewidmet. Mehr als 20 Zeichnungen von Michelangelo aus der Sammlung des Teylers Museums wurden durch einzigartige Leihgaben aus aller Welt ergänzt, darunter die Marmorstatue Apollo-David. Mit der Ausstellung wurde ein neues Licht auf die Bedeutung geworfen, die der männliche Körper in Michelangelos Kunst und Leben spielt. Endete am 25. Januar.

Wi Sranan. Surinamische Kunst in Bewegung

In dieser Ausstellung im Museum Cobra, Amstelveen stellten 24 Künstler und ein Künstlerkollektiv aus Suriname und den Niederlanden mit surinamischen Wurzeln den Kampf, die Transformation und die Zukunft der Freiheit dar. Mit Mode, Fotografie, Malerei, Installationen und Video zeigten sie, wie Geschichten aus der Vergangenheit weiterhin die Gegenwart beeinflussen. Die Ausstellung verband die surinamische Kunst mit dem experimentellen Geist von Cobra und bot Raum für vielfältige Stimmen, Traditionen und Perspektiven. Eine Einladung, über Identität, Gemeinschaft und die Bedeutung von Freiheit nachzudenken.

Hip Hop ist

‚Hip Hop Is‘ belegte die grenzenlose Kreativität des Hip-Hop und wie die Hip-Hop-Kultur die bildende Kunst der letzten vierzig Jahre beeinflusst hat. Die Ausstellung im Museum Groningen zeigte Werke nationaler und internationaler Künstler wie Martha Cooper, Arthur Jafa, Mick La Rock, Dana Lixenberg, Rammellzee und viele andere. Iris Kensmil schuf eine neue Installation mit Porträts weiblicher Rapperinnen. Boris Tellegen (Delta) entwickelte ein neues Wandbild um eine dreißig Jahre alte Wandskulptur. Niels Meulman (Shoe) führte die Besucherinnen und Besucher in seine unvergleichliche Calligraffiti-Technik ein, was zu einem mehr als dreizehn Meter langen Wandbild führte. Endete am 10. Mai.

Die Welten von Jan Toorop

Jan Toorop wurde oft als Chamäleon der Stile dargestellt, aber er ist viel mehr als das. Diese Ausstellung im Museum Singer Laren bot eine neue Perspektive auf diesen faszinierenden Künstler. Erstens, indem er Toorop seine teilweise javanische und chinesische Identität zurückgibt. Die Verpflichtung zu seinen Wurzeln ist ein wichtiger Schlüssel zu einem besseren Verständnis seiner Kunst. Außerdem wurden seine Werke Seite an Seite mit denen von Zeitgenossen gezeigt, von denen er beeindruckt war, sowie mit Werken jüngerer Künstler, die wiederum von Toorop inspiriert waren. Toorop entpuppt sich als grenzenloser Weltbürger, der mit seiner ganz eigenen visuellen Sprache und seinem ständigen Innovationsdrang die niederländische Kunstwelt auf ein neues Niveau heben konnte. Endete am 10. Mai.

BIRDS – Kuratiert von The Goldfinch & Simon Schama

Mit „BIRDS – Curated by The Goldfinch & Simon Schama“ präsentierte das Mauritshuis eine Ausstellung, die sich auf die menschliche Sicht auf Vögel konzentrierte. Keine Tierart hat uns kreativer und spiritueller beschäftigt als Vögel. Sie erscheinen in Kunst, Poesie, Religion und Musik, als Gottheiten oder als himmlische Boten. Unsere Faszination hängt ganz mit der Fähigkeit zu fliegen zusammen, die ausschließlich Vögeln vorbehalten ist. Die Ausstellung hob die komplexe, aber reiche Beziehung zwischen Vögeln und Menschen anhand verschiedener Themen hervor. Endete am 7. Juni.

Nähere Informationen: Museumstijdschrift, Postfach 16849, 1001 RH Amsterdam, E-Mail: contact@museumstijdschrift.nl

Teil I: Vom Teilen und Geteiltsein – 4. Juli bis 2. Oktober

Was passiert, wenn wir teilen – Ideen, Räume, Verantwortung? Mit „Geteilte Ansichten“ eröffnet die Kunsthalle Bielefeld ein umfassendes, zweiteiliges Ausstellungsprojekt, das das Teilen als ästhetisches, soziales und politisches Prinzip ins Zentrum rückt. Die Schau verbindet Werke aus der Sammlung KiCo mit Positionen aus der Sammlung der Kunsthalle Bielefeld. Die Stiftung KiCo wurde 2009 von Doris Keller-Riemer und Hans-Gerd Riemer ins Leben gerufen – mit der Zielsetzung, nicht nur in einer privaten Sammlung zu münden, sondern sich in kontinuierlicher Zusammenarbeit mit öffentlichen Museen zu entwickeln.

Folgende Künstlerinnen und Künstler werden mit ihren Werken vertreten sein: Mary Bauermeister, Georg Baselitz, Thomas Bayrle, Monica Bonvicini, Martin Brockhoff, Teresa Burga, Robert Delaunay, Thomas Demand, Nicole Eisenman, Lyonel Feininger, Lucio Fontana, Isa Genzken, Barbara Klemm, Daniel Knorr, Maria Lassnig, Konrad Lueg, Michel Majerus, Rita McBride, Sarah Morris, Matthias Müller, Senga Nengudi, Marcel Odenbach, Helga Paris, Charlotte Posenenske, Gerhard Richter, Ulrich Rückriem, Karin Sander, Tomás Saraceno, Jörg Sasse, Philipp Timischl, Wolfgang Tillmans, Oscar Tuazon, Günther Uecker, Clemens von Wedemeyer und James Welling.

Geteilte Ansichten. Kunsthalle Bielefeld x Sammlung KiKo

Teil II: Willst Du mit mir gehen? 17. Oktober 2026 – 21. Februar 2027

„Man muss einsteigen in die Malerei mit beiden Füßen“, so beschrieb die Künstlerin Maria Lassnig ihren künstlerischen Prozess in einem Interview. Ihr Werk „Füße“ (1987/89) aus der Sammlung KiCo steht zeichenhaft für den zweiten Teil der Ausstellung, in der neue mögliche Gangarten mit der Sammlung der Kunsthalle Bielefeld eingeschlagen werden und sich zugleich neue Standpunkte eröffnen. „Miteinander gehen“ bedeutet, dass Werke aus zwei Sammlungen zusammenfinden und miteinander ins Gespräch kommen, sich gegenseitig ergänzen, erweitern, hinterfragen und auch widersprechen.
Folgende Künstlerinnen und Künstler werden mit ihren Werken vertreten sein: Nevin Aladağ, Ketuta Alexi-Meskhishvili, Alexander Archipenko, Willi Baumeister, Julius Heinrich Bissier, Shannon Bool, Monica Bonvicini, Andrea Bütter, Alexander Calder, Robert Delaunay, Sonia Delaunay-Terk, Nicole Eisenman, Ceal Floyer, Günter Fruhtrunk, Christoph Girardet, Dominique Gonzalez-Foerster, Katharina Grosse, Hella Guth, Marcia Hafif, Charline von Heyl, Sheila Hicks, Gerhard Hoehme, Wassily Kandinsky, Ellsworth Kelly, Daniel Knorr, Maria Lassnig, Michel Majerus, Agnes Martin, László Moholy-Nagy, Matthias Müller, Senga Nengudi, Kenneth Noland, Francis Offman, Blinky Palermo, Sigmar Polke, Arnulf Rainer, Man Ray, Franziska Reinbothe, Gerhard Richter, Adrian Schiess, Phil Sims, Tony Smith, Eduard J. Stoecklin und Herbert Wilmsmeyer.

Nähere Informationen: Kunsthalle Bielefeld, Artur-Ladebeck-Straße 5, 33602 Bielefeld, Telefon: 0521 32999500, Fax: 0521 329995050, E-Mail: info@kunsthalle-bielefeld.de. Die Kunsthalle ist am Dienstag, Donnerstag, Freitag, Samstag und Sonntag von 11 bis 18 Uhr, am Mittwoch von 11 bis 21 Uhr geöffnet.

Newsletter der Kunsthalle Bremen

Letzte Ausstellungstage – Am 5. Juli ist Schluss

Natur und Antike. Der Romantiker Friedrich Nerly in Rom

Auf den Spuren des Malers Friedrich Nerly (1807–1878): Ab in den Süden – das war der große Trend in der Romantik. Auch Nerly ging bereits früh nach Italien. Er arbeitete in Rom, Tivoli und Olevano, damals wie heute Hotspots der Künstler und Touristen. An der Küste entlang reiste er nach Neapel und bis Sizilien. Dabei entstanden sonnendurchflutete Zeichnungen und Aquarelle vor der Natur, die ihm als Grundlage für Gemälde dienten. Zusammen mit der aufwendig restaurierten „Campagnalandschaft mit Aqua Claudia“ von 1836, einem Hauptwerk des Künstlers, und zahlreichen anderen Gemälden sind sie in einer großen Ausstellung zu sehen.

La Kunstalle parla italiano con la mostra di Friedrich Nerly! Die letzten Gelegenheiten für diese Reise im Rahmen einer Führung auf Italienisch sind am Sonntag, 14. Juni und 5. Juli um 11.30 Uhr.
Natürlich gibt es auch weiterhin öffentliche Führungen auf Deutsch: jeden Freitag, Samstag und Sonntag um 15 Uhr.

Nerly in Venedig. Von Gondeln und Palästen

In jungen Jahren ging Friedrich Nerly nach Italien. Nachdem er in Rom und Mailand gelebt hatte, zog es ihn nach Venedig: Was nur als kurzer Stopp auf dem Weg zurück nach Deutschland geplant war, entwickelte sich zu einem lebenslangen Aufenthalt. Während der 41 Jahre vor Ort wurde er der bekannteste lebende Künstler der Stadt. Aus dieser Schaffenszeit stammen auch seine berühmtesten Motive: die Markussäule im Mondschein und der Blick auf den Canal Grande. In der Kabinettausstellung sind neben 50 Papierarbeiten, darunter brillante Impressionen venezianischer Fenster, gotischer Architektur und schwarzer Gondeln, auch zwei Gemälde mit diesen Erfolgsmotiven zu sehen.

Aktuelle Ausstellung Remix. Photographie – Fiktion und Wahrheit – bis 28. Februar 2027

Kann man Photographie heute noch glauben? Und welche Aufgabe kann sie übernehmen in Zeiten von KI und Deep Fakes? Die Kunsthalle erweitert ihre Sammlungsausstellung Remix um vier Räume und zeigt dort eine Auswahl historischer und zeitgenössischer Photographie. Präsentiert werden Arbeiten von Bernd und Hilla Becher, Candida Höfer, Richard Mosse, Sebastian Riemer, Ricarda Roggan, Thomas Ruff, August Sander, Taryn Simon, Thomas Struth und Heinrich Zille. Die Photographien sind teils Neuzugänge aus der eigenen Sammlung, teils Dauerleihgaben aus der Sammlung Ültzen sowie Leihgaben aus der Sammlung Lothar Schirmer. Viele der ausgestellten Kunstwerke sind zum ersten Mal in der Kunsthalle Bremen zu sehen.
Tipp: Die nächsten Termine für öffentliche Führungen am Sonntag, 28. Juni und 5. Juli 2026, jeweils um 11 Uhr.

Ausstellungsvorschau & Dackel-Treff im Juni

Der Dackel. Eine Ikone geht Gassi – Vom 31. Oktober 2026 bis 28. März 2027

Das Highlight im Herbst: Eine Ausstellung mit hochkarätigen historischen und aktuellen Werken wird erstmals dem Dackel in der Kunst folgen. Neben Malerei, Zeichnung, Photographie, Video, Installation und Performance gibt es Einblicke in Populärkulturelles, Buchillustration, Deko- und Spielzeugdesign – und auch den Versuch, die Perspektive des Dackels selbst einzunehmen.

Einladung: Schon jetzt befindet sich die Kunsthalle im Dackelfieber und lädt anlässlich des bevorstehenden Welttags der Dackel alle Menschen, die einen Dackel besitzen, zu einem Presse- und Fototermin mit ihrem Hund auf die Grünflächen an der Kunsthalle ein. Am Freitag, 19. Juni, können sich Zwei- und Vierbeiner ab 11.30 Uhr vernetzen und beschnuppern. Gegen 12.30 Uhr ist ein Gruppenfoto mit Dackel geplant.

Nähere Informationen: Kunsthalle Bremen, Am Wall 207, 28195 Bremen, Telefon: +49 (0)421 – 32 9080, Fax +49 (0)421 – 32908470, E-Mail: info@kunsthalle-bremen.de

Schultze Projects #5. Jana Euler

18. Juli 2026 – 19. Juli 2028

Bernard Schultze und Ursula (Schultze-Bluhm) prägten Kölns Kultur seit 1968 und waren dem Museum Ludwig eng verbunden; das Haus bewahrt den Großteil ihres Nachlasses. Schultze gilt seit den 1950er-Jahren als Pionier des Informel, wobei das große Werkformat eine zentrale Rolle in seinem Spätwerk spielte. Die Schultze Projects knüpfen daran an: Alle zwei bis drei Jahre gestalten Künstlerinnen und Künstler die Stirnwand im Treppenaufgang neu.

Wade Guyton (2017) verknüpfte New Yorker Architektur-Ikonen mit digital verfremdeten Bildern und fragte nach Macht, Konsum und Bildkultur. Avery Singer (2019) zeigte mehrteilige Tableaus mit digital entworfenen Figuren, die die Ökonomisierung der Kunst spiegeln. Minerva Cuevas (2021) kombinierte Bankenlogos mit präkolonialen Symbolen und thematisiert koloniale Ausbeutung. Kresiah Mukwazhi (2024) verwandelte tausende BH-Träger in eine monumentale Stoffarbeit, die patriarchale Gewalt benennt und weibliche Kollektivität feiert. Im Juli 2026 wird die in Frankfurt lebende Malerin Jana Euler (*1982) die Wand gestalten. In ihrer neuen speziell für Schultze Projects entstandenen Arbeit thematisiert Jana Euler verschiedene Arten des Sehens und des Wahrnehmens von Kunst sowie die Interaktion von Werk und Betrachtenden.

Along the Color Line. Spuren einer Transatlantischen Moderne

3. Oktober 2026 – 7. März 2027

Zu seinem 50. Jubiläum zeigt das Museum Ludwig eine große, interdisziplinäre Überblicksausstellung, die Kunst der internationalen Schwarzen Diaspora in Beziehung zur europäischen Moderne setzt.

In der Kunst beschreibt die Moderne einen radikalen Bruch mit der Vergangenheit und eine völlig neue Bildsprache, die sich in der Umbruchszeit zu Beginn des 20. Jahrhunderts in alle Bereiche der Kultur und des Lebens ausbreitete.

Noch immer orientiert sich unser Blick auf die Moderne an weißer, westeuropäischer und nordamerikanischer Kunst. Wie aber haben Künstler*innen aus der schwarzen Diaspora die Moderne aufgenommen, weiterentwickelt oder sich bewusst von ihr abgegrenzt? In europäischen Museen sind Schwarze Künstler*innen oftmals nur schwach oder gar nicht vertreten. Diese Unterrepräsentation verweist auf tief verwurzelte koloniale und gesellschaftliche Machtverhältnisse, deren Auswirkungen bis in die Gegenwart reichen. Vor diesem Hintergrund fragt die Ausstellung, wie Schwarze Künstler*innen durch ihre Werke neue Narrative schufen, die koloniale und eurozentristische Sehgewohnheiten herausfordern. Anhand von Bewegungen wie der Harlem Renaissance in den USA oder die Négritude- Bewegung in Europa werden die Beziehungen zwischen den Kontinenten nachgezeichnet und die Auswirkungen auf heutige Kunstproduktion untersucht. Die große, interdisziplinäre Überblicksausstellung vereint eine Vielzahl von internationalen Leihgaben und setzt diese vereinzelt in Dialog mit Werken aus der Sammlung. Gemälde, Skulpturen, Zeichnungen und Fotografien spielen dabei ebenso eine Rolle wie Literatur und Musik der Schwarzen Diaspora.

Mit dieser Ausstellung bekräftigt das Museum Ludwig im Jubiläumsjahr 2026 seine Gründungsidee: Stimmen sichtbar zu machen, die zu lange übersehen wurden.

Man Ray: Kiki

31. Oktober 2026 – 4. April 2027

Die Sammlung Fotografie des Museum Ludwig umfasst rund 70.000 Werke von den Anfängen der Fotografie im frühen 19. Jahrhundert bis in die Gegenwart. In seinen Fotoräumen stellt das Museum regelmäßig Werke zu ausgesuchten Themen und Fotograf*innen zusammen.

Man Rays Fotografie von Alice Prin, genannt Kiki de Montparnasse (1901–1953), zeigt sie als Rückenakt, ein Tuch um die Hüften, eines um den Kopf. Inspiriert von Jean-Auguste-Dominique Ingres’ Rückenakten überführt Man Ray das Motiv ins 20. Jahrhundert: Er ergänzt auf Kikis Rücken in der Dunkelkammer die Schalllöcher einer Geige, wodurch ihr Körper zum Streichinstrument wird. Der Abzug im Museum Ludwig stammt aus der Sammlung Gruber; die Präsentation beleuchtet Entstehung und Geschichte dieses surrealistischen Meisterwerks.

Wolfgang-Hahn-Preis 2026 für Lee Ufan

7. November 2026 – 4. April 2027

Der südkoreanische Künstler Lee Ufan (*1936, lebt in Kamakura, Japan) wird mit dem 32. Wolfgang-Hahn Preis der Gesellschaft für Moderne Kunst am Museum Ludwig ausgezeichnet. In seiner Kunst begegnen sich konträre Kräfte wie Leere und Spannung, Stille und Energie. Als Mitbegründer der aus Japan stammenden minimalistisch arbeitenden Mono-ha-Bewegung („Schule der Dinge“), einem Kollektiv von Künstler:innen in Tokio zwischen 1968 und 1975, sucht er bis heute nach einer harmonischen Neuordnung der Dinge. Seit den 1970er-Jahren prägt vor allem seine reduzierte Malerei die internationale Kunstszene.

Der Wolfgang-Hahn-Preis wird jährlich von der Gesellschaft für Moderne Kunst am Museum Ludwig vergeben. Mit der Auszeichnung sollen vorrangig zeitgenössische Künstler*innen geehrt werden, die sich in der Kunstwelt durch ein international anerkanntes Œuvre bereits einen Namen gemacht haben, in Deutschland aber noch nicht so bekannt sind, wie sie es verdienen. Das Preisgeld in Höhe von maximal 100.000 Euro setzt sich aus den Beiträgen der Mitglieder zusammen und fließt in den Erwerb eines Werks oder einer Werkgruppe der Künstler*innen für die Sammlung des Museum Ludwig. Mit dem Preis verbunden sind vom Museum Ludwig organisierte Ausstellungen der erworbenen Arbeit(en) der Preisträger*innen sowie die Herausgabe einer begleitenden Publikation.

Nähere Informationen: Museum Ludwig, Heinrich-Böll-Platz, 50667 Köln, Telefon: +49-221-221-26165, E-Mail: infomuseum-ludwig.de. Das Museum ist Dienstag bis Sonntag (inkl. Feiertage) jeweils von 10 bis 18 Uhr und jeden ersten Donnerstag im Monat von 10 bis 22 Uhr geöffnet.

Noch bis zum 28. Juni werden im zum Museum More gehörenden Schloss Ruurlo die revolutionären Kreationen der niederländischen Modeikone Fong-Leng präsentiert. Die Ausstellung konzentriert sich hauptsächlich auf die grellen 1970-er Jahre und Fong-Lengs Beziehung zum ‚lebenden Kunstwerk‘ Mathilde Willink. Neben einer Auswahl einzigartiger, skulpturaler Roben werden dort auch Jeans-Designs gezeigt, die Fong-Leng für Levi’s angefertigt hat. Neue Arbeiten des Modefotografen Ferry van der Nat zeigen ebenfalls, wie zeitgemäß Fong-Lengs Mode immer noch ist.

In diesem Jahr ist es genau 60 Jahre her, dass die niederländisch-chinesische Designerin Carla Maria Fong Leng Tsang (*1937) ihre turbulente Karriere begann. Sie war eine der wenigen weiblichen Modemacherinnen und durchbrach Anfang der 1970-er Jahre das vorherrschende Bild der niederländischen Haute Couture. Alles an Fong-Leng strahlt die damalige Atmosphäre Amsterdams aus. Ihre überschwänglichen, theatralischen Kreationen und auch ihre bahnbrechenden Modenschauen mit mitreißender Disco-Musik sorgen in der angesehenen niederländischen Modewelt für Aufsehen.

Sie entwickelte ihre eigene Signatur und ließ sich unter anderem von ihren chinesischen Wurzeln sowie asiatischen Pflanzen- und Tiermotiven inspirieren. Sie verwendet Materialien wie Leder, Wildleder, Seide und Maraboufedern. Bei der Herstellung ihrer fantasievollen oder exotischen Kreationen wendet sie alte Handwerkstechniken wie Falten, Smocken und Applikationen an. Fong-Leng hat sich nie als Designer, sondern als Modekünstler gesehen. Sie sieht ihre Werke als eigenständige Kunstwerke. „Ich möchte etwas erschaffen, das nicht untergeht. Ja, nenn es das Streben nach Unsterblichkeit“, sagte sie einmal.

Mathilde

Es ist Fong-Lengs Modekunst, die eine starke Bindung zu einer anderen skurrilen Frau schaffen würde. 1971 besuchten Mathilde Willink-de Doelder (1938–1977) aus Zeeland zusammen mit ihrem Ehemann Carel Willink (1900–1983) Fong-Lengs neu eröffneten Laden. Studio Fong Leng in der Amsterdamer P.C. Hoofststraat ist mit Glas und Schiffsmetall dekoriert, Champagner wird serviert, Kleidung wird anprobiert und die Leute tanzen. Die Adresse wird zum Ort für führende niederländische Menschen und sogar internationale Jetsets. Mathildes erster Kauf ist der Beginn einer langjährigen Freundschaft zwischen ihr und Fong-Leng. Sie scheinen dazu bestimmt zu sein, in einer gemeinsamen Arena zu glänzen. Die kostbaren Fong-Leng-Kreationen, die Mathilde von nun an trägt, werden von ihrem Ehemann bezahlt.

Mathilde wird zu einer ikonischen Figur in Amsterdams Straßenszene und Nachtleben werden. Sie fühlt sich wie ein lebendiges Kunstwerk, kauft täglich in voller Montur ein und schminkt sich mit üppigem Make-up, das Willink vorbereitet hat. In Fong-Leng-Kreationen ist Mathilde endlich die geworden, die sie innerlich immer war. Im Gegensatz dazu ist die große Mathilde eine fantastische Botschafterin für Fong-Lengs Werk. Er sagt 1974: „Sie ist eine der liebsten Menschen, die ich gerne um mich habe. Sie ist wirklich ein Schatz. Ein Typ ohne nervige weibliche Kleinigkeiten. Und so ehrlich. Sie kann wirklich alles tragen. So perfekt. Außerdem geht sie überall hin. Sie trägt meinen Namen.“ Fong-Leng schreibt Modegeschichte, während Mathilde so berühmt ist, dass sie nur mit ihrem Vornamen genannt wird.

Enge Bindung

1975 verewigt Carel Willink Mathilde, gekleidet in einem metallfarbenen Leopardenumhang, in einem monumentalen Gemälde. Es ist auch das letzte Porträt, das Willink von seiner Muse und dritten Frau anfertigt. Der Maler hat beschlossen, sich von ihr scheiden zu lassen. Das Dreieck aus Fong-Leng, Mathilde und Willink ist gebrochen. Mathilde verliert jeglichen Halt und stirbt 1977 plötzlich unter mysteriösen Umständen. Fong-Leng kleidet sie für ihre Beerdigung in einen besonderen Hosenanzug: eine letzte Hommage an eine enge Bindung. Eineinhalb Jahre später wird Mathildes sorgfältig gesammelte Garderobe versteigert. Mathilde wünschte sich Berichten zufolge, dass ihre Fong-Leng-Kreationen in einem Museum landen würden. In gewisser Weise ist dieser Traum Wirklichkeit geworden. Mehrere niederländische Museen, darunter das Museum MORE, besitzen Werke von Fong-Leng in ihren Sammlungen.

Kate Bush, Levi’s…

Fong-lengs Karriere endet nach Mathildes Tod nicht. 1979 beispielsweise posiert die junge britische Popstar Kate Bush in einer breiten goldgelben Fong-Leng-Kreation während eines legendären Shootings des Popfotografen Claude Vanheye in einem Amsterdamer Parkhaus. Und Anfang der 80er entwirft Fong-Leng eine Jeanskollektion für Levi’s. Unterdessen ist eine Jeans-Schuppenjacke aus ihrer Hand ein beliebtes Sammlerstück. Sogar ihre Levi’s-Hose von vor 40 Jahren lässt sich noch leicht als modernes Design tragen.

Große Shows

Fong-Lengs Kreativität und Handwerkskunst haben sie vielleicht zur besten Modedesignerin gemacht, die die Niederlande je gekannt haben. Sie hat mit ihrer Arbeit die Grenze zwischen Mode und Kunst verwischt. Sie ließ sich von Conventions nicht aufhalten. Ich habe buchstäblich groß gedacht. Gemeinsam mit ihrem Team organisierte sie große Modeevents an Orten wie der Amsterdamer Beurs van Berlage, dem Tropenmuseum und dem Theater Carré, die 1983 in einer Modenschau im PSV-Fußballstadion gipfelten. Es ist Freitagnachmittag, der 20. August. Popmusik ertönt laut aus Stadionlogen und mehr als 15.000 Fans haben ein Ticket gekauft. Gegen Ende der Show beginnt es zu regnen, Schaufensterpuppen laufen unter Regenschirmen, aber das Publikum jubelt die Modediva von den Tribünen aus und ruft ihren Namen. Fong-Leng ist weiterhin als eigenständige Künstlerin aktiv.

Höhepunkte

In der Ausstellung auf Schloss Ruurlo kann das monumentale Porträt von Mathilde bewundert werden, zusammen mit einer wunderschönen Auswahl aus der Sammlung des Museum MORE: von einzigartigen Fong-Leng-Kreationen aus den 1970-ern bis hin zu Jeansdesigns und Levi’s-Kleidung aus den frühen 1980-ern. Einige Stücke werden erstmals ausgestellt.

Gezeigt werden auch Fotos von Ferry van der Nat (*1965). Dieser niederländische Fotograf mit Studios in Antwerpen und Paris war zunächst als Stylist und Make-up-Artist in der Modewelt tätig. Bekannt wurde er unter anderem durch Arbeiten für Vogue und Viktor & Rolf. Heutzutage konzentriert er sich auf Fotografie, wo er auch mit Künstlicher Intelligenz experimentiert. So hat Van der Nat kürzlich eine Fotoserie gemacht, in der androgyne Models in Fong-Leng-Kreationen posieren. Er manipuliert die Bilder mit KI, um einen entfremdenden Effekt zu erzeugen. Die Kleidungsstücke sind echt, aber ob seine Models und ihre Posen völlig real sind, bleibt unklar. Ferry van der Nat ist ebenfalls Sammler von Fong-Leng-Stücken.

Book Fong-Leng – 60 Jahre Mode und Ruhm: Die begleitende reich illustrierte Publikation beleuchtet die größte Modeikone der Niederlande des 21. Jahrhunderts. Unter anderen mit Beiträgen von Lisa Goudsmit und Julia Dijkstra. Das Buch wurde von Waanders Publishers veröffentlicht und ist in Zusammenarbeit zwischen dem Museum Jan aus Amstelveen und dem Museum More entstanden.

Nähere Informationen: Museum More, Hoofdstraat 28, 7213 CW Gorssel, Telefon: +31 575 760 300, E-Mail: info@museummore.nl