Von Thomas Gatzemeier

Manche Motive wie Cranach oder Picasso mit ihrem Honigdieb erschöpfen sich nicht. Stattdessen wechseln sie ihre Gestalt und tauchen in neuen Zeiten wieder auf.

Unter einem Baum steht eine Venus. Neben ihr ein kleiner Amor, die Hand am Kopf, die Wabe noch festhaltend. Dies verbindet Cranach, Picasso und Theokrits Geschichte vom Honigdieb. Einige Jahrhunderte später erscheint dieselbe Konstellation erneut. Zwar hat sich die Bildsprache verändert, doch die Ordnung bleibt erstaunlich stabil, denn sie hat einen Ewigkeitswert.

Zwischen Lucas Cranach dem Älteren und Pablo Picasso liegt keine direkte Entwicklungslinie. Dennoch verbindet sie das Motiv Venus und Amor als Honigdieb, das sich über die Jahrhunderte hinweg behauptet.

Die Konstruktion der Venus bei Cranach

Bei Cranach ist die Venus nicht einfach dargestellt, sondern bewusst konstruiert. Der Körper erscheint langgezogen und kühl, fast ohne Gewicht. Gleichzeitig wirkt die Haut glatt und geschlossen, beinahe verletzlich. Dadurch entsteht eine Distanz, die den Blick lenkt. Auf sie lenkt. Die Venus, welche den Betrachter selbstbewusst anblickt. Auch ein wenig herablassend und skeptisch?

Zugleich symbolisiert der Baum mit seinen prallen Äpfeln die Verführung. Möchte Venus den Baum rütteln und schütteln, damit sich die Äpfel auf die Menschheit verteilen?

Währenddessen bleibt Amor unten positioniert und übernimmt die erzählerische Funktion. Da trifft ein biblisches Symbol auf eine Geschichte aus der Antike. Auffällig ist zudem der Kopfschmuck der Venus. Ein Heiligenschein aus Tüll und Tinnef – böse formuliert. Dieser gehört nicht zur Natur, sondern zur Inszenierung einer ambivalenten Figur.

Theokrit und der Ursprung des Honigdiebs

Der Ursprung des Motivs liegt in der antiken Dichtung bei Theokrit. In seinem kurzen Gedicht stiehlt Eros Honig aus einem Bienenstock. Kurz darauf wird er gestochen und klagt über den Schmerz. Seine Mutter Aphrodite antwortet mit einer präzisen Umkehrung: Obwohl Eros klein ist, verursacht er selbst größere Wunden.

Damit ist der Kern bereits formuliert. Die Liebe erscheint süß, zugleich aber schmerzhaft. Genau diese Spannung bildet die Grundlage für das spätere Bildmotiv Venus und Amor als Honigdieb. Cranach greift diesen Gedanken auf und überführt ihn in eine visuelle Ordnung. Dadurch wird aus dem Gedicht ein Bild, das Verführung und Verletzung gleichzeitig zeigt.

Die Story vom Honigdieb des Theokrit:

Einmal Eros, den Dieb, stach übel ein Bienchen, als Waben

Er aus den Stöcken geplündert; die Spitzen der sämtlichen Finger

Setzte der Stachel in Gluten; er hauchte im Schmerz sich die Hand an,

Stampfte den Boden und sprang in die Höh‘ und wies Aphroditen,

Was für Weh‘ ihm geschehen, und jammerte, daß ein so winzig

Tierlein die Biene doch sei und mache so mächtige Wunden.

Lachend die Mutter darauf: Gleichst nicht du selber der Biene?

Wie bist winzig auch du, und machest so mächtige Wunden!

Zu Theokrit:

Theokrit gehört zu den prägenden Dichtern der hellenistischen Zeit. Im 3. Jahrhundert v. Chr. entwickelt er mit seinen Idyllen eine neue Form von Dichtung, die das Einfache, das Ländliche und das scheinbar Nebensächliche ernst nimmt. Seine Texte wirken oft leicht, beinahe beiläufig – und tragen doch eine erstaunliche gedankliche Schärfe in sich.

Picasso und die Adaption nach Cranach

Im Werk von Picasso bleibt die Grundstruktur erhalten, während sich die Form deutlich verändert. Zunächst steht die Venus weiterhin im Zentrum. Ebenso bleibt Amor am unteren Bildrand positioniert. Darüber hinaus fungiert der Baum erneut als tragendes Element der Komposition.

Allerdings löst Picasso die geschlossene Form Cranachs auf. Der Körper wirkt nicht mehr modelliert, sondern reduziert und zeichenhaft. Dadurch entsteht eine neue Bildsprache, die sich stärker auf Linie und Kontrast konzentriert.

Gerade hier zeigt sich die Qualität der Adaption: Picasso übernimmt nicht das Erscheinungsbild, sondern die Konstruktion des Motivs Venus und Amor nach Cranach.

Kopfschmuck als kompositorisches Element

Ein besonders deutliches Bindeglied zwischen beiden Bildern ist der Kopf der Venus. Bei Cranach erscheint der Kopfschmuck als kunstvolle, fast übersteigerte Form. Dadurch wird die Figur bewusst aus der Natur herausgehoben. In ähnlicher Weise reagiert Picasso darauf, indem er den Hut stark vergrößert und formal zuspitzt.

Somit entsteht eine visuelle Verbindung, die über den Stil hinausgeht. Beide Künstler markieren die Venus als künstliche Figur. Genau hierin liegt ein zentraler Hinweis auf die bewusste Adaption.

Cranach, Picasso und der Honigdieb – Ein Motiv überdauert

Hatte es Cranach noch nötig, das Thema der Venus oder auch der Quellnymphe zu wählen, wenn er für seine bürgerliche Kundschaft „Nacktbilder“ produzierte, ließ sich Picasso durch die Gemälde alter Meister anregen.

Einerseits entwickelt Cranach aus einem antiken Text ein komplexes Bildsystem. Andererseits greift Picasso dieses System auf und überführt es in eine moderne Form. Dabei bleiben die zentralen Elemente erhalten: die Venus, der Amor, der Baum. Gleichzeitig verändert sich die formale Darstellung grundlegend.

Und vielleicht genügt tatsächlich ein einziger Stich – der der Biene bei Theokrit –, um diese lange Bildtradition in Gang zu halten. Denn sie scheint verloren in der abstrusen bildnerischen Korrektheit der Gegenwart.

Zum Autor:

Am dunkelsten Tag des Jahres 1954 im sächsischen Döbeln geboren, wurde Thomas Gatzemeier ungefragt von einem katholischen Pfarrer getauft. Als Kind buk er heimlich einen Kuchen, der als Brot gut ankam. Dieses scheinbare Missgeschick inspirierte ihn dazu, eine Ausbildung als Schrift- und Plakatmaler zu absolvieren, um Pinsel und Stift zu beherrschen.

Er arbeitete anschließend auch als Steinmetzgehilfe und Grabsteindesigner. Nach dieser Grundausbildung studierte er Malerei und Grafik an der renommierten Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig, wo Arno Rink und Volker Stelzmann zu seinen Lehrern zählten. 1980 beendete er sein Studium und ist seitdem als freier Künstler, Autor, Kunsthändler, Blogger und Freizeitkoch tätig.

Konflikte mit den Machthabern der SBZ und ein mehrjähriges Ausstellungsverbot bewegten ihn 1986 dazu, die SBZ zu verlassen. Danach lebte er vorwiegend in Karlsruhe, verbrachte aber auch längere Zeit in Zürich und nahe Worpswede. Von 2006 bis 2015 hatte er ein weiteres Atelier in Leipzig.

Nach 34 Jahren Hauptwohnsitz in Karlsruhe verlegte der Wanderer zwischen den Welten im Februar 2020 seinen Wohnsitz endgültig nach Leipzig.

Nähere Informationen: Thomas Gatzemeier, Gottschallstraße 24, 04157 Leipzig, Telefon: 0172 610 25 35, E-Mail: info@thomas-gatzemeier.de

Von Thomas Gatzemeier

Es gibt Maler, die passen in ihre Zeit. Und es gibt solche, die fallen aus ihr heraus. Matthias Grünewald gehört eindeutig zur zweiten Sorte.

Während um 1500 in Italien die Welt schön gemacht wird – Perspektive, Proportion, Harmonie –, geschieht bei Grünewald etwas ganz anderes. Denn seine Malerei will nicht beruhigen. Sie will zeigen, was im Inneren geschieht. Und das tut sie mit einer Radikalität, die noch heute überrascht und uns zum Nachdenken anregen sollte. Auch unsere Zeitgenössische Kunst „macht wieder einen auf schön“ obwohl die Welt in Unordnung ist.

Wer vor dem Isenheimer Altar im Musée Unterlinden steht, merkt schnell: Hier wird nichts idealisiert. Der gekreuzigte Christus ist kein schöner Körper, sondern ein gezeichneter gottgleicher Mensch. Denn seine Haut spannt sich, die Wunden treten eitern, der Leib wirkt schwer und leidend. Dieses Bild ist keine theologische Illustration mehr, sondern eine Erfahrung – beinahe körperlich spürbar. Es ist diesseitig, menschlich, abgründig.

Genau darin liegt die eigentümliche zeitlose Modernität dieses Werks. Grünewald interessiert sich nicht für die äußere Welt, sondern für das, was sie im Menschen auslöst. Farbe wird zum Mittel der Steigerung, Form zum Ausdruck von Spannung. Nichts ist glatt, nichts ausgeglichen. Nichts will gefallen.

Es ist kein Zufall, dass Künstler des 20. Jahrhunderts gerade hier ansetzen. Sie erkennen in Grünewald keinen Alten Meister im klassischen Sinne, sondern einen, der etwas vorwegnimmt: die Idee, dass Malerei mehr sein kann als Abbild – nämlich ein Zustand. Grünewalds Bildsprache ist eine universelle Bildsprache, denn sie vermag die Abgründe des Daseins darzustellen.

Ob man ihn deshalb einen frühen Expressionisten nennt, ist am Ende vielleicht gar nicht entscheidend. Entscheidend ist, dass seine Bilder etwas tun, was selten gelingt: Sie lassen den Betrachter nicht in Ruhe.

Die Szene zeigt die Verkündigung an Maria aus dem Isenheimer Altar. Schon auf den ersten Blick fällt auf, dass Grünewald weniger an harmonischer Schönheit interessiert ist als an einer dramatischen Steigerung des Ausdrucks. Genau hier beginnt der Gedanke, ihn als eine Art Vorläufer des Expressionismus zu verstehen.

Der Engel tritt nicht ruhig, klassisch und sanft auf, wie man es etwa bei italienischen Renaissancemalern erwarten würde. Sein Körper ist in eine fast tänzerische Bewegung gespannt, und vor allem der rote Mantel wirbelt wie eine Flamme durch den Raum. Farbe ist hier kein dekoratives Detail – sie wirkt wie ein emotionaler Ausbruch im Bild. Denn vor allem das Rot steigert die Intensität der Szene, ähnlich wie es später expressionistische Maler mit grellen Farbkontrasten tun.

Auch die Gestik ist ungewöhnlich aufgeladen. Die Hand des Engels zeigt mit einer fast nervösen Spannung auf Maria, während die kleine Taube des Heiligen Geistes wie ein Lichtpunkt zwischen beiden Figuren schwebt. Schauen Sie die Linienführung an, sie wirkt nicht ruhig und ausgewogen, sondern innerlich gespannt. Grünewalds Formen scheinen sich zu strecken und zu biegen, als stünde das ganze Bild unter emotionalem Druck. Maria weicht wie erschrocken zurück. Ihr nach hinten geneigter Kopf und die geschlossenen Augen geben der Szene einen spannungsvollen Charakter.

Matthias Grünewald interessiert sich weniger für perspektivische Ordnung oder ideale Proportionen als für die sichtbare Darstellung eines geistigen Ereignisses. Die Malerei wird zum Ausdrucksträger einer inneren Erfahrung. In dieser emotional aufgeladenen Bildsprache liegt der Grund, warum viele Kunsthistoriker Grünewald als einen der frühesten Vorläufer des Expressionismus betrachten.
Vergessen wird dabei, das auch seine inhaltlichen Interpretationen neu und anders sind.

Eine Szene aus dem Isenheimer Altar zeigt ein geradezu visionäres Engelskonzert. Mehrere Engel erscheinen in einem Raum von überwältigender Farbintensität. Ein Engel im Vordergrund spielt ein großes Saiteninstrument, während hinter ihm weitere Gestalten mit Harfe und Violine musizieren.

Doch der Expressionist Grünewald interessiert sich weniger für eine harmonische Darstellung himmlischer Musik als für eine Steigerung der emotionalen Wirkung. Denn die Farben wirken glühend und unruhig: Rosa, giftiges Grün, tiefes Blau und leuchtendes Rot stehen in scharfen Kontrasten zueinander. Auch die Figuren erscheinen fast körperlos im dunklen Hintergrund und scheinen aus einem Strudel von Licht und Farbe hervorzutreten.

Besonders auffällig ist die Mischung aus verfremdeter Schönheit und dem exaltierten Gestus der musizierenden Hände. Einige Engel besitzen beinahe groteske Züge, ihre Gesichter wirken maskenhaft oder entrückt. Diese Darstellung erinnert weniger an die ruhige Harmonie der Renaissance als an eine visionäre Bildwelt voller innerer Spannung.

Gerade jene expressive Übersteigerung macht Grünewald zu einer Ausnahmeerscheinung der deutschen Kunst um 1500. Seine Malerei versucht nicht, eine ideale Welt zu zeigen, sondern eine geistige Erfahrung sichtbar zu machen. Auch wegen dieser radikalen Bildsprache sehen viele Kunsthistoriker in ihm einen erstaunlich frühen Vorläufer des Expressionismus, der erst vierhundert Jahre später entstehen sollte.

Eine der dramatischen Szenen aus dem Isenheimer Altar zu Colmar zeigt die Versuchung des heiligen Antonius. Der Einsiedler liegt am Boden, während ihn eine Horde grotesker Dämonen attackiert. Die Kreaturen besitzen Mischformen aus Tier, Mensch und Fantasiegestalt: gefiederte Körper, Hörner, Schnäbel und verzerrte Gesichter drängen auf den Heiligen ein.

Grünewald steigert hier die Darstellung des Bösen zu einer geradezu visionären Intensität. Er vermag es die Dämonen nicht als einzelne Figuren, sondern als ein chaotischer Schwarm deformierter Körper darzustellen. Ihre grellen Farben – Gelb, Rot, Grün und Schwarz – wirken unruhig und aggressiv. Der Raum selbst scheint unter der Gewalt dieser Erscheinungen zu zerbrechen: zerstörte Architektur und verdrehte Landschaftsteile verstärken den Eindruck eines apokalyptischen Angriffs.

Vor allem der Körper des heiligen Antonius wirkt verletzlich und menschlich im positiven Sinne. Sein Gesicht drückt Entsetzen aus während die Dämonen an seinem Bart ziehen und ihn bedrängen. Dieser Gegensatz zwischen geistiger Standhaftigkeit und äußerem Chaos verleiht der Szene eine enorme Spannung.

Gerade in dieser radikalen Übersteigerung von Formen und Emotionen zeigt sich die außergewöhnliche Modernität Grünewalds. Die deformierten Figuren, die grellen Farbkontraste und die dramatische Bewegung erinnern überraschend stark an Bildwelten des Expressionismus oder sogar an surrealistische Visionen des 20. Jahrhunderts.

Deshalb gilt Grünewald vielen Kunsthistorikern als einer der erstaunlichsten Vorläufer einer Kunst, die nicht mehr nur die sichtbare Welt abbildet, sondern innere Zustände, Angst und Ekstase sichtbar macht.

Eine Szene des Isenheimer Altars zeigt die Begegnung der beiden Wüsteneinsiedler Antonius und Paulus. Beide sitzen in einer wilden Landschaft und teilen ein Stück Brot – eine Szene der christlichen Legende, in der ein Rabe den Einsiedlern Nahrung bringt.

Doch auch hier zeigt sich, dass Grünewald weniger an einer idyllischen Naturdarstellung interessiert ist als an einer visionären Verdichtung der Wirklichkeit. Die Landschaft wirkt fremd und beinahe traumartig. Verdrehte Baumstämme, moosbewachsene Äste und steile Felsformationen schaffen eine Umgebung, die eher einem inneren Zustand als einer realen Landschaft gleicht.

Es liegt nicht fern hierbei an die Landschaften des Surrealisten Max Ernst zu denken. Oder eben an die von Otto Dix. Grünewalds Figuren besitzen eine erstaunliche körperliche Präsenz. Besonders der asketische Körper des Paulus wirkt beinahe überdehnt, seine Haut liegt gespannt über den Knochen. Die Gestik seiner Hand, die in einer lebhaften Bewegung auf Antonius zeigt, verstärkt den Eindruck eines intensiven geistigen Gesprächs.

Auch die Tiere – der Rabe und das kleine Reh im Vordergrund – wirken nicht einfach dekorativ. Sie erscheinen wie symbolische Begleiter einer Welt, in der Natur, Vision und religiöse Erfahrung ineinander übergehen.

Gerade diese expressive Gestaltung der Landschaft und der Körper lässt Grünewald weit über die Kunst seiner Zeit hinausragen. Während viele Renaissancekünstler nach Harmonie und idealen Proportionen strebten, entwickelt Grünewald eine Bildsprache voller Spannung und innerer Bewegung.

Zum Autor:

Am dunkelsten Tag des Jahres 1954 im sächsischen Döbeln geboren, wurde Thomas Gatzemeier ungefragt von einem katholischen Pfarrer getauft.

Als Kind buk er heimlich einen Kuchen, der als Brot gut ankam. Dieses scheinbare Missgeschick inspirierte ihn dazu, eine Ausbildung als Schrift- und Plakatmaler zu absolvieren, um Pinsel und Stift zu beherrschen.

Er arbeitete anschließend auch als Steinmetzgehilfe und Grabsteindesigner. Nach dieser Grundausbildung studierte er Malerei und Grafik an der renommierten Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig, wo Arno Rink und Volker Stelzmann zu seinen Lehrern zählten. 1980 beendete er sein Studium und ist seitdem als freier Künstler, Autor, Kunsthändler, Blogger und Freizeitkoch tätig.

Konflikte mit den Machthabern der SBZ und ein mehrjähriges Ausstellungsverbot bewegten ihn 1986 dazu, die SBZ zu verlassen. Danach lebte er vorwiegend in Karlsruhe, verbrachte aber auch längere Zeit in Zürich und nahe Worpswede. Von 2006 bis 2015 hatte er ein weiteres Atelier in Leipzig.

Nach 34 Jahren Hauptwohnsitz in Karlsruhe verlegte der Wanderer zwischen den Welten im Februar 2020 seinen Wohnsitz endgültig nach Leipzig.

Nähere Informationen: Thomas Gatzemeier, Gottschallstraße 24, 04157 Leipzig, Telefon: 0172 610 25 35, E-Mail: info@thomas-gatzemeier.de

Bildkunst zwischen Werkstatt, Glaube und Malerei

Wer durch Mitteldeutschland reist, begegnet ihm auf Schritt und Tritt: Lucas Cranach dem Älteren, dem Jüngeren und ihrer Werkstatt.

Von Wittenberg bis Weimar, von Merseburg bis auf die Augustusburg prägen ihre Altäre die Kirchenlandschaft. Dass sich hier eine der weltweit dichtesten Ansammlungen Cranachscher Werke erhalten hat, ist kein Zufall, sondern Ergebnis einer künstlerischen und unternehmerischen Ausnahmeerscheinung.

Cranach ob der Ältere oder der Jüngere arbeiteten nicht wie die einsamen Meister, sondern wie klug organisierte Produzenten von Bildwerken jeder Art. Die Wittenberger Werkstatt funktionierte eher wie eine Manufaktur: effizient, arbeitsteilig, erstaunlich produktiv. Gleichzeitig bewegten sich die Cranachs sicher zwischen den Machtzentren ihrer Zeit – als Freunde Martin Luthers und Hofmaler der sächsischen Kurfürsten. Und das aufstrebende Bürgertum konnte sich die kleineren Werke auch schon leisten.

So entstand eine Kunst, die zwischen den Systemen steht: zwischen katholischer Bildtradition und reformatorischer Bildkritik, zwischen Handwerk und Idee, zwischen Markt und Glauben.

Der Heinrichsaltar im Merseburger Dom

Cranach Altäre Mitteldeutschland und ein eher verborgenes Werk mit überraschender Kraft

Abseits der großen Besucherströme, in einer Seitenkapelle des Merseburger Doms, steht ein Werk, das leicht übersehen wird – und gerade deshalb wirkt. Der sogenannte Heinrichsaltar aus der Werkstatt Cranachs entfaltet seine Kraft nicht durch Größe, sondern durch seine Bildstruktur.

Besonders auffällig sind die in den Raum ragenden Lanzen, die fast unwillkürlich an die Schlachtenbilder Paolo Uccellos erinnern. Ob Cranach Werke Uccellos kannte, bleibt fraglich – die formale Verwandtschaft ist dennoch bemerkenswert.

Der Altar zeigt die Kreuzigung Christi, umgeben von Heiligen, darunter Kaiser Heinrich II., dessen politische und religiöse Rolle hier sichtbar verschränkt wird. Die Figuren wirken nicht entrückt, sondern erstaunlich menschlich. Vielleicht liegt darin bereits eine leise Vorahnung reformatorischen Denkens.

Der Cranach-Altar in der Weimarer Herderkirche

Ein Bildraum von großer Klarheit und Tiefe

Wer die Herderkirche in Weimar betritt, steht unvermittelt vor einem der geschlossensten und zugleich komplexesten Werke der Cranach-Werkstatt. Der Altar, vollendet von Lucas Cranach dem Jüngeren, entfaltet sich nicht in der üblichen Ordnung, sondern in einer räumlichen Dramaturgie.

Die Szenen treten aus der Tiefe hervor, schichten sich nach vorn, gewinnen an Präsenz. Der gekreuzigte Christus steht im Zentrum – nicht nur ikonografisch, sondern auch kompositorisch.

Typologische Bezüge durchziehen das Bild: Mose, die eherne Schlange, das Lamm Gottes. Gleichzeitig erscheinen Zeitgenossen wie Luther als Teil des Geschehens. Der Altar wird so zum theologischen Argument – und zugleich zu einem eigenständigen Bildraum.

Hier wirkt Cranach der Jüngere nicht als Produzent, sondern als Gestalter eines komplexen Zusammenhangs von Raum, Glaube und Bild.

Cranach auf der Augustusburg

Ein fast übersehener Höhepunkt

Auf der Augustusburg, wo sich heute Motorräder und Touristen begegnen, verbirgt sich ein Werk, das bis heute im Schatten steht. Der Altar von Lucas Cranach dem Jüngeren – frisch restauriert – zeigt, welch eine Kraft von dieser Malerei ausgeht, wenn man sie von Zeit und Eingriffen befreit.

Die Farbigkeit hat gelitten, das Bleiweiß ist nachgedunkelt, und doch besitzt das Werk eine unmittelbare Präsenz. Im Zusammenspiel mit der bemalten Kanzel und dem klaren Innenraum der Schlosskapelle entsteht ein überraschend geschlossenes Ensemble.

Es ist einer jener Orte, an denen man sich fragt, warum solche Werke nicht stärker ins Bewusstsein rücken. Vielleicht liegt es daran, dass der Blick sich heute leichter von Motoren als von Bildern fesseln lässt.

Die Idee einer „Cranachstraße“ durch Sachsen erscheint plötzlich naheliegend – eine Route von Wittenberg über Leipzig bis hinauf zur Augustusburg.

Der Reformationsaltar in Wittenberg

Cranach Altäre Mitteldeutschland | Kunst zwischen Glaubensbild und Selbstinszenierung

Der Wittenberger Reformationsaltar gilt als Schlüsselwerk der protestantischen Bildkunst. Und doch stellt sich bei genauer Betrachtung eine gewisse Irritation ein.

Luthers Forderung nach dem Bild als „Merkbild“ – als verständliche, didaktische Darstellung – ist hier konsequent umgesetzt. Die Szene des Abendmahls wird zum theologischen Lehrstück. Luther selbst sitzt am Tisch, ebenso Melanchthon und andere Vertreter der Reformation.

Doch gerade diese Nähe wirft Fragen auf. Wird hier Glauben dargestellt – oder bereits inszeniert? Ist das Bild Ausdruck religiöser Überzeugung oder Teil einer neuen Form von Sichtbarkeit und Macht? Gar Propaganda?

Verglichen mit dem nur wenige Jahre später entstandenen Weimarer Altar wirkt das Wittenberger Werk erstaunlich zurückgenommen. Die Malerei tritt hinter die Botschaft zurück.

Vielleicht liegt darin seine eigentliche Aussage: Die Reformation war ein Umbruch der Gedanken – nicht unbedingt ein Triumph der Malerei.

Genau betrachtet bewegen sich die Cranach Altäre Mitteldeutschland zwischen System und Widerspruch.

Die Cranach Altäre in Mitteldeutschland sind keine homogene Werkgruppe. Sie zeigen vielmehr ein Spannungsfeld: zwischen Werkstatt und Meisterwerk, zwischen Theologie und Bild, zwischen Auftrag und künstlerischer Notwendigkeit.

Manche dieser Werke wirken unmittelbar, andere eher erklärend. Einige ziehen den Blick an, andere entziehen sich ihm.

Zum Autor:

Am dunkelsten Tag des Jahres 1954 im sächsischen Döbeln geboren, wurde Thomas Gatzemeier ungefragt von einem katholischen Pfarrer getauft.

Als Kind buk er heimlich einen Kuchen, der als Brot gut ankam. Dieses scheinbare Missgeschick inspirierte ihn dazu, eine Ausbildung als Schrift- und Plakatmaler zu absolvieren, um Pinsel und Stift zu beherrschen.

Er arbeitete anschließend auch als Steinmetzgehilfe und Grabsteindesigner. Nach dieser Grundausbildung studierte er Malerei und Grafik an der renommierten Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig, wo Arno Rink und Volker Stelzmann zu seinen Lehrern zählten. 1980 beendete er sein Studium und ist seitdem als freier Künstler, Autor, Kunsthändler, Blogger und Freizeitkoch tätig.

Konflikte mit den Machthabern der SBZ und ein mehrjähriges Ausstellungsverbot bewegten ihn 1986 dazu, die SBZ zu verlassen.

Danach lebte er vorwiegend in Karlsruhe, verbrachte aber auch längere Zeit in Zürich und nahe Worpswede. Von 2006 bis 2015 hatte er ein weiteres Atelier in Leipzig.

Nach 34 Jahren Hauptwohnsitz in Karlsruhe verlegte der Wanderer zwischen den Welten im Februar 2020 seinen Wohnsitz endgültig nach Leipzig.

Nähere Informationen: Thomas Gatzemeier, Gottschallstraße 24, 04157 Leipzig, Telefon: 0172 610 25 35, E-Mail: info@thomas-gatzemeier.de

Ausstellungen, Veranstaltungen, Kunstvermittlung

Ausstellungen

Anish Kapoor. Wilhelm-Lehmbruck-Preisträger der Stadt Duisburg und des Landschaftsverbandes Rheinland (24. April bis 30. August 2026)

Der Künstler Anish Kapoor (*1954, Mumbai) zählt zu den visionärsten Bildhauern unserer Zeit. Mit dem Wilhelm-Lehmbruck-Preis der Stadt Duisburg und des Landschaftsverbandes Rheinland wird nun sein wegweisendes Lebenswerk gewürdigt, das die Entwicklung der Kunst bis heute prägt.

Plastik Fantastik – Präsentation der Kunstvermittlung zur Ausstellung „Mika Rottenberg. Queer Ecology“ (bis 31. Mai 2026)

Originelle Exponate, ein verführerisches Nagelstudio und ein fantastischer Souvenir-Shop verleiten zum Tauschen, Staunen und Bereuen. Ein „Beichtstuhl“ mit einem Regal der Reue ermöglicht es, Buße zu tun und dem eigenen Konsumverhalten mit einem Augenzwinkern zu begegnen. Inspiriert von Mika Rottenbergs surrealen Werken entsteht ein kreativer Raum, der zum Mitmachen, Nachdenken und Gestalten einlädt. Durch interaktive Workshops, Führungen und performative Formate erschließen sich neue Perspektiven auf Kunst, Alltag, Umwelt und gesellschaftliche Zusammenhänge – poetisch, spielerisch und kritisch zugleich.

Das Lehmbruck Museum kooperiert mit der Maker-Szene und Nachhaltigkeitsinitiativen in Duisburg-Ruhrort, um ökologische Themen auch außerhalb des Museums kreativ erlebbar zu machen. Müll kann wertvoll sein, Weggeworfenes wird zu ungeahnten Schätzen. Zusammen räumen wir die Nachbarschaft mal ordentlich auf, um neue Perspektiven für die Zukunft zu gewinnen. Ebenso wie die Werke von Mika Rottenberg widmet sich auch die Präsentation „Plastik Fantastik“ den Gewohnheiten unseres Alltags und rückt die Dinge in ein neues Licht: Kunst ist ein Mittel, um alltägliches Handeln und Umweltbewusstsein neu zu verknüpfen.

Zwei Werke von Mika Rottenberg schlagen eine direkte Brücke zur Ausstellung „Mika Rottenberg. Queer Ecology“. Ein besonderes Highlight ist Rottenbergs erster und bisher einziger Spielfilm „REMOTE“ (2022, 92 Minuten), der in ihrer bekannten surrealen Ästhetik gemeinsames Alleinsein in unserer vernetzten und doch immer stärker isolierenden Welt thematisiert. Die Vorführzeiten sind täglich um 13 und 15 Uhr, am Wochenende zusätzlich um 11.15 Uhr.

„Plastik Fantastik“ zeigt darüber hinaus Werke von Benjamin Tiberius Adler, Aljoscha, Dirk Krüll, Monika Radhoff-Troll, Joachim Römer und Anna Vasof. Weitere Beteiligte sind die Blockblocks Cleanup gGmbH, Dr. Sonja Ehlers, Dr. Julius A. Ellrich, Shunji Furukama, RuhrortPlus, Jola Schwarzer (Schwarzer-design), Fabian Bos (Startupscheune) und die Wirtschaftsbetriebe Duisburg.

Veranstaltungen / Kunstvermittlung

Wenn nicht anders vermerkt, sind Tickets im Ticketshop des Lehmbruck Museums erhältlich.

Alternative Anmeldungen sind unter der Telefonnummer 0203 283 3294 oder per E-Mail an anmeldung@lehmbruckmuseum.de möglich.

Feiertagsöffnungszeiten

An Karfreitag, 3. April, und an beiden Osterfeiertagen, 5. und 6. April, ist das Museum von 11 bis 17 Uhr geöffnet.

Jeden Sonntag wird um 11.30 Uhr eine öffentliche Führung angeboten. 5. April: „Plastik Fantastik“,

12. April: „Traum und Wirklichkeit: Schlüsselwerke des Surrealismus“, 19. April: „Wilhelm Lehmbruck – Leben und Werk“, und 26. April: „Anish Kapoor. Wilhelm-Lehmbruck-Preisträger der Stadt Duisburg und des Landschaftsverbandes Rheinland“. Teilnahme: zwei Euro (zuzüglich zum Eintrittsgeld: neun Euro/ermäßigt fünf Euro) → Ticketshop

Donnerstag, 2. April, 17.30 Uhr

Kunst & Stulle: „Standbein – Spielbein. Menschen in der Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts“

Nach Feierabend ins Museum – ganz ungestört bietet sich die Gelegenheit, außerhalb der normalen Öffnungszeiten die Sammlung des Lehmbruck Museums oder die aktuellen Sonderausstellungen kennen zu lernen. Im Anschluss gibt es belegte Brote, Wein und weitere Getränke. Teilnahme: zwölf Euro (inklusive Eintritt, Führung, Speisen und Getränken) → Ticketshop

Freitag, 3. April, 12 bis 17 Uhr

Pay What You Want!

Jeden ersten Freitag im Monat können Besucherinnen und Besucher den Eintrittspreis selbst festlegen. Um 15 Uhr findet eine öffentliche Führung zum Thema „Highlights der Sammlung“ statt. Teilnahme: Pay What You Want!

Dienstag, 21. April, 15 Uhr

Kunst & Kaffee: „Von Meiderich nach Paris! Lehmbrucks Weg vom Dorf in die Kunstmetropole“

Die Teilnehmer genießen einen entspannten Nachmittag in der aktuellen Sonderausstellung. Nach einer Führung sprechen wir in geselliger Runde bei Kaffee und Kuchen über die Eindrücke der Ausstellung gesprochen. Teilnahme: zwölf Euro (inklusive Eintritt, Führung, Speisen und Getränken) → Ticketshop

Samstag, 25. April, 11 bis 17 Uhr

Hackaton: „Posthumane Körper“

Wie könnten sich unsere Körper entwickeln, wenn der Mensch sich wieder stärker an seine Umwelt anpassen würde? Wie sähe eine Fusion aus technischen, industriellen, tierischen, pflanzlichen und menschlichen Körpern aus? Ob Kabel statt Haaren, Polsterfolie als Hautoberfläche oder komplexe Chimären – mit der App „GENERIO“ sind der Fantasie keine Grenzen gesetzt.

Die KI-gestützte App verwandelt Skizzen und Ideen in ein 3D-Modell, das vor Ort mit einem 3D-Drucker ausgedruckt oder als Augmented-Reality-Experience virtuell präsentieren werden kann. Fabian Bos von der Startupscheune und die Künstlerin SOFF begleiten die Teilnehmer durch den Tag und unterstützen sie technisch und künstlerisch dabei, eine digitale Skulptur eines posthumanen Körpers zu entwickeln.

Zum Abschluss findet eine gemeinsame Bewertungsrunde statt: Die Teilnehmer werden zur Jury und stimmen über die beste Skulptur ab. Der Preis ist eine Jahreslizenz für GENERIO sowie die Möglichkeit, die eigene Skulptur im Lehmbruck Museum zu präsentieren.

Für die Teilnahme sind keine Vorkenntnisse in 3D-Modellierung oder Künstlicher Intelligenz erforderlich. Anmeldungen sind unter der Telefonnummer 0203 283 2195 oder per E-Mail an kunstvermittlung@lehmbruckmuseum.de. Die Teilnahme ist kostenfrei.

Donnerstag, 30. April, 17 Uhr

Bijayini Satpathy: „Transcending Gender and Self in Odissi Dance“ Lecture Demonstration im Rahmen des Festivals „Eigenzeit – Musik von jetzt“

Mit Bijayini Satpathy hat die Kuratorin Kamalini Mukherji einen ganz besonderen Gast zur Eröffnung des Festivals „Eigenzeit – Musik von jetzt“ nach Duisburg eingeladen. Tanzend, forschend und lehrend, beschäftigt sich die Künstlerin seit ihrer Kindheit mit der klassischen indischen Tanzform Odissi – und in der Tat: Es ließe sich kaum jemand Geeigneteres dafür finden, die Hintergründe dieser jahrtausendealten und erst im 20. Jahrhundert wiederentdeckten Kunst so kenntnisreich zu beleuchten, als Bijayini Satpathy. Eintritt: 11 Euro.

Nähere Informationen: Lehmbruck Museum, Friedrich-Wilhelm-Straße 40, 47051 Duisburg, Postadresse: Düsseldorfer Straße 51, 47049 Duisburg, Telefon: +49 (0) 203 283-3294. Fax: +49 (0) 203 283-3892, E-Mail info@lehmbruckmuseum.de

In der neuen Ausgabe der Museumstijdschrift findet der Leser oder die Leserin viele Tipps über Kunstausstellungen in den Niederlanden. Hier ein kleiner Ausschnitt:

Mudfish wird zum Raumschiff (Von Edo Dijksterhuis, erschienen in der Museumstijdschrift) – bis 7. Juni

Die Rückgabe kolonialer geplünderter Kunst findet meist in ethnographischen Museen statt. Doch das Museum de Fundatie in Zwolle besaß auch eine Bronze aus Benin in seiner Sammlung und nutzte die Restitution als Grund für die Ausstellung „Back to Benin“, bei der zehn zeitgenössische nigerianische Künstler eine Bühne erhalten.

Es ist leicht herauszufinden, wo „Ama O Ghe Ehen“ in den letzten 90 Jahren war. Die Bronzetafel eines Fisches mit breitem, flachem Kopf wurde 2005 in der Publikation über Museumsfavoriten des Museum de Fundatie dargestellt. Ein halbes Jahrhundert zuvor war es im Stedelijk Museum Schiedam ausgestellt, als Leihgabe von Dirk Hannema, dem Gründer des Zwolleer Museums. Er hatte den Edelstein 1937 in der Van Lier Art Gallery in Amsterdam gekauft, die ihn vermutlich zwei Jahre zuvor im MoMA in New York präsentiert hatte.

Alles davor ist Spekulation. Mit Ausnahme der Herkunft der Tafel: „Ama O Ghe Ehen“gehört zu den Benin-Bronzen, den Skulpturen des westafrikanischen Königreichs Benin (heute Nigeria), die 1897 von britischen Kolonialtruppen in großem Maßstab geplündert wurden. Es ist unmöglich zu sagen, ob dieses spezielle Kunstwerk auch illegal nach Europa gelangt ist oder ’nur‘ gehandelt wurde. Aber für Beatrice von Bormann spielt das keine Rolle. Als sie kurz nach ihrer Ernennung zur Direktorin von diesem bemerkenswerten Stück in der Museumssammlung hörte, entschied sie, dass es nach Nigeria zurückgebracht werden musste.

Dabei schließt sie sich einer wachsenden Gruppe von Kollegen an, die kolonial geplünderte Kunst an ihren rechtmäßigen Besitzer zurückgeben. Es gab auch Ausstellungen, die der Wiederherstellung gewidmet waren, wie ‚Plünderte Kunst – 10 Geschichten‘ (2023–24) im Mauritshuis und ‚Unfinished Past‘ (2025–27 im Wereldmuseum Amsterdam). Doch De Fundatie ist das erste Museum, das Wiedergutmachung nutzt, um die Beziehung zwischen Nachkommen von Dieben und Räubern wiederherzustellen oder zu erneuern. „Back to Benin“ verbindet die Geschichte von „Ama O Ghe Ehen“auf fruchtbare Weise mit zeitgenössischer Kunst aus Nigeria.

Orakelvogel

Die Ausstellung beginnt mit dem Grund: der Tafel. Der Fisch lebt auf dem schlammigen Grund von Flüssen, zwischen Land und Wasser, und erhielt daher mythische Kraft als Bote zwischen den Welten. Die Schuppen und das Rastermuster auf dem Kopf sind äußerst fein, ebenso wie die Zierblumen rund um den Körper. Selbst der größte koloniale Rough-and-Tumbler konnte diese Qualität nicht vermissen. Kein Wunder, dass dieser Fisch gestohlen wurde.An den Wänden erzählen eine Zeitleiste und Fotos die Geschichte der Benin-Bronzen, die nach der britischen Plünderung in etwa 160 Museen weltweit verteilt wurden. Es dauerte mehr als ein Jahrhundert, bis eine Wiedergutmachung überhaupt in Betracht gezogen wurde. Erst im vergangenen Jahr wurden 113 Stücke aus der Nationalsammlung und sechs aus der Gemeinde Rotterdam offiziell an den Oba (König) von Benin übergeben.

Die hohe Informationsdichte der einleitenden Präsentation spricht nicht jeden an, hilft aber, Folgendes zu verstehen. Eine Reihe von Künstlern, die von der Kuratorin Aude Christel Mgba ausgewählt wurden, sind buchstäblich vom Schlammfisch, den Benin-Bronzen oder der Mythologie des Edo-Volkes, der Gründer des Königreichs Benin, inspiriert. In ihren Collagen aus Fotografie und Malerei bezieht sich Taiye Idahor auf den Orakelvogel, der einen Oba aus dem sechzehnten Jahrhundert vor der Niederlage rettete. Und Minne Atairu übersetzt die kosmologische Geschichte über die ‚Könige des Himmels‘ in ein KI-generiertes Video mit afro-futuristischem Touch, in dem der Schlammfisch zu einem Raumschiff wird.

Riesige Tonrüstung

Die ausgewählten Künstler haben alle einen internationalen Lebenslauf, aber die Qualität ihrer Arbeit variiert. Die Fotoinstallation, in der Abraham Onoriode die kolonialen Archive von Oghobase mit der alten Karte von Benin verbindet, ist konzeptionell aufwendig, aber visuell nicht besonders aufregend. Und die Gemälde, in denen Osaze Amadasun historische Persönlichkeiten und zeitgenössische Szenen verbindet, wirken für westliche Augen ein wenig zu sehr wie glatte Filmplakate.

Viel interessanter ist die Arbeit von Favour Jonathan, die nicht nur ein riesiges Totem zusammenschweißte, sondern auch hundert Selbstporträts fotografierte, in denen ihre wechselnde Frisur jedes Mal eine andere Kraft symbolisiert. Victor Ehikhamenor errichtete eine Kapelle mit einem traditionellen Regengott aus geschmolzenen Plastikrosenkränzen, um zu zeigen, wie Christentum und afrikanische Religion noch heute Seite an Seite existieren. Und im selben Raum beeindruckt Osaru Obaseki mit einer Wandskulptur, in der Platten aus gepresstem Ton – Benins Verteidigungsmauer – mit Bronzetafeln zu einer riesigen Rüstung vernietet werden.

Im Vergleich dazu wirkt Phil Omodamwens Werk recht konventionell. Und doch ist es wertvoll, dass es Teil von „Back to Benin“ ist. Omodamwen gehört einer Familie von Bronzegießern an, die seit fünfhundert Jahren in derselben Tradition wie die Benin-Bronzen arbeiten. Er fertigt jedoch keine religiösen oder zeremoniellen Werke an, sondern stellt historische Ereignisse dar, die ein weniger positives Bild der Kolonialherrscher zeichnen. Er schließt den Kreis, von damals und jetzt, dort und hier, geben und nehmen.

Nähere Informationen: Museum de Fundatie, Blijmarkt 20, 8011 NE Zwolle, Telefon 0031 572388188, E-Mail info@museumdefundatie.nl und Internet www.museumdefundatie.nl. Geöffnet ist es dienstags bis sonntags von 11 bis 17 Uhr.

Das Drents Museum verschiebt die Ausstellung mit Werken von Amrita Sher-Gil aufgrund geopolitischer Spannungen

Das Drents Museum in Assen kann seine lang erwartete Retrospektive der indischen Künstlerin Amrita Sher-Gil am 22. März nicht eröffnen. Das indische Kulturministerium hat beschlossen, die etwa sechzig Gemälde und Zeichnungen aus der Sammlung der National Gallery of Modern Art in Neu-Delhi aufgrund der aktuellen geopolitischen Lage nicht zu transportieren. Damit ist das Drents Museum das erste niederländische Museum, das direkt von den Spannungen im Nahen Osten betroffen ist.

Museumsleiter Robert van Langh nennt es „eine große Enttäuschung“. Er fährt fort: „Gleichzeitig verstehen wir die Entscheidung. Laut dem Dagblad van het Noordenerhielt das Museum am Montag, dem 10. März, erstmals ein Signal, dass eine Verschiebung möglich sei; Die offizielle Entscheidung folgte einen Tag später. Die indische Regierung gab keine weiteren Erklärungen, aber laut dem Museum wird angenommen, dass internationale Spannungen im Nahen Osten eine Rolle spielen.

In der Zwischenzeit arbeitet das Museum an einer alternativen Ausstellung mit dem Titel „Ode an Amrita“. Zu diesem Zweck fordert das Museum andere Institutionen auf, Werke aus ihrer Sammlung zur Verfügung zu stellen, die mit den Themen in Sher-Gils Leben und Werk übereinstimmen, wie Identität, Freiheit, Verbindung und Liebe. Laut dem Museum haben die ersten niederländischen Museen bereits ihre Kooperation zugesagt. Die Ausstellung wird nicht aus Arbeiten von Sher-Gil selbst bestehen, sondern möchte dem Publikum ihre Ideen näherbringen – die laut Drents Museum aktuell bleiben, gerade in einer Zeit, in der Errungenschaften wie Offenheit und Meinungsfreiheit auf dem Spiel stehen. Laut dem Dagblad van het Noorden hofft das Museum, die Ersatzausstellung Anfang April eröffnen zu können.

Nähere Informationen: Drents Museum, Brink 1, 9401 HS Assen, Telefon 0592 377773, E-Mail: info@drentsmuseum.nl, Internet: www.drentsmuseum.nl. Geöffnet ist das Museum in der von Dienstag bis Sonntag in der Zeit von 10 bis 17 Uhr.

Louwrien Wijers – Wir leben in der Sprache – bis 3. Mai

Das Friesland-Museum in Leeuwarden präsentiert die erste Einzelausstellung von Louwrien Wijers (Aalten, *1941). Die Künstlerin erhält in diesem Jahr den Gerrit Benner Prize für ihren führenden Beitrag zur bildenden Kunst in Fryslân. Die Jury lobt ihre besondere Arbeitsweise, bei der Sprache, Zuhören und Gespräch wichtig sind: „Sie sieht Worte, Gedanken und Kommunikation als eine Kunstform und betont deren Bedeutung für die Gesellschaft. Ihre Arbeit ist ruhig und durchdacht und bildet einen kraftvollen Gegenpol zur schnelllebigen visuellen Kultur.“ Im Laufe ihrer Karriere sprach die Künstlerin mit führenden Künstlern, Wissenschaftlern und Denkern, darunter Andy Warhol und dem Dalai Lama. Ihre unkonventionelle und immaterielle Arbeitsweise hat ihrer Position in der Kunstwelt eine besondere, aber bescheidene Stellung verschafft. Die Ausstellung „We Live in Language“ bietet einen Überblick über ihr Werk, einschließlich Arbeiten, die zuvor nie gezeigt wurden.

Nähere Informationen: Friesmuseum, Wilhelminaplein 92, Leeuwarden, Telefon +31 582555500, E-Mail: info@friesmuseum.nl, Internet: www.friesmuseum.nl

„It goes without saying“ oder „Das versteht sich von selbst“ – bis 29. März

Sprache ist niemals neutral. Worte können uns sowohl verbinden als auch trennen. Sie prägen unser Denken, Fühlen und Handeln. Sie interpretieren unsere intimsten Geständnisse und lautesten Forderungen, können aber ebenso leicht verbergen, ausschließen oder manipulieren. Sprache kann trösten oder verletzen, Fürsorge oder Widerstand inspirieren oder ein Instrument der Kontrolle sein. Die Ausstellung „It Goes Without Saying“ in der Kunsthal Extra City in Antwerpen erforscht dieses Terrain und zeigt, wie sich Sprache zwischen privat und öffentlich bewegt, vom therapeutischen zum Politischen, von geflüsterten Auseinandersetzungen bis zum Gebrüll kollektiver Proteste.

Die Ausstellung vereint Skulpturen, Zeichnungen, Installationen und Videos, die die Möglichkeiten von Sprechen, Schreiben, Gebärdensprachen und Symbolen erweitern. Sie stellt die Autorität des Wörterbuchs in Frage und untersucht alternative Sprachformen. Wo Worte versagen, braucht es Fantasie. In westlichen Gesellschaften zum Beispiel hat die Fähigkeit zur kollektiven Trauer abgenommen: Trauer bleibt oft privat, und die Worte, sie öffentlich zu benennen, sind weitgehend verschwunden. Oder denken Sie an das aktuelle geopolitische Klima, in dem ein einzelnes Wort wie „Völkermord“ besonders schwer zu verwenden ist.

Sprache ist kein fester Code, sondern ein verletzliches, lebendiges und umkämpftes Feld. Dies zeigt sich besonders in den Erfahrungen der Vertreibung. Das Fehlen oder die teilweise Beherrschung einer Muttersprache erschwert es, sich in kulturellen, historischen und sozialen Landschaften zurechtzufinden. Übersetzung wird dann zu einer Möglichkeit, Welten und Identitäten zu verbinden. In solchen Momenten ist Sprache nicht nur ein Kommunikationsmittel, sondern auch eine Möglichkeit, die Vergangenheit anzuerkennen, sich in der Gegenwart zu verankern und sich mögliche Zukünfte vorzustellen.

Nähere Informationen: Kunsthal Extra City, Provinciestraat 112, Antwerpen, Telefon +32 36771655, E-Mail: info@extracity.org, Internet: www.extracity.org

Dichtung des Volkes – bis 3. Mai

Die Ausstellung „Dichtung des Volkes“, die zuvor im Wereldmuseum Amsterdam zu sehen war, erhält nun eine neue Bühne im Wereldmuseum Rotterdam. In einer Stadt, die für ihre kulturelle Vielfalt und internationale Gemeinschaft bekannt ist, zeigt die Ausstellung, wie Poesie Menschen verbindet, Geschichten weitergibt und Raum für Reflexion und Anerkennung bietet. Viele der Gedichte in Dichtung des Volkes werden noch immer gelesen und studiert. Zum Beispiel singt Meral Polat auf ihrem neuen Album ein Lied zu den Texten des Gedichts „Ötme Bülbül Ötme“ des Dichters Pir Sultan Abdal. Er setzte sich für die Rechte des Volkes ein und stellte sich gegen das Osmanische Reich. In der Ausstellung rezitiert Meral Polat das Gedicht in einem Video.

Nähere Informationen: Wereldmuseum Rotterdam, Willemskade 25, Rotterdam, Telefon: +31 102707172, E-Mail: info@wereldmuseum.nl, Internet: http://www.wereldmuseum.nl

Bis 20. September im Kröller-Müller Museum

„Die Ausstellung erzählt eine Geschichte über Überleben und Erinnerung. Ich habe ihn [meinen Vater] heimlich in einer der Zeichnungen versteckt. Die Suche führte mich auch zur Veluwe, wo ich ein großes Werk schaffe, das als Fenster zur Außenwelt dient.“ (Quelle: Galeriebesucher, Het atelier van… Anouk Griffioen)

„So lange es dauert“ ist die erste Einzelausstellung des Rotterdamer Künstlers Anouk Griffioen (*1979) in einem Museum. Sie hat eine tiefe Faszination für Natur, Erinnerung und Vergänglichkeit und fertigt große, oft wandfüllende Zeichnungen aus Kohle an. Als Beobachter tritt man manchmal buchstäblich in ihre Welt ein.

Geburtstagsfoto

Der Ausgangspunkt der Ausstellung ist ein Foto, das Griffioens Vater am Tag ihrer Geburt in Enschede aufgenommen hat. Basierend auf den Tausenden von Fotos, die ihr Vater gemacht hat, besucht und fotografiert sie alle Orte, an denen ihre Familie einst lebte.

Vergänglichkeit

Griffioen stellt ihre Fotografien neben die aus der Vergangenheit und verarbeitet die Veränderungen in virtuosen Kohlezeichnungen monumentaler Größe. Diese umgeben dich oder werden als Triptychon präsentiert, wie verdichtete Erinnerungen. Es ist heute noch da, solange es anhält.

Nähere Informationen: Das Kröller-Müller-Museum ist dienstags bis sonntags von10 bis 17 Uhr geöffnet. Kontakte sind unter der Telefonnummer (0031) 0318 591241, im Internet auf www.kmm.nl und per Email an info@kmm.nl möglich.