In der neuen Ausgabe der Museumstijdschrift findet der Leser oder die Leserin viele Tipps über Kunstausstellungen in den Niederlanden. Hier ein kleiner Ausschnitt:

Ausstellung „Art She Crafted“ würdigt Künstlerinnen (Von Edo Dijksterhuis, erschienen in der Museumstijdschrift)

Kunst ist eine Angelegenheit der Männer, das wurde lange Zeit angenommen. Aber diese Einstellung führt dazu, dass all die Frauen vergessen werden, die als Künstlerinnen, Sammlerinnen, Museumsdirektorinnen oder anderweitig zur Kunst beigetragen haben. Die Ausstellung „ Art She Crafted“ im Wereldmuseum Rotterdam zielt darauf ab, überholte Vorstellungen mit einer breiten Präsentation weiblicher Macherinnen zu korrigieren. Dieses Engagement ist spürbar, doch die Fülle an Geschichten und Perspektiven macht die Ausstellung unübersichtlich und die Absicht dahinter unklar.

Zu den ausgestellten Künstlerinnen:

Kritiker bezeichneten ihren Stil als „Hiroshima-Chic“ und ihre Fans werden „die Krähen“ genannt, weil sie schwarze Kleidung bevorzugten. Doch Rei Kawakubo (*1942) gilt auch als einer der größten Modeinnovatorinnen aller Zeiten. Die Gründerin der Marke Comme des Garçons entwickelte eine völlig einzigartige Designsprache mit lässigen, ausgefransten, übergroßen Taschen, asymmetrischen Passformen, Löchern, die man nicht erwartet, und einer geschlechtsneutralen Silhouette. Und das tat sie als Frau, in einer der patriarchalischsten Gesellschaften der Welt, in der Macho-Ära par excellence: Japan in den 1980-er Jahren.

Kawakubos „Crush-Rock“und -Oberteil aus der Frühjahr/Sommer-Sammlung 2012, die jetzt im Wereldmuseum Rotterdam zu sehen sind, zeigen ihre unangefochtene Meisterschaft. Das Outfit besteht aus einem riesigen Stück cremefarbenem Stoff mit origamiähnlichen Falten, das dann mit einem Seil umwickelt wird, sodass es fast zu einer Roulade wird. Körper und Kleidung werden so in eine neue Beziehung gepresst, die an den Slogan erinnert, mit dem Kawakubo anderthalb Jahrzehnte zuvor eine Kollektion bewarb: „Body Meets Dress, Dress Meets Body“(1997). Die japanische Designerin hatte alle Modekonventionen über Bord geworfen und Kleidung in tragbare Skulpturen verwandelt.

Der Titel der Ausstellung im Wereldmuseum, „Kunst, die sie geschaffen hat“, ist daher für wenige Macherinnen ebenso anwendbar wie für Kawakubo. Ihre Arbeit gilt als ‚Handwerk‘, steht aber auf der Ebene autonomer ‚Kunst‘.

Die weinende Frau in Guernica

„Warum gab es keine großen weiblichen Künstlerinnen?“, fragte sich die Kunsthistorikerin Linda Nochlin in ihrem gleichnamigen Buch von 1971. Die Antwort ist einfach: Sie waren da, aber sie wurden nicht gesehen. Was sie machten, wurde als Hausarbeit oder höchstens als angewandte Kunst abgetan. Ihre auferlegte Rolle war eine passive, als Modell und Muse. Zum Beispiel kannte jeder Dora Maar, der ein Video gewidmet ist, als Picassos Geliebte und die ‚weinende Frau‘ in seiner Guernica. Erst nach ihrem Tod wurde bekannt, dass sie selbst eine mehr als verdienstvolle Fotografin und Malerin war.

„Art She Crafted“ handelt von weiblichen Macherinnen, die nie die Anerkennung erhielten, die sie verdienten, aber inzwischen einen großen kulturellen Einfluss hatten. Sie reicht von anonymen palästinensischen Frauen, die ihre nationale Identität mit Stickerei prägen, bis hin zu Frauen in Tonga, die Rindentuch für religiöse und soziale Zwecke herstellen. Aber auch Frauen, die entgegen der Strömung berühmt wurden. Wie Fong-Leng (*1937), Designerin von üppigen Roben, oder Shirin Neshat (*1957), die iranische Künstlerin, die weiß, wie man islamische Ästhetik mit revolutionär-feministischem Elan verbindet.

„Art She Crafted“ beschränkt sich nicht nur auf Schöpferinnen. Jemand wie Safia Farhat (*1924 –+2004), die erste weibliche Direktorin der Kunstakademie in Tunis, erhält ebenfalls einen Platz in der Ausstellung. Nur um darauf hinzuweisen: Frauen spielen unterschiedliche Rollen im Kunstfeld, sowohl in der Vergangenheit als auch in der Gegenwart. Für alle, die feministische Geschichte ein wenig kennen, scheint das offensichtlich, aber anderen weniger, die Männer und Frauen, sodass Nochlins ihre Frage 2026 ernsthaft wiederholte.

Mit „Art She Crafted“ schließt Gastkurator Rajae El Mouhandiz daran an, wie in den letzten Jahren der Bereich weiblicher Kunst und Künstlerin in den Fokus gerückt wurde, von der Ausstellung „Masterful Women“ (2019) im Stedelijk Museum Schiedam bis hin zum Forschungsprogramm „Women of the Rijksmuseum“, das 2021 gestartet wurde. In der Ausstellung im Wereldmuseum ist sogar ein ganzer Tisch für relevante aktuelle Literatur reserviert.Was El Mouhandiz bezwecken will, ist die Beobachtung, dass Missachtung nicht nur eine Frage des Geschlechts ist. Klasse, Hautfarbe, Epoche und kultureller Hintergrund bestimmen ebenfalls maßgeblich die Sichtbarkeit einzelner Frauen. Um dies zu unterstreichen, springt die Ausstellung von der Malerei des siebzehnten Jahrhunderts im Dienst der Macht, über den Nahen Osten gesehen durch die Augen einer europäischen Fotografin, zu einer zeitgenössischen Interpretation von Mogulminiaturen, in der eine Frau auf dem Bett das Poster eines schönen Jungen betrachtet.Man spürt den Drang, die Geschichte richtigzustellen und die Begeisterung des Kurators nachzuvollziehen. Aber als Besucher fühlt man sich schnell überfordert. Die zu langen Erklärungen helfen nicht, auch weil sie in kleinen Schriften auf Schildern gedruckt sind, die viel zu niedrig platziert sind und man beim Lesen ununterbrochen vom gesprochenen Text der Videos unterbrochen wird. „Art She Crafted“ ertrinkt daher in einem Übermaß an guten Absichten und einem Mangel an Richtung.

Nähere Informationen: Wereldmuseu, Rotterdam, Willemskade 25, 3016 DM Rotterdam, Telefon: +31 10 270 7172, Internet: https://rotterdam.wereldmuseum.nl

Leitern und Treppen in der Kunsthal Kade Amersfoort (von Ulrike Neyens)

Eine vierzehn Meter hohe bronzene Leiter entlang der Autobahn in Amersfoort ragt in den Himmel. „Die Leiter“(1994) von Armando (*1929 – +2018) erinnert an die Opfer von Kamp Amersfoort während des Zweiten Weltkriegs. Für Armando, der als Kind mit Lagergefangenen in Kontakt kam und von diesen Erfahrungen tief berührt wurde, geht es vor allem um die Symbolik der Leiter: ein Mittel, Freiheit zu finden.

Inspiriert von diesem Werk zeigen in der Kunsthal Kade Amersfoort mehr als vierzig Künstler, was eine Leiter oder Treppe für sie bedeutet, mit alten oder neuen Werken wie „Stairway to..?“. Die Ausstellung umfasst die beiden Stockwerke des Gebäudes, die natürlich durch eine Treppe miteinander verbunden sind.

Unten führen die Installationen den Blick der Betrachter nach oben. Die neun Meter hohe Papierleiter „Border Fall Height“ (2025) von Tanya Aguiñiga (*1978) wurde mit Drucken von Objekten gefertigt, die sie nahe der Grenze zwischen den Vereinigten Staaten und Mexiko gefunden hatte. Das Werk bezieht sich nicht nur auf die physische Höhe der Grenze, sondern auch auf die Diskriminierung, der Migranten ausgesetzt sind. Das zerbrechliche Papier spiegelt die geistigen Auswirkungen auf Migranten wider, und die Höhe macht die monumentalen Hindernisse und systematischen Missverständnisse sichtbar.

Oben erwecken kleinere Werke und Videos persönliche Geschichten zum Leben. In einem Auszug aus dem beeindruckenden Dokumentarfilm„Sky Ladder“ (2016) von Cai Guo-Qiang (1957) zeigt er, wie er eine 500 Meter lange Feuerwerksleiter über Quanzhou in China als Hommage an seine Kindheit und seine Liebsten entzündete. „Stairway to…?“ zeigt, wie die Treppe für viele Künstler ein Symbol für Vorstellungskraft und Hoffnung ist und schwere soziale Themen darstellen kann.

Nähere Informationen: Kunsthal Kade, Eemplein 77, (Eemhuis), 3812 EA, Amersfoort, Telefon: 033 4225030, E-Mail: info@kunsthalkade.nl

Frauen des Widerstands – Kunst als Erinnerung

Vom 11. April bis 10. Mai präsentieren das Comité 40-45 Hoorn und die Künstlervereinigung De Boterhal die Ausstellung „Frauen des Widerstands – Kunst als Erinnerung“in De Boterhal. Die Ausstellung rückt die oft vergessenen Frauen ins Rampenlicht, die während des Zweiten Weltkriegs eine entscheidende Rolle im Widerstand spielten, und rückt ihre Geschichten durch zeitgenössische Kunst wieder ins Rampenlicht.

Obwohl Frauen im Widerstand lange wenig Aufmerksamkeit erfuhren, wächst die Anerkennung für ihre mutigen Taten. Forschungen der North Holland Archives haben in den letzten Jahren eine wachsende Liste von ‚vergessenen‘ Widerstandsfrauen zutage gefördert. Hoorn hatte auch eine reiche Tradition von Frauen, die gegen Unterdrückung vorgingen: Frauen, die Botschaften weitergaben, Menschen versteckten oder heimlich Widerstand organisierten. In einer Zeit, in der Freiheit weltweit noch nicht selbstverständlich ist, bietet diese Ausstellung die Gelegenheit, über ihre Bedeutung – damals wie heute – nachzudenken.

„Women of Resistance – Art as Memory“vereint Geschichte und Kunst in einer Geschichte. Die historische Ebene zeigt Fotografie und Kontext über Hoorn-Widerstandsfrauen, darunter Henny Schat, Truus Menger, Aaf Dell, Dieuw van Vliet, Trien de Haan, Nellie de Haan, Odile Moereels, Lies Langereis und Gré Visser. Sie standen für Mut, Integrität und zivilen Ungehorsam in Zeiten, in denen dies nicht ohne Gefahr war.

Nähere Informationen: De Boterhal, Kerkplein30, Hoorn, Telefon: +31 229217429, E-Mail: info@boterhal.nl, Internet: www.boterhal.com

Frau, Leben, Freiheit – Widerstand der iranischen Frauen

Unter dem Slogan „Frau, Leben, Freiheit“ gingen die Iraner Ende 2022 auf die Straße, was zu einer globalen Bewegung heranwuchs. Die Ausstellung „Frau, Leben, Freiheit – iranischer Frauenwiderstand“ im Niederländischen Widerstandsmuseum in Amsterdam, die dort noch bis zum 16. August zu sehen ist,hebt die Vielseitigkeit dieser Bewegung hervor und stellt diesen Widerstand in einen langen historischen Kontext. Im Zentrum steht die Stärke und Widerstandsfähigkeit von Frauen und anderen Iranern, die trotz großer Risiken Unterdrückung und Ungleichheit widerstehen.

Da die Iraner 2026 erneut massenhaft auf die Straße gingen, um gegen das Regime zu demonstrieren, und diese Proteste blutig mit einer beispiellosen Zahl von Todesopfern niedergeschlagen wurden, zeigt das Widerstandsmuseum die Geschichten hinter der Protestwelle, die Ende 2022 im Iran ausbrach. Der Grund für diese Protestwelle war der Mord an der 22-jährigen kurdisch-iranischen Jina Mahsa Amini durch die iranische Sittenpolizei, weil sie angeblich ihr Kopftuch nicht richtig trug. Iraner aller Geschlechter, sozialen Gruppen und ethnischen Hintergründe wandten sich gegen das Regime. „Frau, Leben, Freiheit“ ist ursprünglich ein kurdischer Slogan: „Jin, Jiyan, Azadî“. Unter der persischen Übersetzung „Zan, Zendegī, Āzādī“ wuchs die Protestbewegung zu einem landesweiten Aufstand heran. Die englische Übersetzung wurde international bekannt. Die Proteste wurden weltweit verfolgt.

Die Bewegung Frau, Leben, Freiheit kämpft für gleiche Rechte für Frauen sowie für Wahlfreiheit und Gleichheit aller Iraner. Gerade weil Frauen oft die am stärksten unterdrückte Gruppe sind, bildet ihr Kampf das Herzstück einer breiteren Widerstandsbewegung.

Nähere Informationen: Niederländisches Widerstandsmuseum, Plantage, Kerklaan 61, Amsterdam, Telefon: +31 206202535, E-Mail: info: verzetsmuseum.org, Internet: www.verzetsmuseum.org

Natur und Antike. Der Romantiker Friedrich Nerly in Rom

Ab 14. März

Mindestens 150 Jahre lang war die Campagnalandschaft mit Aqua Claudia von Friedrich Nerly nicht öffentlich zu sehen. Seit 1954 befindet sich das Gemälde im Besitz der Kunsthalle, ausstellbar war es bis vor kurzem jedoch nicht. Gut ein Jahr dauerte die Restaurierung mit eindrucksvollem Ergebnis: Ein vergessenes Hauptwerk des deutschen Malers Friedrich Nerly (1807–1878) kam ans Licht! Das Bild zeigt die antike Wasserleitung Aqua Claudia vor den Toren Roms. Gehen Sie in der Kunsthalle auf eine Reise ins sonnige Italien, wenn ab Samstag Nerlys frühe Schaffensjahre in Rom im Mittelpunkt einer großen Ausstellung stehen.

Tipp: Öffentliche Führungen durch die Ausstellung jeden Freitag, Samstag und Sonntag um 15 Uhr!

Aktuelle Ausstellung

Remix. Photographie – Fiktion und Wahrheit

Seit 25. Februar

Kann man Photographie heute noch glauben? Und welche Aufgabe kann sie übernehmen in Zeiten von KI und Deep Fakes? Die Kunsthalle erweitert ihre Sammlungsausstellung Remix um vier Räume und zeigt dort eine Auswahl historischer und zeitgenössischer Photographie. Präsentiert werden Arbeiten von Bernd und Hilla Becher, Candida Höfer, Richard Mosse, Sebastian Riemer, Ricarda Roggan, Thomas Ruff, August Sander, Taryn Simon, Thomas Struth und Heinrich Zille. Die Photographien sind teils Neuzugänge aus der eigenen Sammlung, teils Dauerleihgaben aus der Sammlung Ültzen sowie Leihgaben aus der Sammlung Lothar Schirmer. Viele der ausgestellten Kunstwerke sind zum ersten Mal in der Kunsthalle Bremen zu sehen.

Veranstaltungstipp: 15 Minuten Bildbetrachtung während der Kunstpause mit Ausstellungskuratorin Eva Fischer-Hausdorf am Donnerstag, 12. März, um 13 Uhr.

Kommende Ausstellung

Nerly in Venedig. Von Gondeln und Palästen

14. März bis 5. Juli

Mit 20 Jahren ging Friedrich Nerly nach Italien. Nachdem er in Rom und Mailand gelebt hatte, zog es ihn nach Venedig: Was nur als kurzer Stopp auf dem Weg zurück nach Deutschland geplant war, entwickelte sich zu einem lebenslangen Aufenthalt. In den 41 Jahren vor Ort wurde er der bekannteste lebende Künstler der Stadt. Aus dieser Schaffenszeit stammen auch seine berühmtesten Motive: die Markussäule im Mondschein und der Blick auf den Canal Grande. In der Kabinettausstellung, die parallel zu „Natur und Antike. Der Romantiker Friedrich Nerly in Rom“ gezeigt wird, werden neben 50 Papierarbeiten auch zwei Gemälde mit diesen Erfolgsmotiven zu sehen sein.

Veranstaltungstipp: 15 Minuten Bildbetrachtung während der Kunstpause mit Ausstellungskuratorin Maren Hüppe am Donnerstag, 2. April, um 13 Uhr.

Sonntags-Matinée I

Aqua Claudia am Sonntag, 15. März, 11.30 Uhr

Jens Köhler von der John Cabot University, Rom, berichtet über neue archäologische Forschungen und die Aussagekraft von Nerlys Gemälde.

Sonntags-Matinée II

Reise nach Italien! am Sonntag, 29. März, 11.30 Uhr

Ausstellungskuratorin Dorothee Hansen folgt den Spuren Friedrich Nerlys von
der ligurischen Küste bis nach Sizilien.

Öffentliche Führung

150 Jahre Paula Modersohn-Becker am Freitag, 13. März, 15 Uhr & Sonntag, 15. März, 11 Uhr

Die Teilnehmerinnen und Teilnehmer lernen Werk und Leben der Künstlerin Paula Modersohn-Becker im Spannungsfeld zwischen Worpswede und Paris kennen.

Online-Akademie

John Constable (*1776 – +1837) am Montag, 16. März, 18 Uhr

Kunst kann auch zu Hause kennengelernt werden – im Austausch mit anderen Menschen und an jedem Ort mit Internetanschluss. Termine der Online-Akademie finden regelmäßig statt.

Interreligiöses Kunstgespräch

Blickwechsel am Dienstag, 24. März, 18.30 Uhr

Wasser und seine Bedeutung in den Religionen: Referenten und Referentinnen unterschiedlicher religiöser Traditionen treten in einen Dialog mit Gemälden aus der Sammlung.

Nähere Informationen: Kunsthalle Bremen, Am Wall 207, 28195 Bremen, Telefon: +49 (0)421 – 32 9080, Fax +49 (0)421 – 32908470, E-Mail: info@kunsthalle-bremen.de

In der neuen Ausgabe der Museumstijdschrift findet der Leser oder die Leserin viele Tipps über Kunstausstellungen in den Niederlanden. Hier ein kleiner Ausschnitt:

Der Mythos von Amerika im Spielzeugformat (Rezension von Jeroen Junte, erschienen in der Museumstijdschrift)

Im H’art Museum in Amsterdam präsentiert der amerikanische Fotograf David Levinthal „American Myth & Memory – David Levinthal Photographs“, seine erste große Retrospektive in Europa. Mit sorgfältig inszenierten Miniaturen untersucht er, wie die visuelle Kultur unsere Darstellung der amerikanischen Geschichte geprägt hat. Die Tatsache, dass Trump derzeit offen die Geschichte hinterfragt, verzerrt und zensiert, macht seine Arbeit ironisch aktuell.

Der schwarze Lincoln Continental, Jackie Kennedys rosa Anzug, sogar die etwas blassen Farben – das muss ein Bild aus dem berühmten Zapruder-Video des Attentats auf Präsident John F. Kennedy sein. Und doch stimmt etwas nicht. Der 8mm-Film von Abraham Zapruder ist das einzige Filmbild des Angriffs, und darauf ist Jackie Kennedy größtenteils hinter ihrem Ehemann verborgen. Hier tritt sie in den Vordergrund. Auch die Flaggen auf dem Wagen fehlt jegliche präsidiale Etikette. Und dieses Bild ist sehr verschwommen.

Der amerikanische Fotograf David Levinthal (*1949) hat dieses Trauma, das sich in das nationale Gedächtnis eingebrannt hat, in einer lebensechten Miniaturwelt rekonstruiert. Nur dass Jackie Kennedy jetzt eine Marionette in einem Spielzeugauto ist. Auch die Perspektive hat sich vom Präsidenten auf sie verschoben.

Fakt und Fiktion

Die Kennedy-Pastiche ist Teil seiner ikonischen History-Serie(2010 – 2018), die zahlreiche mythische Momente der amerikanischen Geschichte darstellt. Fakt und Fiktion verschmelzen nahtlos. Ein Hubschrauber vor dem Hintergrund von Napalmfeuer ruft sofort die Erinnerung an den Vietnamkrieg hervor. Diese wurde hauptsächlich von Hollywood-Filmen wie „Apocalypse Now“ geprägt.

Levinthal zeigt, wie kollektives Gedächtnis immer wieder durch das Kino gefiltert wird. Schauen wir hier auf Kriegsgeschichte oder auf ein filmisches Klischee? Nach Hollywood oder zum Nachrichtenprogramm. Oder an Pentagon-Propaganda, das ist ebenfalls möglich.

Enttarnung

Seit mehr als 40 Jahren hinterfragt Levinthal mit seinen Fotografien die großen historischen Erzählungen, auf denen die amerikanische Identität stützt. Jede amerikanische Obsession geht vorbei – Gewalt, Sport, Rassismus, Geld. Die realistischen Fotos bieten gerade genug Halt, um Wiedererkennung hervorzurufen, aber die strategische Unschärfe und die irreführende Inszenierung untergraben diese Gewissheit.

Die kulturelle Demenz Amerikas, die inzwischen seine eigenen Legenden mit Geschichte verwechselt, wird gnadenlos entlarvt. Levinthal gab 1972 sein Debüt als Künstler mit der Serie „Bad Barbie“, in der er entkleidete Barbie-Puppen in sexuellen Posen fotografierte. Es war eine frühe Enthüllung einer sexuellen Moral, die zwischen pornografisch und puritanisch balanciert. Doch noch nie zuvor war seine Arbeit so dringend wie jetzt, wo ein Präsident offen versucht, die Geschichte neu zu schreiben.

Trump lässt schwarze Soldaten von Kriegsdenkmälern entfernen, Bücher werden aus Bibliotheken entfernt und das Smithsonian Institut wird mit Zensur bedroht. Bezeichnend ist, dass dort zuvor „American Myth & Memory“ gezeigt wurde. Das macht diese Ausstellung nicht nur notwendig, sondern auch bitter aktuell.

Unschuldige Objekte

Die Kraft von Levinthals Fotografie liegt nicht nur in gleichzeitiger Wiedererkennung und Unruhe, sondern auch in ihrer Mehrdeutigkeit. Er arbeitet mit Polaroid: einem Bild, das sich sofort nach dem Druck selbst fixiert und kein reproduzierbares Negativ enthält. 1986 besorgte er die größte kommerziell erhältliche Polaroidkamera, der amerikanische Mythos in seiner besten Form.

Und dann die Spielsachen selbst, versammelt auf Jahrmärkten und Flohmärkten, mit denen er geniale Dioramen baut. Unschuldige Objekte, die gewalttätige Geschichte rekonstruieren. Vielleicht ist keine Fabel so hartnäckig wie die des Wilden Westens: die Eroberung einer angeblich leeren Landschaft, in der der weiße Siedler zum Helden erhoben wird. Ein Stereotyp, das im modernen „Selfmade-Man“ weiterlebt. Für die ursprünglichen Bewohner – Sioux, Navajo und andere Völker – ist dieser amerikanische Traum ein Albtraum. Levinthal ließ absichtlich ihre Gesichter verschwimmen, reduzierte sie auf Statisten in einer Geschichte, die sie strukturell ausschließt. Ein Foto von großer Aussagekraft, und doch verwirrend.

Nähere Informationen: H’ART Museum, Amstel 51, 1018 EJ Amsterdam, Postadresse: Postfach 3438, 1001 AE Amsterdam, Telefon: 020 530 8755, Post: mail@hartmuseum.nl

Dirk Bakker – Bild-Rätsel

Der bildende Künstler Dirk Bakker (*1949 – +2021) malte die wunderbarsten Szenen in relativer Abgeschiedenheit, mit einem feinen Sinn für Farbe, Form und Komposition. Obwohl seine Arbeit stilistische Ähnlichkeiten mit denen der Künstler der Neuen Figuration aufweist, schlägt sie einen völlig anderen Ton an. Bakkers Gemälde fehlen die Ernsthaftigkeit und oft der intellektuelle Ansatz, der die Werke anderer figurativer Werke kennzeichnet, und strahlen vielmehr die entwaffnende Atmosphäre von Kinderbuchillustrationen aus. Doch so verspielt, zugänglich und humorvoll Bakkers Gemälde auch erscheinen mögen, in diesen entfremdenden visuellen Rätseln lauert oft etwas Beunruhigendes – das Verborgene, das die inneren Konflikte eines Künstlers ausdrückt, dem es schwerfiel, sich mit der Außenwelt zu identifizieren.

Als Dirk Bakker und seine Frau wegen Krankheit umziehen mussten, gab es niemanden, der sich um seine Kunst kümmerte. Außerhalb ihrer Kontrolle verschwanden Hunderte von Gemälden in Secondhand-Läden. Kurz darauf starb Dirk Bakker und sein Künstlerfreund Theo de Feyter erfuhr, was mit seinem Werk geschehen war. Mit Mühe gelang es ihm, einen kleinen Teil zu sichern, aus dem das Museum Belvédère dann als Tribut einer besonderen Kunstfertigkeit wählen durfte.

Nähere Informationen: Museum Belvédère, Oranje Nassaulaan 12, Herrenveen, Telefon: +31 513644999, E-Mail: info@museumbelvedere.nl, Internet: www.museumbelvedere.nl

Comedy Wildlife Awards 2025

Eine Vaping-Ente, ein weltberühmter „enthaupteter“ Flamingo und verschiedene Tiere mit guten und schlechten Haartagen: Im Naturmuseum Brabant gibt es was Besonderes zu sehen. Noch bis zum 3. Mai wird dort die achte Ausgabe der „Fotoausstellung Comedy Wildlife Awards“ gezeigt, mit vierzig Fotos von Tieren in unbeabsichtigt komischen Situationen.

Die Ausstellung zeigt, wie überraschend und beeindruckend die Natur ist, und lenkt auf einfühlsame Weise die Aufmerksamkeit auf den Naturschutz. Genau deshalb passt es so gut ins Natuurmuseum Brabant. Vor acht Jahren brachte es die Ausstellung ausschließlich in die Niederlande, genauer gesagt: nach Tilburg. Es war ein großer Erfolg, sowohl im Museum als auch in den sozialen Medien.

KI oder echt?

Es gibt auch das Flamingo-Foto von Miles Astray, das bei einem anderen Fotowettbewerb den Publikumspreis in der KI-Kategorie gewann, obwohl es ein echtes, nahezu unbearbeitetes Foto ist. Mutter Natur ist immer noch kreativer als Maschinen, wollte der Fotograf sagen. Noch mehr Extras in diesem Jahr: Alle technischen Spezifikationen der Fotos sind aufgeführt, ebenso wie die Orte, an denen die Fotos aufgenommen wurden. Es gibt auch noch weitere Fakten, die die Ausstellung zu bieten hat. Und es lohnt sich auf jeden Fall, die Fotos live zu sehen, denn da machen sie sogar mehr Spaß als online.

Nähere Informationen: Naturmuseum Brabant, Spoorlaan 434, Tilburg, Telefon: +31 135353935, E-Mail: info@natuurmuseumbrabant.nl, Internet: www.natuurmuseumbrabant.nl

FALSCH! – Frühe Fotocollagen und Fotomontagen

In einer Zeit, in der KI immer klüger wird, fragen Sie sich vielleicht: Wann ist ein Foto gefälscht oder echt? Aber wussten Sie, dass Bilder von Anfang an überraschend leicht zu manipulieren waren? In der Ausstellung FAKE! sind 50 historische Bilder aus der Sammlung des Rijksmuseums Amsterdam zu sehen, die kreative und irreführende Illusionen darstellen.

Ab 1860 begannen Fotografen, mit Fotocollagen und Fotomontagen zu experimentieren, indem sie Fotos schnitten, einklebten und zeichneten. In der Ausstellung kann man sehen, wie sich diese kreativen Techniken bis 1940 entwickelten. Mit einfachen Materialien wie Schere, Klebstoff, Tinte und Bleistift erschufen sie Bilder, die lustig, seltsam oder völlig unmöglich waren. Digitale Werkzeuge wie Photoshop existierten damals noch nicht, alles wurde von Hand erstellt. Manche Fotomontagen zeigen sofort, dass sie Fantasie sind, aber manchmal entdeckt man erst nach genauem Hinsehen, dass sie ausgeschnitten und eingefügt wurden.

Eine Fotocollage und eine Fotomontage mögen auf den ersten Blick gleich erscheinen, aber wissen Sie, worin der Unterschied besteht? In einer Fotocollage werden die Bilder ausgeschnitten und zu einem Ganzen eingefügt, und eine Fotomontage entsteht, wenn mehrere Fotos zu einem Bild zusammengeführt, dann erneut fotografiert und gedruckt werden.

Nähere Informationen: Rijksmuseum Amsterdam, Museumstraat 1, Amsterdam, Telefon: +31 206747000, E-Mail: info@rijksmuseum.nl, Internet: http://www.rijksmuseum.nl

In der aktuellen Ausgabe der Museumstijdschrift gibt es wieder einige vielversprechende Ausstellungs-Tipps für Museumsbesuche in den Niederlanden. Dieses Mal mit dem Thema „Lebenslinien“.

Grijs! Kunst über das Altern

Perspektiven auf das Altern in einer alternden Gesellschaft

In einer Gesellschaft, die obsessiv nach ewiger Jugend sucht, hat das Museum van Bommel van Dam in Venlo seine erste große Ausstellung über das Alter gemacht. Noch bis 14. Juni präsentiert das Kunstmuseum die Gruppenausstellung „Grijs! Kunst über das Altern“.

Durch Arbeiten internationaler zeitgenössischer Künstler erforscht die Ausstellung die Sicht und Erfahrung des Alterns in einer alternden Gesellschaft: von Altersdiskriminierung und Bildsprache bis hin zur Schönheit des sich verändernden Körpers und der Beziehung zwischen den Generationen. In Fotos, Videos, Gemälden, Installationen und Zeichnungen bekannter Künstler zeichnet die Ausstellung „Grijs!“ ein reichhaltiges Bild einer der wichtigsten Herausforderungen unserer Zeit.

Zu den teilnehmenden Künstlern zählen Tyna Adebowale (Nigeria, 1982), Diana Blok (Uruguay, 1952), Melanie Bonajo (Niederlande, 1978), Marrie Bot (Niederlande, 1946), Jan van Herwijnen (Niederlande, *1889 – +1965), Wen Hui (China, 1960), Isadora Kosofsky (Vereinigte Staaten, 1993), Marcos Kueh (Malaysia, 1995), Maria Lassnig (Österreich, *1919 – +2014), Lique Schoot (Niederlande, 1969), Sjoerd Schunselaar (Niederlande, 1990), Joan Semmel (Vereinigte Staaten, 1932), Lily van der Stokker (Niederlande, 1954) und Fiona Tan (Indonesien, 1966).

Nähere Informationen: Museum van Bommel van Dam, Keulsepoort 1, Venlo, Telefon: +31 773513457, E-Mail: info@vanbommelvandam.nl, Internet: www.vanbommelvandam.nl

GEN 3.0 – Die Generation 3.0 äußert sich zum Mitspracherecht

Genau 80 Jahre nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs, der auch das Ende der japanischen Besetzung der Niederländisch-Ostindien markierte, bringt das Fotomuseum Den Haag zeitgenössische Künstler zusammen, die visuell über die Auswirkungen der kolonialen Vergangenheit reflektieren. Aus ihrer persönlichen Perspektive untersuchen sie, wie diese Geschichte ihre Identität und Stellung in der Gesellschaft beeinflusst. Diese „Generation 3.0“ mit Wurzeln in verschiedenen Gemeinden der ehemaligen niederländischen Kolonie sind heute junge Erwachsene und neugierig: ‚Wie machen mich meine Familiengeschichte und mein koloniales Erbe zu dem, was ich heute bin?‘

Mit Fotografie, Video, Sammlungsdokumenten und Archivmaterial erzählen sie Geschichten, die bis jetzt unbesprochen geblieben sind. Ihre Arbeit bietet vielen Anerkennung und lädt gleichzeitig ein breiteres Publikum ein, über diese gemeinsame Vergangenheit nachzudenken.

Nähere Informationen: Fotomuseum Den Haag, Stadhouderslaan 43, Den Haag, Telefon: +31 703381144, E-Mail: info@fmdh.nl, Internet: www.fotomuseumdenhaag.nl

Neues Alt! Die Kunst des Altwerdens

Noch bis zum 3. Januar 2027 zeigt das Museum des Geistes in Haarlem mit der Ausstellung „Neues Alt! Die Kunst des Alterns“ ein menschliches und überraschendes Gesicht für die alternde Bevölkerung. Anhand spezieller Kunstfotos bekannter und unbekannter älterer Menschen zeigt das Museum die Vielseitigkeit, Vitalität und Widerstandsfähigkeit des Alterns. Die Ausstellung widerlegt hartnäckige Mythen über ältere Menschen als verletzlich und kostspielig und lädt zu einem neuen Blick auf das Alter ein. Die Niederlande altert rasant. Zum ersten Mal leben mehr ältere als junge Menschen in den Niederlanden. Laut Zahlen der niederländischen Statistik sind etwa 3,76 Millionen Menschen 65 Jahre oder älter und etwa 3,72 Millionen Menschen unter 20 Jahren. Im Jahr 2030 werden 25 Prozent der Bevölkerung über 67 Jahre alt sein. Jeder dritte 67-Jährige erlebt manchmal irgendeine Form von Altersdiskriminierung, während drei Viertel der über 65-Jährigen vital und unternehmerisch sind und voll an der Gesellschaft teilnehmen.

Einzigartige Lebensphase

In der Ausstellung „Neues Alt! Die Kunst des Altwerdens“ präsentiert das Museum des Geistes zusammen mit Gastkurator Prof. Tineke Abma, Stiftungsprofessorin für Kunst und Pflege an der Erasmus-Universität Rotterdam, eine andere, reichere Perspektive auf das Alter. Die Ausstellung verlagert den Fokus von Verletzlichkeit hin zu Vitalität, Kreativität und sozialem Engagement. Dem Wunsch nach Verbindung und Bedeutung wird ebenfalls expliziter Raum gegeben. Abma bringt es mit folgenden Worten auf den Punkt:: „Das Alter ist eine Lebensphase, die einzigartige Möglichkeiten bietet, endlich der Mensch zu werden, der man ist.“

Nähere Informationen: Museum des Geistes, Schotersingel 2, Haarlem, Telefon: +31 235410670, E-Mail: info@museumvandegeest.nl, Internet: museumvandegeest.nl

Politische Kunst als Reaktion auf die Proteste gegen die Mullah-Diktatur im Iran

Die Fotografie „Confidential“ von Somy Samani kann als ein künstlerisches Zeugnis der iranischen Revolution im Januar 2026 verstanden werden, obwohl diese Arbeit schon 2023 entstand.

Still, kontrolliert und bewusst zurückgenommen zeigt sie eine sitzende Frau, deren Gesicht teilweise verschleiert ist. Nichts an dieser Fotografie ist laut – und doch verdichtet sich in ihr eine politische Erfahrung, die für viele Revolutionen gilt, für die iranische jedoch in besonderer Weise.

Der Blick des Betrachters wird unweigerlich auf die Hände gelenkt: rot gefärbt, offen sichtbar, nicht versteckt. Es sind blutige Hände, die hier nicht als Schockmoment, sondern als reflektiertes Symbol erscheinen. Genau darin liegt die besondere Stärke dieser Arbeit.

Die iranische Revolution 2026 unterscheidet sich von früheren Protestbewegungen durch ihre existenzielle Zuspitzung. Sie ist kein symbolischer Aufstand mehr, sondern ein offener Kampf um politische und körperliche Selbstbestimmung. Somy Samani hat wie so viele Künstler eine Ahnung von dem, was kommen wird und reagiert mit einer bewusst inszenierten Bildform, die Distanz schafft – und gerade dadurch Tiefe gewinnt.

Die Figur in „Confidential“ steht nicht für eine konkrete Person. Sie ist anonym, stellvertretend, beinahe zeitlos. Diese Anonymität verweist auf die kollektive Erfahrung einer Revolution, auf die vielen Namenlosen, deren Handeln sichtbar wird, während ihre Identität verborgen bleiben muss.

Verantwortung statt Heroisierung

Im Zentrum der Fotografie stehen die blutigen Hände. Somy Samani versteht sie nicht als Anklage und nicht als moralische Überhöhung. Sie sind vielmehr Ausdruck einer bitteren Realität:

Denn wirkliche Revolutionen verlaufen nicht unblutig. Wer sich gegen ein repressives System erhebt, muss bereit sein, Verantwortung zu übernehmen – auch dort, wo Gewalt unausweichlich wird, um nicht selbst zum Opfer zu werden und andere zu schützen.

Die Fotografie „Confidential“ verweigert das Bild der sauberen, makellosen Befreiung. Die Illusion einer friedlichen Revolution, die letztendlich wie 1989 in Deutschland lediglich einen ökonomischen Charakter hatte und „Werte“ nicht thematisiert. Alte Eliten übernimmt und zu den nächsten gesellschaftlichen Problemen führt.

So exportierte Deutschland noch im Jahr 2025 für 500 Millionen Euro Güter, Maschinen und Ausrüstungen, in den Iran, die es dem Regime ermöglichten, seine Macht zu erhalten und indirekt den russischen Krieg in der Ukraine zu unterstützen.

Die roten Hände sind ruhig, nicht aggressiv. Sie zeigen keinen Akt der Gewalt, sondern deren Konsequenz. Damit verschiebt Samani den Blick von der Tat zur Verantwortung – ein zentraler Gedanke innerhalb der iranischen politischen Kunst.

Zensur, Metapher und die Sprache iranischer politischer Kunst

Die Bildsprache von „Confidential“ ist ohne den Kontext staatlicher Zensur nicht zu verstehen. Unter dem derzeitigen Regime entwickelten iranische Künstler über Jahrzehnte eine hochkomplexe visuelle Metaphorik, um politische Kritik zu tarnen. Offene Aussagen waren – und sind – oft unmöglich.

Erwähnt sei hier der Film „Taxi Teheran“ oder das Buch Persepolis von Marjane Satrapi . Taxi Teheran (Originaltitel: Taxi) ist eine iranische Dokufiktion des Regisseurs und Regimekritikers Dschafar Panahi aus dem Jahr 2015. In dem Film fährt ein Taxi durch die Straßen Teherans und nimmt verschiedene Fahrgäste auf, um sie zu ihren Bestimmungsorten zu bringen. Einige unter ihnen erkennen, dass der Regisseur Panahi am Steuer sitzt, der wegen seiner Filme Berufsverbot erteilt bekam und zu Gefängnisstrafen verurteilt wurde. Am Armaturenbrett hat er eine Kamera befestigt, die er auf die Fahrgäste richtet, während er sich mit ihnen unterhält.

Persepolis ist eine französische Graphic Novel von Marjane Satrapi, einer 1969 im Iran geborenen, heute in Paris lebenden Autorin und Zeichnerin von Comicromanen und Kinderbüchern. In dem vierteiligen Werk, das in Deutschland in zwei Bänden herausgegeben wurde, beschreibt sie ihre Kindheit im Iran, ihre spätere Zeit im Ausland und die Rückkehr in ihr Heimatland.

Während in der Diaspora oder in revolutionären Momenten wie 2022 explizite Symbole genutzt werden – etwa abgeschnittenes Haar oder die Farben der Flagge –, arbeiten viele Künstler weiterhin mit Zeichen, die für Außenstehende harmlos wirken. Alltagsgegenstände, Körperhaltungen oder Naturmotive werden zu Trägern politischer Bedeutung.

Somy Samani bewegt sich bewusst in dieser Tradition. Die Fotografie „Confidential“ ist kein offenes Protestbild. Ihre politische Aussage liegt in der Reduktion, im Weglassen, im kontrollierten Einsatz eines einzigen, unübersehbaren Symbols: der blutigen Hände.

Somy Samani im Kontext iranischer Opposition in Kunst, Film und Literatur

Die iranische Opposition hat seit Jahrzehnten ihre stärksten Stimmen im kulturellen Raum entwickelt. Film und Literatur arbeiteten mit Andeutung, Auslassung und Symbolik, um Zensur zu umgehen. Auch die bildende Kunst wurde zu einem Ort des indirekten Widerstands.

Im Vergleich zu erzählerischen Medien konzentriert sich Somy Samani auf den einzelnen, verdichteten Moment. Ihre Fotografie erzählt keine Geschichte im klassischen Sinn – sie hält einen Zustand fest. Gerade dadurch wird „Confidential“ anschlussfähig an unterschiedliche Diskurse innerhalb der iranischen Opposition: an feministische Kämpfe, an Fragen von Verantwortung, an die Ambivalenz revolutionärer Gewalt.

„Confidential“ ist ein Bild über Revolution an sich. Es verzichtet auf Parolen, auf Pathos und auf eindeutige Schuldzuweisungen. Stattdessen zeigt es den Menschen im Moment der Entscheidung.

In einer Zeit, in der politische Bilder oft schnell konsumiert und ebenso schnell vergessen werden, behauptet sich diese Fotografie durch ihre Ruhe. Sie zwingt zur Auseinandersetzung. Und genau darin liegt ihre politische Kraft. (von Thomas Gatzemeier)

Zum Autor:

Am dunkelsten Tag des Jahres 1954 im sächsischen Döbeln geboren, wurde Thomas Gatzemeier ungefragt von einem katholischen Pfarrer getauft.

Als Kind buk er heimlich einen Kuchen, der als Brot gut ankam. Dieses scheinbare Missgeschick inspirierte ihn dazu, eine Ausbildung als Schrift- und Plakatmaler zu absolvieren, um Pinsel und Stift zu beherrschen.

Er arbeitete anschließend auch als Steinmetzgehilfe und Grabsteindesigner. Nach dieser Grundausbildung studierte er Malerei und Grafik an der renommierten Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig, wo Arno Rink und Volker Stelzmann zu seinen Lehrern zählten. 1980 beendete er sein Studium und ist seitdem als freier Künstler, Autor, Kunsthändler, Blogger und Freizeitkoch tätig.

Konflikte mit den Machthabern der SBZ und ein mehrjähriges Ausstellungsverbot bewegten ihn 1986 dazu, die SBZ zu verlassen.

Danach lebte er vorwiegend in Karlsruhe, verbrachte aber auch längere Zeit in Zürich und nahe Worpswede. Von 2006 bis 2015 hatte er ein weiteres Atelier in Leipzig.

Nach 34 Jahren Hauptwohnsitz in Karlsruhe verlegte der Wanderer zwischen den Welten im Februar 2020 seinen Wohnsitz endgültig nach Leipzig.

Nähere Informationen: Thomas Gatzemeier, Gottschallstraße 24, 04157 Leipzig, Telefon: 0172 610 25 35, E-Mail: info@thomas-gatzemeier.de

Das Museum Magazine 1 2026 beziehungsweise die erste Ausgabe der Museumstijdschrift für dieses Jahr ist erschienen: eine kosmopolitische Ausgabe voller Geschichten über weltberühmte Kunst aus den Niederlanden und dem Rest der Welt.

Zum Beispiel spricht Simon Schama in einem überraschenden Interview über seine zwei großen Faszinationen: Vögel und Kunst. Der renommierte britische Historiker schuf die Ausstellung „Vögel“ im Mauritshuis, in der auch das Gemälde „Der Stieglitz“ aus dem Jahre1654 von Carel Fabritius zu sehen ist.

Seit seinen Anfängen in New York in den 1970-er Jahren hat sich Hip-Hop von einer rebellischen Musikbewegung zu einer globalen Kultur entwickelt, die von Tanz und Mode bis hin zu Fotografie und auch bildender Kunst reicht. Das Groninger Museum zeigt einen wichtigen Überblick über den Einfluss des Hip-Hop auf die zeitgenössische visuelle Kultur.

Jan Toorop gilt als vielseitiger und etwas rätselhafter Maler. Eine Ausstellung im Museum Singer Laren entwirrt das Geheimnis dieses einflussreichen Künstlers, indem sie sich auf seinen indonesischen Hintergrund fokussiert.

Zu lesen ist auch ein aufschlussreiches Porträt der School Of London, einer Gruppe von Künstlern, die sich mit einer neuen Art realistischer Malerei im Nachkriegs-England einen Namen machten. Viele kennen Lucien Lucien Freud, David Hockney und Francis Bacon. Aber wer gehört sonst noch zu dieser illustren Malergruppe? Dies und vieles mehr gibt es in einer neuen Ausgabe des Museum Magazine und ist ab dem 13. Januar im Handel und schon jetzt im Webshop erhältlich.

Über die Museumstijdschrift

Die Museumtijdschrift ist das größte unabhängige Kunstmagazin in den Niederlanden. Es erscheint achtmal jährlich als Papiermagazin und bietet eine breite Auswahl der aktuellen Ausstellungsangebote. Von alter zu zeitgenössischer Kunst und von Kulturerbe bis Design. Mit jeder Ausgabe wird eine umfangreiche Ausstellungsagenda veröffentlicht. Die erste Ausgabe des Museum Magazine – damals noch unter dem Namen Vitrine – erschien 1988. Das Museumsmagazin ist auch online sehr aktiv, mit einer wöchentlichen Webrezension und einem Newsletter. Zusätzlich gibt es regelmäßige Leser-Arrangements.

Darüber hinaus verleiht es jedes Jahr den Museum Magazine Exhibition Prize, einen öffentlichen Preis für Sonderausstellungen in niederländischen Museen. Im Jahr 2025 wurde der Preis zum siebten Mal verliehen. Mit dem jährlichen öffentlichen Preis lenkt das Museum Magazine die Aufmerksamkeit auf die hohe Qualität und Vielseitigkeit der Ausstellungen – von Kunst und Geschichte bis hin zu Design, Archäologie und Mode. 2024 ging die Auszeichnung an die Ausstellung „Ai Weiwei – Auf der Suche nach der Menschheit“ in der Kunsthal Rotterdam.

Mehr als 17.000 Museumsbesucher gaben ihre Stimmen im vergangenen Jahr ab. Mit einer überzeugenden Mehrheit wurde „Anselm Kiefer – Sag mir wo die Blumen sind“ als Lieblingsausstellung der vergangenen Saison ausgewählt. Die Doppelausstellung des Stedelijk Museum Amsterdam und des Van-Gogh-Museums rückte einen der wohl bekanntesten deutschen Gegenwartskünstler ins Rampenlicht, unterstrich seine Bewunderung für Vincent van Gogh und zeigte erstmals alle Werke aus der Sammlung des Stedelijk Museum Amsterdam neben neuen und bisher ungezeigten Werken.