Escher & Islamische Kunst: 20 Perspektiven

M.C. Escher ist bekannt für seine außergewöhnlichen grafischen Werke, in denen er mit Perspektive, Raum und Wiederholung spielt. Seine Drucke zeigen oft Situationen, die logisch erscheinen, aber in Wirklichkeit unmöglich sind. Escher ist auch für seine Parkettierungen bekannt, bei denen er Formen, oft Elemente aus der Natur, perfekt zusammenfügen lässt. Durch die Verbindung von Kunst und mathematischen Ideen hat sein Werk weltweiten Einfluss ausgeübt, nicht nur in der Kunstwelt, sondern auch in der Bildung und bei der Entwicklung von Filmen und Spielen.

Weniger bekannt ist jedoch, dass er sich nach zwei Besuchen im mittelalterlichen Festungs- und Palastkomplex Alhambra in Granada, Spanien, von islamischer Architektur und Mosaikmustern inspirieren ließ. In den farbenfrohen Mustern auf Keramiken, die er auf seinen Reisen sieht, erkennt er seine eigene neu erwachte Suche nach Rhythmus, Wiederholung und Verwandlung. Diese Entdeckung hat einen enormen Einfluss auf ihn und bildet den Ausgangspunkt für seine intensive Forschung zu Tessellationen. Diese unendlich wiederholenden Motive bilden eine visuelle Sprache, die bis zum Ende seines Lebens eine zentrale Rolle in seinen Zeichnungen und Drucken spielt. Neunzig Jahre nach Eschers letztem Besuch im Alhambra präsentiert Escher im Palast eine Ausstellung, die diese historische Geschichte mit der Gegenwart verbindet.

Anstatt sich ausschließlich auf den Einfluss der Alhambra auf Escher zu konzentrieren, hat sich das Museum bewusst für einen breiteren Ansatz entschieden: Eschers Werk wird mit dem zeitgenössischer Künstler verbunden, die sich auf unterschiedliche Weise mit dem islamischen Kulturerbe identifizieren. Mit einer Vielzahl von Disziplinen – von Malerei und Skulptur bis hin zu Fotografie, Keramik, Papierkunst, Mode und Textilien – zeigt die Ausstellung „Escher & Islamic Art: 20 Perspectives“eine reiche visuelle Sprache, die in niederländischen Museen noch relativ selten ist. Die Werke der Ausstellung treten in einen neuen Dialog mit Eschers Werk und der unendlichen Faszination für islamische Muster ein, die bis heute die zeitgenössische Kultur prägt.

Die Ausstellung zeigt 30 Werke von 20 nationalen und internationalen Künstlern. Die teilnehmenden Künstler: Nasam Abboud & Yazan Maksoud, Karim Adduchi, Layla May Arthur, Amine Asselman, Dana Awartani, Fatima Barznge, Emin Batman, Hassan Hajjaj, Siddiqa Juma, Mous Lamrabat, Shehzil Malik, Farwa Moledina, Suleika Mueller, Leila Nazarian, Shirin Neshat, Mounir Raji und in Zusammenarbeit mit MASTOOR, Alfaz Sayed und Ishraq Zraikat. Viele der internationalen Werke werden erstmals in den Niederlanden gezeigt. Die Ausstellung konzentriert sich auf eine große Vielfalt von Künstlern, die alle durch Kunst verbunden sind und aus vielen verschiedenen Kulturen stammen. Escher im Palast sucht die Verbindung innerhalb dieser Vielfalt der Kreativität: Einheit in Vielfalt.

Perfekte Perspektiven in Up and Down

Eschers Faszination für die Möglichkeiten der Perspektive zeigt sich bereits in frühen Drucken wie „Babels Turm“ (1928) und „Im Inneren von St. Peter“ (1935). In diesen Werken wandte er konsequent die Regeln der klassischen Perspektive an, suchte jedoch extreme Perspektiven, um seine Motive darzustellen. Später begann er, mehr zu experimentieren und nutzte die Regeln der Perspektive, um die Zuschauer in die Irre zu führen. Denken Sie an Drucke wie „Other World“ (1947) und „Relativity“ (1953).

In diesen Beispielen sind die Perspektivlinien gerade, aber Escher erkannte, dass tatsächlich eine gekrümmte Linie dem entspricht, was unsere Augen sehen. Das liegt daran, dass unsere Augen ständig in Bewegung sind und eine gebogene Perspektive die beste Möglichkeit ist, dies auf Papier zu visualisieren. Das Brillante an Escher ist, dass er diese Einsicht auf eine Weise nutzt, wie es sonst niemand tut. Der Druck „Up and Down“ ist das erfolgreichste Beispiel dafür.

Ein auffälliges Merkmal dieser architektonischen Fantasie sind die abwechselnden Steine in den Bögen, ein Detail, das stark an die charakteristischen Bogenstrukturen der Mezquita in Córdoba erinnert. Dort erzeugen die roten und weißen Bogensteine ein rhythmisches Muster, das die Bögen heller erscheinen lässt und dem Raum Tiefe verleiht. Diese Dynamik spiegelt sich subtil in Eschers Architekturstück wider. Runde (‚romanische‘) Bögen und Fenster tauchen auch in anderen Drucken von Escher auf, wie „Double Planetoid“ (Double Planet) (1949), „House of Stairs“ (1951), „Relativity“, „Convex and Concave“ (1955) und „Other World“. In diesen Werken sowie in „Up and Down“ spielen Treppen eine wichtige Rolle. Die Ursache lässt sich auf Eschers Schulzeit in Arnheim zurückverfolgen. Von 1912 bis 1918 besuchte er die HBS in der Schoolstraat. Im Treppenhaus im zentralen Teil des Schulgebäudes, das aus dem Jahr 1905 stammt, sind viele Elemente zu sehen, die in all diesen Drucken wiederkehren.

Obwohl er keine schönen Erinnerungen an seine Zeit an der HBS hatte, schuf er 1947 eine Gedenktafel für die Schule zum Gedenken an die Schüler und ehemaligen Schüler, die im Zweiten Weltkrieg ihr Leben verloren hatten. Es gibt keine Beweise, aber es ist plausibel, dass auch Escher die Schule in dieser Zeit besuchte. Bei diesem Besuch sah er erneut die markanten Fenster, Gänge und die markante Treppe, die wohl etwas in ihm gerührt haben muss. Tatsächlich könnte es ihn ziemlich sofort inspiriert haben, da „Other World“ aus dem Januar 1947 stammt. „Up and Down“ folgte im Juli, wo er seine Perspektive noch einen Schritt weiter verwandelte.

Das soll nicht heißen, dass es eine einfache Aufgabe war, die gekrümmte Perspektive clever zu nutzen. Dies erforderte zunächst einen Zwischenschritt: Escher fertigte zwei Bleistiftstudien an, in denen er mit geraden Perspektivlinien ein unmögliches Bild erzeugte. In diesen Studien kombiniert er den Verschwindungspunkt direkt unter Ihnen (den Nadir, ein extrem hoher Winkel) oder den Punkt direkt über Ihnen (den Zenit, ein extrem niedriger Winkel) mit einer geraden Ansicht. Sie sind tatsächlich Variationen von „Other World“. Im Zentrum schneiden sich die Perspektiven, wodurch das Bild unmöglich wird. In einer dritten Studie kombiniert er zwei verschiedene Gebäude, bei denen der unmögliche Punkt im Zentrum eine enge Straße oder (je nach Blickwinkel) der Himmel ist. In dieser dritten Studie (in privater Sammlung) führt er gebogene Perspektivlinien ein. Das macht den Übergang von der geraden Perspektive zum Nadir oder Zenit viel reibungsloser, und deine Augen beginnen zu glauben, dass dies auch in der Realität existieren könnte.

Er erkannte jedoch, dass es sinnvoller war, ein einziges Gebäude zu schaffen, das aus zwei verschiedenen Blickwinkeln erlebt werden konnte. Der zweite genialistische Schachzug war, dass der zentrale Punkt gleichzeitig zwei Funktionen erfüllte: Decke und Boden. Im Enddruck, „Up and Down“, verschmelzen der Nadir und der Zenit in einem und demselben Gebäude, wobei beide zweimal erscheinen. Dank der geschwungenen Perspektivlinien wiederholt er Elemente – wie Fenster, Säulen oder eine Treppe – ohne sich zu wiederholen: Dasselbe Element sieht vom Tiefpunkt sehr anders aus als vom Zenit.

Escher macht dies so genial, dass erst auf den zweiten Blick klar wird, dass das endgültige Bild unmöglich ist. Am besten veranschaulichst du das, indem du die obere oder untere Hälfte des Werks abdeckst. Dann sehen Sie einen Turm mit Fenstern, einen Balkon und eine Treppe. Auf der Treppe sitzt ein Junge und schaut zu einem Mädchen im Fenster über ihm. Trotz der extremen Perspektive ist dies ein Bild, dem Ihre Augen leicht folgen können, obwohl Ihr Blick stark nach oben oder unten gezogen ist. Je nachdem, welche Hälfte du abdeckst, verschwinden alle Perspektivlinien in einem gefliesten Boden (dem Nadir) oder einer gefliesten Decke (dem Zenit). Entfernen Sie nun das Papier, und Sie werden feststellen, dass die Fliesen dreimal erscheinen: unten als Boden, oben als Decke und in der Mitte sowohl als Decke als auch als Boden. Dazwischen stellt Escher die Szene zweimal dar. Aus einer anderen Perspektive unterscheiden sich jedoch obere und unten, völlig voneinander. Dennoch gelingt es ihm, ein kohärentes Bild zu schaffen. Obwohl deine Augen in diesem meisterhaften Druck nie wirklich Ruhe finden.

Eine bemerkenswerte Zusammenarbeit

Der Malerlehrling Huug Vooys war 19 Jahre alt, als er eingeladen wurde, an einem außergewöhnlich besonderen Projekt teilzunehmen: einem Wandgemälde von nicht weniger als 48 Metern Länge im Hauptgebäude der PTT, dem Postamt am Kerkplein in Den Haag. Der Entwurf stammte von niemand Geringerem als M.C. Escher, der selbst anmerkte, dass er möglicherweise „einen äußerst reizvollen Auftrag“ vom PTT erhalten hatte.* Das umfangreiche Werk wurde realisiert, aber Escher führte das Design nicht selbst aus – die Ehre fiel Huug Vooys zu.

Die PTT wandte sich an Escher, um ein Wandbild basierend auf seinem Druck Metamorphosis II (1939–1940) zu entwerfen. Die vier Meter lange Komposition musste jedoch verlängert werden, um die gewünschte Länge von 48 Metern zu erreichen.

In einem Brief an seinen Sohn vom 11. Juni 1967 schrieb er über diese Aufgabe: „Ein neues, riesiges Postamt in Den Haag verfügt über eine Counterhall mit einer darüberliegenden Wandfläche von 48 m Länge. Dieser muss mit einer Art Fries von etwa 1,60 m Höhe verziert sein. Der ästhetische Berater des PTT möchte meine alte Metamorphosis für diesen Zweck nutzen, fotografisch vergrößert und dann an die Wand gemalt (nicht von mir!, sondern von einem geschickten Handwerker). Meine Metamorphosis ist jedoch nur 20 cm hoch und 4 m lang. Bei einer Höhe von 1,60 m beträgt die Länge daher nur 32 Meter. Ich muss daher weitere 16 Meter hinzufügen oder – im ursprünglichen Maßstab des Holzschnittstreifens – weitere 2 Meter neuer Metamorphosen hinzufügen oder einfügen. Das sollte möglich sein, aber es ist ein ziemliches Unterfangen.“

1967 und 1968 verbrachte Escher etwa sechs Monate damit, die zusätzlichen Segmente zu entwerfen und auszuführen, die schließlich zu „Metamorphosis III“(1967–1968) werden sollten. Das Projekt entwickelte sich somit von der ersten Version des Drucks, die er 1937 anfertigte, zu einem stark vergrößerten Werk, das mehr als dreißig Jahre später eine ganze Wand in einer monumentalen Halle einnehmen sollte.

Für die Realisierung des großformatigen Wandgemäldes wurde der junge Mallehrling aus Katwijk, Huug Vooys, ausgewählt. Eisemas Schildersblad widmete diesem Auftrag große Aufmerksamkeit, angesichts der großen Verantwortung, die dem Lehrling anvertraut wurde: „die Gelegenheit seines Lebens“. ** Anfangs zögerte das beteiligte Malerbüro, den Auftrag aufgrund seiner außergewöhnlichen Natur und Größe anzunehmen. Escher legte jedoch großen Wert auf eine präzise und neutrale Ausführung seines Entwurfs und wollte verhindern, dass ein autonomer Künstler eine persönliche Interpretation hinzufügt. Der Auftrag erforderte keine künstlerische Neuinterpretation, sondern vielmehr eine technisch exakte Übersetzung eines bestehenden visuellen Konzepts in monumentale Form. Sobald klar wurde, dass die Rolle streng ausführend war, wurde die Abtretung akzeptiert.

Escher schrieb vor, dass das Werk von einem einzigen Maler ausgeführt werden sollte, um eine einheitliche Stil- und Fertigstellungskonsistenz zu gewährleisten. Dies gab den Vooys die Möglichkeit, noch während der Ausbildung ein Werk von außergewöhnlicher Größe und Sichtbarkeit zu realisieren. Vooys war bei der Malerfirma Hoval aus Valkenburg beschäftigt und hatte sich dort bereits ausgezeichnet, was dem erforderlichen Profil gut entsprach.

Eine technische Herausforderung

Die Vorbereitung des Wandbildes dauerte fast ein Jahr, da sowohl konzeptionelle Anpassungen als auch technische Herausforderungen erforderlich waren. Escher musste das ursprüngliche Entwurf der „Metamorphosis II“ verlängern, um die gesamte Wand auszufüllen, woraufhin die neue Version um den Faktor 6,45 vergrößert werden musste, um eine Gesamtlänge von 48 Metern und eine Höhe von 1,20 Metern zu erreichen. Diese Erweiterung brachte erhebliche technische Schwierigkeiten mit sich.

Um das Design genau zu übertragen, wurde ein Episkop – ein Projektor zur Darstellung flacher Objekte wie Fotografien und Zeichnungen – eingesetzt. Dieses Gerät wurde speziell für das Projekt angeschafft und im Keller des Postamts, dem sogenannten „Atomkeller“, installiert. Eschers Entwurf wurde auf großen Rollen montiert und allmählich unter dem Episkop geführt, während auf einer von zwei auf Spulen gerollten Leinenstücke eine vergrößerte Vorsprung erschien. Jeder projektierte Abschnitt wurde sorgfältig mit einem Filzstift nachgezeichnet, danach trug Vooys die Farben mit einem feinen Pinsel auf.

Letztlich wurde das Gemälde in drei Abschnitten an der Wand angebracht, jeweils sechzehn Meter lang. Escher besuchte ihn regelmäßig, um den Fortschritt zu verfolgen. Mitte Mai 1968 schrieb er an seinen Sohn George, dass er kürzlich das Postamt in Den Haag besucht habe. Er stellte fest, dass bisher wenig Fortschritte erzielt worden seien, schrieb aber auch: „[…] Doch der junge Geselle (21) macht das äußerst gut und mit großer Freude. Es wird trotzdem ein halbes Jahr dauern, bis es vollständig fertig ist.“ Obwohl Escher sein genaues Alter nicht kannte, zeigt diese Passage seine Zufriedenheit mit den Fähigkeiten des jungen Malers.

Während das Wandbild ausgeführt wurde, blieb das Postamt für Besucher geöffnet. Das störte Vooys nicht, der ruhig seine Arbeit fortsetzte, wie im Oktober 1968 in Eisemas Schildersblad beschrieben. Der Artikel zeichnet auch ein klares Bild der Zusammenarbeit zwischen Vooys und Escher: „Escher komponierte diese sichtbaren Klänge; Vooys führten sie aus. Ersterer hätte sich keinen besseren Dolmetscher wünschen können. Respekt sowohl an den Künstler als auch an den Testamentsvollstrecker. Vooys arbeiteten genauso ernst und akribisch, wie es der Komponist verlangte – und das will einiges heißen.“ So herrschte eine freundschaftliche Atmosphäre zwischen den beiden, was auch in Eschers Brief an seinen Sohn George bestätigt wurde.

Als Zeichen der Wertschätzung schenkte Escher Vooys ein Fragment des Drucks, auf das er mit Bleistift schrieb: „Für Huug Vooys ist dieses Fragment der Metamorphose ein kleines Zeichen großer Wertschätzung für viele Monate geschickter und akribischer Arbeit. Den Haag.“ ****

Die Enthüllung

Die monumentale „Metamorphosis“ wurde am 20. Februar 1969 im Beisein zahlreicher hochrangiger PTT-Beamter enthüllt. Das abschließende Wandbild zeichnete sich durch fließende Übergänge zwischen Formen, Motiven und Farbblöcken aus. Eschers visuelle Transformationen – von Tieren zu Architektur und abstrakten Mustern – wurden mit Klarheit und Zugänglichkeit in beeindruckendem Maßstab ausgedrückt.

Obwohl das Postamt nicht mehr existiert, kann man die Kunstwerke noch immer am Flughafen Schiphol bewundern. Dank der harten Arbeit von Huug Vooys kann Eschers Metamorphosis in großem Maßstab genossen werden. Wir sind dankbar für seinen Beitrag zu einem von Eschers bemerkenswertesten Werken und würdigen sein Können, seine Hingabe und Expertise.

Quellen

* Brief von M.C. Escher an George und Corrie Escher, 11. Juni 1967
** Dieser Bericht basiert vollständig auf Berichterstattung von: G.W.H., ‚Leerling-schilder H. Vooys schildert Wandschildering van 48 m lengte in het Haagse hoofdpostkantoor‘, Eisma’s schildersblad 70 (16. Oktober 1968) Nr. 25, S. 964-968 & Anonym, ‚Wandschildering postkantoor trekt aandacht. Metamorphose van Escher, een gigantisch werkstuk‘, De Posthoorn, 24. Juni 1971.
Brief von M.C. Escher an George und Corrie Escher, 19. Mai 1968
Christie’s Auktion, 17. November 2009 [Los Nr. 00183]

Nähere Informationen: Escher im Palast, Lange Voorhout 74, 2514 EH Den Haag, Telefon: +31 70-4277730 (während der Sprechzeiten verfügbar), E-Mail: info@escherinhetpaleis.nl

In der neuen Ausgabe der Museumstijdschrift findet der Leser oder die Leserin viele Tipps über Kunstausstellungen in den Niederlanden und manches mehr aus der Welt der Kunst. Hier ein kleiner Ausschnitt:

Von hier bis dort durch die Antike (Von Tara Sickle)

Von ägyptisch inspirierten Zeitmessern bis zu Vogelperspektiven-Illustrationen der Vorgeschichte: Mit zwölf bescheidenen Ausstellungen in einer hat die ‚Galleria‘ im Nationalmuseum für Altertümer in Leiden für jeden etwas. Die Mini-Ausstellungen sind vielfältig und überraschend, aber insgesamt hinterlässt das Konzept einen etwas verworrenen und willkürlichen Eindruck.

Der griechische Historiker Herodot war erstaunt, als er um 450 v. Chr. einen Tempel südwestlich von Kairo betrat. Der Komplex war so gigantisch und unergründlich, dass er alle Bauwerke des antiken Griechenlands übertraf. Später kamen Forscher zu dem Schluss, dass es sich um den Tempel des Pharaos Amenemhat III. (ca. 1800 v. Chr.) in Hawara gehandelt haben muss. Doch es war der Name, den Herodot ihm gab, der Haftung hatte: Er nannte das Denkmal treffend ‚das Labyrinth‘.

Das Nationalmuseum für Altertümer (RMO) erzählt die Geschichte dieses majestätischen Labyrinths anhand erhaltener Steinfragmente. Nicht nach dem Standardformat, sondern in einem kleinen Rahmen neben elf gleich kompakten Präsentationen zu völlig unterschiedlichen Themen. Denken Sie an mittelalterliche Kostüme aus Nubien oder wissenschaftliche Bücher aus der Museumsbibliothek. Der gemeinsame Faden der Serie, die das Museum ‚Galleria‘ getauft hat, ist, dass jede Geschichte auf die eine oder andere Weise die Antike berührt.

Vergangenes Land

Eine bemerkenswerte Anzahl der Ausstellungen verfolgt einen zeitgenössischen Ansatz. In der Ausstellung „Fibulas full of stories“ wird beispielsweise die typische römische Kleidungsnadel mit Exemplaren aus dem modernen Marokko verknüpft, wo sie auch Tiseghnas oder Tizerzai genannt werden. Die mit Blumen und geometrischen Mustern verzierten Nadeln werden dort hauptsächlich bei rituellen Zeremonien wie Hochzeiten getragen. In Leiden werden sie lose in Vitrinen ausgestellt.

Von ganz anderem Kaliber sind die farbenfrohen Illustrationen des Grafikers Bob Brobbel (1945) in der Ausstellung ‚Past Land‘, benannt nach dem gleichnamigen öffentlichen Buch über niederländische Archäologie von 1981. Wie ein Vogel fliegst du über das prähistorische Dorf Elsloo, wo Jäger und Sammler die ersten Bauern trafen, oder über die Festung in Nimmegen, wo um 71 n. Chr. eine römische Legion gegründet wurde. Die Bilder geben ein schönes Bild davon, wie die Dinge damals waren.

Und dann gibt es auch zeitgenössische Kunstprojekte. Insbesondere die Zeichnungen der bildenden Künstlerin Elisa Pesapane (1979) hinterlassen einen überwältigenden Eindruck. In ‚Odysseus und der Ertrunkene und Gerettete‘ erhält der griechische Held ein neues Gesicht: das eines schelmischen Jungen. Sein Blick ist so kindlich wie durchdringend. In Kombination mit den vergrößerten Zeichnungen an den Wänden und der etruskischen Keramik in der Mitte des Raumes gelingt es Pesapane, ein vollständiges Erlebnis zu schaffen.

Ungleichgewicht

Wir machen die Dinge anders als sonst, dachten sie sicher im RMO. Und nichts als Wertschätzung für diese mutige Entscheidung. Aber ist es ein durchschlagender Erfolg? Nein, nicht das. Die Präsentationen reichen inhaltlich so weit, dass man sich als Besucher von hier zu dort geschickt fühlt. Wenn du dich einfach in etwas wohlfühlst, erscheint dir das nächste. Diese ständigen Übergänge sind ermüdend und gehen auf Kosten der Tiefe. Außerdem ist dem Ganzen eine gewisse Willkür behaftet, trotz der übergreifenden Verbindung zur Antike.

Es gibt auch etwas, das man an der Menge des Kontexts kritisieren kann. In der Ausstellung mit ägyptisch inspirierten Uhren aus dem 19. und 20. Jahrhundert – ein persönlicher Favorit – wären mehr Informationen hilfreich gewesen. Bei den meisten Objekten werden nun nur noch der Hersteller, das Material und das Datum genannt. Das ist etwas spärlich. In ‚Erinnerungen an Palmyra‘, in dem drei syrische Archäologen, die geflohen sind, ihre Meinung äußern, hängt eine relativ große Menge Text an den Wänden. Ein so aufgeladenes Thema erfordert es ebenfalls, aber das Ungleichgewicht zwischen den verschiedenen Präsentationen verstärkt das Gefühl der Orientierungslosigkeit, das sich beim Aufbau von ‚Galleria‘ einschleicht. Und so verliert man sich ironischerweise ein wenig in ‚Galleria‘. Genau wie Herodot in seinem Labyrinth.

Nähere Informationen: Nationalmuseum für Altertümer, Rapenburg 28, Leiden, Telefon: +31 715163163, E-Mail: info@rmo.nl, Internet: www.rmo.nl

Barbara Bos, neue Direktorin des Museum Kranenburgh

Barbara Bos wird am 1. September neue Direktorin des Museum Kranenburgh in Bergen. Sie folgt auf Adriana González Hulshof, die das Museum in den letzten fünf Jahren geleitet hat. Bis vor Kurzem war Bos Leiter der Ausstellungen im Museum Voorlinden in Wassenaar.

Bos (1985) arbeitete zehn Jahre bei Voorlinden, wo sie Teil des Managementteams war und gemeinsam für das Ausstellungsprogramm sowie die strategische Ausrichtung verantwortlich war. Sie war auch eng an der Gründung des Museums beteiligt. Sie entwickelte Ausstellungen unter anderem mit Do Ho Suh, Anselm Kiefer, Alicja Kwade und Mark Manders.

Laut dem Aufsichtsrat waren ihre breite Museumserfahrung und praktische Einstellung entscheidende Faktoren für ihre Ernennung. Bos bezeichnet Kranenburgh als „einen inspirierten Ort, historisch verwurzelt und zeitgenössisch“ und möchte das Museum als Treffpunkt für Macher und Publikum weiterentwickeln.

Das Museum Kranenburgh zeigt Kunst aus dem frühen zwanzigsten Jahrhundert sowie Werke zeitgenössischer Künstler. Das Museum empfängt jährlich etwa 70.000 Besucher.

7x Buchtipps für den Sommer

Es ist Feiertagszeit – und damit Zeit für Bücher. Diese sieben Titel, die Anfang dieses Jahres in der Museumstijdschrift rezensiert wurden, wurden von den Redakteuren auf den Lesestapel gesetzt werden. Von einem künstlerischen Reiseführer und einer monumentalen Künstlerbiografie bis hin zu einem scharfsinnigen Roman über die internationale Kunstwelt: Für jeden Kunstliebhaber ist etwas dabei.

Der Camino de Santiago in 101 Objekten
Seit dem neunten Jahrhundert reisen Pilger zum Grab des Apostels Jakobus in Santiago de Compostela. Im Buch Camino de Santiago in 101 Objekten wird die Geschichte dieser alten Wallfahrt durch Objekte erzählt. Die Kompilatoren wählten nicht nur ein silbernes Reliquiar und eine Gravur von Pieter Bruegel, sondern auch eine wiederbefüllbare Dopper-Flasche als Beispiel für nachhaltige Pilgerfahrt. Eine gut durchdachte Auswahl, so Chefredakteurin Sophia Zürcher.

Herman Holtmaat, Jasper Koedam und Paul Post, Der Camino de Santiago in 101 Objekten – Materielle Spuren in Vergangenheit und Gegenwart • Walburg Pers Verlag • 272 Seiten. • € 24,99 • ISBN 978 94 6456 5508.

Das Kunstreisebuch
Wo findet man die fotogensten Kunstwerke im Freien? Die Kunstberaterinnen Nadine van den Bosch und Nienke van der Wal wählten für „The Art Travel Book“ vierzig Ziele weltweit aus. Von einer riesigen Spinne von Louise Bourgeois in Südkorea bis zu Grayson Perrys verrücktem Ferienhaus in Essex, England. Mit atmosphärischer Fotografie und Tipps zu anderen Sehenswürdigkeiten in der Umgebung gelingt es dem Buch, die Reiselust zu wecken, schreibt Chefredakteurin Sophia Zürcher.

Nadine van den Bosch und Nienke van der Wal, The Art Travel Book – 40 Iconic Outdoor Artworks • Lannoo Publishers • Englisch • 240 Seiten • € 34,99 • ISBN 978 90 5996 0503.

Gebaute Niederlande
Von Palästen und Schlössern bis hin zu Gewächshäusern, Krematorien und Busstellen: Fast jede erdenkliche Bauart zieht in den Built Netherlands vorbei. Der selbsternannte Baufan Martjan Kuit ordnet die Architektur thematisch und erklärt klar, worauf man achten sollte. Der Taschenführer enthält außerdem Fototipps und Platz, um eigene Beobachtungen aufzuschreiben. Laut Praktikantin Emma Falconer wird jeder Architektur-Anfänger von diesem Buch in der Hinterhand profitieren.

Martjan Kuit, Built Netherlands – Taschenguide für Anfänger im Bereich Bauen • Verlag WBOOKS • 256 Seiten. • € 29,95 • ISBN 978 94 6258 7755

Charley Toorop – Das Leben einer Malerin

Charley Toorops (1891–1955) Kunst begann als Hobby, entwickelte sich aber zu einer Notwendigkeit. In seiner umfangreichen Biografie zeigt der Kunsthistoriker Wessel Krull, wie Toorop sich von ihrem berühmten Vater Jan Toorop trennte, einer missbräuchlichen Ehe entkam und einen ganz eigenen Malstil entwickelte. Er verwebt ihre künstlerische Entwicklung geschickt mit ihrem turbulenten Privatleben. Mit Briefen, Interviews und Kunstkritik stellt Krul sie laut Chefredakteurin Sophia Zürcher als rastlos und kompliziert, aber auch als entschlossen und außerordentlich zielstrebig dar.

Wessel Krul, Charley Toorop – Das Leben eines Malers • Boom Verlage • 680 Seiten. • € 39,90 • ISBN 978 90 2447 3793

Die greifbare Welt von Johannes Vermeer
Über Johannes Vermeer scheint alles gesagt worden zu sein, doch Kuratorin Alexandra van Dongen beweist das Gegenteil. Sie betrachtet das Besteck, das in seinen Gemälden zu sehen ist: von Brotkörben, Bierkrügen und Kleiderbürsten bis hin zu Läusekämmen und einer indischen Schmuckschatulle. Indem sie Vermeers Objekte mit erhaltenen Gegenständen aus dem siebzehnten Jahrhundert vergleicht, bietet sie nicht nur einen Einblick in das damalige Alltagsleben, sondern lehrt uns auch, genauer hinzusehen. Eine wertvolle Ergänzung der bestehenden Vermeer-Literatur, schreibt der Kunsthistoriker Erik Spaans.

Alexandra van Dongen, Die greifbare Welt von Johannes Vermeer – Haushaltswaren als Malermodell • Sterck & De Vreese Verlag • 256 Seiten. • € 29,90 • ISBN 978 94 6471 4265

Der Butler Gottes
Eine Drohne mit schwarzer Farbe, eine entgleisende Klimademonstration und ein wohlhabender Kunsthändler, der als ‚Butler Gottes‘ bezeichnet wird: In Ellen de Bruins satirischem Roman endet die Biennale von Venedig in einem Fiasko für die Galeristin Maggie Green. Was zunächst wie eine Sammlung erkennbarer Klischees wirkt, gewinnt allmählich an unerwarteter Tiefe. Mit scharfem Humor und eindrucksvollen Beobachtungen seziert De Bruin sowohl eine Familie am Rande des Zerfalls als auch die dunklen Seiten der internationalen Kunstwelt. Laut der Praktikantin Ulrike Neyens ist es ein schnell lesender Roman, der einen mühelos mitreißt.

Ellen de Bruin, Der Butler Gottes• Prometheus Publishers • 256 Seiten. • € 22,50 • ISBN 978 90 4466 0104

All die Schönheit der Welt
Nach dem Tod seines Bruders kündigte Patrick Bringley seinen Job beim The New Yorker, um Assistent im Metropolitan Museum of Art in New York zu werden. Zehn Jahre lang steht er unter den Meisterwerken, wo er nicht nur die Kunst und die Besucher beobachtet, sondern auch langsam Raum für seine Trauer findet. Seine Memoiren verbinden einen Blick hinter die Kulissen des Museums mit Reflexionen über Schönheit, Trauer und Alltagsleben. All die Schönheit der Welt zeigt, wie Kunst nicht nur ein Leben bereichern, sondern es manchmal auch erträglicher machen kann, schreibt Herausgeberin Julia Steenhuisen.

Buch: Patrick Bringley, All the beauty in the world • Meulenhoff Publishers • ca. 240 Seiten. • €22,99

Jan Cremer im Museum de Fundatie

Diese erste große Retrospektive nach Jan Crémers Tod im Jahr 2024 stellt seine frühen Arbeiten in einen größeren Kontext. Die Ausstellung erforscht Cremers Weg als bildender Künstler, seine Position in der Kunstgeschichte und die Kohärenz seiner Arbeit als Maler und als Schriftsteller. „Ich vermassle Farbe auf einer Leinwand, ich tropfe, spritze, lasse Salat, schaufel. Ich kämpfe mit Farbe.“ Mit diesen Worten positionierte sich Jan Cremer 1959 als Künstler. Er stellte sich gegen die Arbeit seiner Zeitgenossen, die er als „Unsinn, Estetika“ bezeichnete. Cremer präsentierte sich gerne als radikaler Außenseiter, doch die Ausstellung zeigt, wie sehr er mit internationalen Kunstszenen in Den Haag, Paris, Ibiza und New York, unter anderem, verbunden war. Anhand von Gemälden, Papierwerken und kürzlich entdecktem Archivmaterial zeigt das Museum de Fundatie, wie Cremer sich zu seinen Zeitgenossen und kulturellen Entwicklungen verband. Das Museum verfügt über die größte öffentliche Sammlung von Werken von Jan Cremer.

Nähere Informationen: Museum de Fundatie, Blijmarkt 20, 8011 NE Zwolle, Telefon 0031 572388188, E-Mail info@museumdefundatie.nl und Internet www.museumdefundatie.nl. Geöffnet ist es dienstags bis sonntags von 11 bis 17 Uhr.

Yves Klein und seine Künstlerfamilie

Eine Premiere für die Niederlande und das Stedelijk Museum Schiedam: Die Ausstellung Yves Klein und seine Künstlerfamilie Frits, Marie und Rotraut vereint erstmals die Werke der Familie Klein, bestehend aus Yves Klein (1928–1962), seinen Eltern Frits Klein (1898–1990) und Marie Raymond (1908–1988) sowie seiner Frau Rotraut Uecker (1938). Während Yves Klein mit seinen ikonischen monochromen Gemälden weltberühmt wurde, wissen weniger, dass auch seine Familienmitglieder erfolgreiche Künstler mit einer Leidenschaft für Farbe und das Universum waren. Weniger bekannt ist auch, dass Yves Kleins Eltern neben den Franzosen auch niederländische Staatsangehörige hatten, sodass es immer eine Verbindung zu den Niederlanden gab. Die Ausstellung hebt nicht nur den künstlerischen Austausch zwischen den Familienmitgliedern hervor, sondern auch die Verbindungen der Familie Klein zu den Niederlanden, insbesondere zum Stedelijk Museum Schiedam, das eine Reihe von Werken von Frits Klein in seiner Sammlung besitzt.

Wenn man an Yves Klein denkt, denkt man an seine spezielle Farbe Blau, besonders an das „International Klein Blue“, das er 1960 patentieren ließ. In seinem kurzen, aber beeindruckenden Leben ist er von einer farbenfrohen Künstlerfamilie umgeben. Sein Vater, seine Mutter und seine Frau sind alle auf ihre eigene Weise in der Kunst tätig. Sie inspirieren und kritisieren sich gegenseitig. Obwohl Yves Kleins Werke international weiterhin als kontrovers gelten, ist es Jahrzehnte her, dass eine beträchtliche Anzahl seiner Werke in den Niederlanden gezeigt wurde.

Obwohl die Werke der Mitglieder der Familie Klein getrennt geschaffen wurden, weisen sie eine bemerkenswerte Ähnlichkeit auf: Jeder hat auf seine Weise eine Vorliebe für den Einsatz kraftvoller Farben und ein besonderes Interesse am Kosmos, mit dem sie neue Welten erschaffen. In der Ausstellung Yves Klein und seine Künstlerfamilie Frits, Marie und Rotraut entdecken Sie die Gemeinsamkeiten und Unterschiede in ihren Werken.

Nähere Informationen: Stedelijk Museum Schiedam, Hoogstraat 112, Schiedam, Telefon: +31 102463666, E-Mail: info@stedelijkmuseumschiedam.nl, Internet: stedelijkmuseumschiedam.nl

David Bade im Stedelijk Museum Breda

Kunst wird gemeinsam gemacht. David Bade (Curaçao, 1970) ist Bildhauer, Maler, Zeichner und Installationskünstler. Er ist bekannt für seine humorvolle, scharfsinnige und sozial engagierte Arbeit sowie für seine innovative Art der Zusammenarbeit. Er ist ein Pionier auf diesem Gebiet. Erstmals vereint die Ausstellung eine umfangreiche Auswahl seiner farbenfrohen sozialen Projekte.

Nähere Informationen: Stedelijk Museum Breda, Boschstraat 22, Breda, Telefon: +31 765299900, E-Mail: info@stedelijkmuseumbreda.nl, Internet: http://www.stedelijkmuseumbreda.nl

Vom 22. Juli bis 8. November in der Kunsthalle Bremen

Die Kunsthalle Bremen hat ihre Sammlung von Zeichnungen von Bremer Künstlerinnen im Rahmen eines Forschungsprojektes genauer untersucht und eine bemerkenswerte Erkenntnis gemacht: Im Verhältnis zum männlich geprägten Gesamtbestand der Kunsthalle Bremen bewahrt das Kupferstichkabinett überdurchschnittlich viele Zeichnungen von Bremer Künstlerinnen. Neben Paula Modersohn-Becker tauchen weitere Namen auf, die bislang kaum bekannt sind.

Eine Auswahl von 60 Werken wird in der Ausstellung „Mehr Frauen! Bremer Künstlerinnen auf Papier“ vom 22. Juli bis 8. November 2026 in der Kunsthalle präsentiert. Paula Modersohn-Becker genießt heute weltweiten Ruhm. Wer aber kennt ihre Mitstreiterinnen, die in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts ebenfalls in der Bremer Kunstszene aktiv waren: Clara Rilke Westhoff, Marie Bock, Anna Plate, Margarethe von Reinken, Agnes Sander-Plump, Dora Bromberger, Elisabeth Noltenius, Gustava Tölken oder Olga Bontjes van Beek?

Die Sammlung von Zeichnungen Bremer Künstlerinnen umfasst insgesamt mehr als 1800 Werke, davon stammt fast ein Viertel von Frauen. Wie kam es zu dieser Schaffenskraft, obwohl Künstlerinnen damals doch systematisch ausgebremst wurden? Bis 1919 durften Frauen beispielsweise nicht an den staatlichen Kunstakademien studieren, sodass ihre Ausbildung erheblich erschwert war. Die Bremer Künstlerinnen setzten sich durch Netzwerkarbeit gegen die Ausgrenzung zur Wehr: Sie gründeten 1899 den „Bremer Malerinnenverband“ oder traten ab 1928 der „Gemeinschaft deutscher und oesterreichischer Künstlerinnen und Kunstfreundinnen“ (GEDOK) bei.

Die Ausstellung verfolgt die Verbindungslinien zwischen den Künstlerinnen sowie ihre Verwurzelung in Bremen und dem Umland: In den Orten Worpswede, Fischerhude und Dötlingen lebten sie Tür an Tür. Dort unterrichteten sie die nachfolgende Generation im Malen und Zeichnen – bewusst in Abgrenzung zu den Akademien. Es sind Künstlerdynastien entstanden wie die Familien Modersohn, Plump oder Breling. Zuletzt sind aus den Bekanntschaften in den Künstlerinnenorten und bei der GEDOK tiefe Freundschaften erwachsen.

Forschungsprojekt

Die Ausstellung bildet den Abschluss des Forschungsprojekts „Handzeichnungen HB“, in dem mehr als 1.800 Zeichnungen untersucht wurden. Die Erschließung umfasste unter anderem die Zuschreibung an eine Künstlerin, die Bestimmung von Motiv, künstlerischer Technik und Objektmaßen sowie die Erfassung von Provenienzmerkmalen. Neben der Ausstellung und einem Katalog werden die Ergebnisse im Online-Katalog der Kunsthalle Bremen und darüber hinaus in übergeordneten Datenbanken wie dem Graphikportal und der Deutschen Digitalen Bibliothek zugänglich gemacht. So stehen sie sowohl der Forschung als auch einer interessierten Öffentlichkeit zur Verfügung.

Veranstaltungen:

Sonntag, 26. Juli, 15 Uhr: Öffentliche Kuratorinnen-Führung mit Friederike Quander Donnerstag, 6. August, 13 Uhr: Kunstpause mit Dr. Brigitte Reuter Donnerstag, 20. August, 13 Uhr: Kuratorinnen-Kunstpause mit Dr. Nina Janssen Samstag, 12. September, 17 Uhr: Figurentheater für Erwachsene „Paula. Selbst“ mit Mensch, Puppe! (Premiere; weitere Termine unter kunsthalle bremen.de/kalender) Sonntag, 13. September 15 Uhr: Öffentliche Kuratorinnen-Führung mit Dr. Nina Janssen Samstag, 19. September 12 und 14 Uhr: Öffentliche Führung für die Teilnehmenden des Deutschlandtreffens der Urban Sketchers mit Dr. Nina Janssen Donnerstag, 8. Oktober, 13 Uhr: Kunstpause mit Norah Limberg (Künstlerinnenverband Bremen, GEDOK) Donnerstag, 15. Oktober, 13 Uhr: Kuratorinnen-Kunstpause mit Friederike Quander.

Nähere Informationen: Kunsthalle Bremen, Am Wall 207, 28195 Bremen, Telefon: +49 (0)421 – 32 9080, Fax +49 (0)421 – 32908470, E-Mail: info@kunsthalle-bremen.de

Kunstwerk im Kröller Müller-Museum wieder geöffnet

Krijn Giezen entwarf „Kijk Uit Attention“ als einen ‚unkonventionellen Spaziergang durch den Wald‘. Der Weg im Skulpturenpark des Museums Kröller Müller in Otterlo besteht aus einem Weg, der an der Skulptur „Gewei (Geweihe)“ von John Rädecker beginnt und zu einer 87 Meter langen Treppe führt, die über die Bäume auf dem französischen Berg hinausragt.

Öffnungszeiten

„Kijk Uit Attention“ von Krijn Giezen ist von 10 bis 16 Uhr geöffnet. Bei schlechtem Wetter wie Regen, starkem Wind, Schnee und Gewittern ist das Kunstwerk geschlossen.

Zur Sicherheit gelten beim Zugriff auf das Kunstwerk folgende Bedingungen:

• (Schul-)Gruppen sind nicht erlaubt;
• maximal 20 Personen dürfen gleichzeitig auf dem Kunstwerk sein;
• Sie müssen mindestens 18 Jahre alt sein;
• Du musst in guter körperlicher Verfassung sein;
• Du betrittst die Arbeit auf eigene Gefahr.

Um Zugang zu erhalten:

1. Neben dem Kunstwerk befindet sich ein Schild mit einem QR-Code. Scanne den Code mit deinem Handy und folge den Anweisungen auf der geöffneten Seite.
2. Nach der Genehmigung erhalten Sie einen persönlichen QR-Code. Der QR-Code ist den ganzen Tag gültig.
3. Öffne das Drehkreuz mit diesem Code.

Das Drehkreuz schließt automatisch, wenn 20 Personen auf dem Kunstwerk sind, und öffnet sich wieder, sobald ein Besucher geht.

Nähere Informationen: Das Kröller-Müller-Museum ist dienstags bis sonntags von10 bis 17 Uhr geöffnet. Kontakte sind unter der Telefonnummer (0031) 0318 591241, im Internet auf www.kmm.nl und per Email an info@kmm.nl möglich.

In der neuen Ausgabe der Museumstijdschrift findet der Leser oder die Leserin viele Tipps über Kunstausstellungen in den Niederlanden und manches mehr aus der Welt der Kunst. Hier ein kleiner Ausschnitt:

Beziehung zur dunklen Seite – Charley Toorop und Pyke Koch im Museum More (Von Joke Wolf)

Die Ausstellung „Charley Toorop & Pyke Koch – Alles oder Nichts“ im Museum More in Gorssel basiert auf einem originellen und zugleich völlig logischen Vergleich. Noch nie zuvor hat ein Museum die Werke von Charley Toorop so eins-zu-eins neben denen von Pyke Koch gezeigt. Oder besser gesagt, man sollte es umgekehrt sagen: Kochs Arbeit neben Toorops, denn er war nicht nur zehn Jahre jünger, sondern sah in vielerlei Hinsicht zu ihr auf.

Auf dem großen Banner zu Beginn der Ausstellung stehen Fragmente von Porträts der beiden Maler nebeneinander. Links befindet sich die linke Hälfte eines Selbstporträts von Charley Toorop (*1891 – +1955), das sie 1934 anfertigte, rechts die rechte Hälfte von „Mercedes de Barcelona“ von Pyke Koch (*1901 – +1991) von 1930. Beide Werke sind realistisch gemalt und beide Frauen haben bemerkenswert große Augen. Koch hatte gerade erst mit dem Malen begonnen, als er dieses Gemälde schuf. Rückblickend würde Toorop sagen, dass Kochs frühe Werke unter ihrem Einfluss entstanden seien; sie lernten sich kennen, als Koch fünfzehn Jahre alt war.

Umfangreiche Biografien

Koch als auch Toorop stehen dieses Jahr wieder im Rampenlicht mit jeweils einer umfangreichen Biografie. Museum More zeigt eine große Auswahl an Kunstwerken beider Künstler. Einige sind äußerst bekannt, wie Toorops „Meal of the Friends“von 1932–33 oder Kochs „Shooting Gallery“von 1931.

Gleichzeitig wurden auch überraschende, weniger bekannte Werke beider Künstler ausgestellt. Zum Beispiel Toorops „Kleiner Zirkus“von 1927, neben Kochs „Puppenshow“von 1930, beide aus Privatsammlungen. Es gibt auch Seiten aus einem Fotoalbum von Toorop, mit Fotos von Abendessen mit Familie und (Künstler-)Freunden, bei denen Koch gelegentlich anwesend war.

Die Präsentation ist nüchtern, mit weißen Wänden und nur einer kurzen Texteinleitung zu den einzelnen Themen. Bei den einzelnen Kunstwerken werden nur der Titel und Name des Künstlers klein in der Nähe der Sockel genannt. Eine Betrachtungsübung: Besucher können mit dem Auge beurteilen, ob ein Werk von Toorop oder von Koch stammt. Die Themen sind kunsthistorisch, sie folgen den verschiedenen traditionellen Kategorien, unter denen man die Bilder einordnen kann: Stillleben, Porträts, Jahreszeiten, Landschaften und Stadtansichten. Außerdem gibt es einige spezifischere Themen, wie Jahrmarkts- und Zirkusszenen.

Manchmal sieht man, dass die Künstler sich gegenseitig direkt inspiriert haben müssen, wie im Fall von „Kermis in Middelburg mit Selbstporträt“(Toorop, 1926) und „Kermis in Utrecht“(Koch, 1928–1929). Die Künstler teilen sich die ‚flache‘ Art, wie sie die vielen Attraktionen einer Messe darstellen. Während Toorop jedoch weiterhin an eine mehr oder weniger realistische Darstellung bleibt, mit einer Straße unten und einem Himmel darüber, verwandelt Koch das in eine viel chaotischere Kakophonie.

Rechtsextreme Praktiken

Die Gastkuratoren Carel Blotkamp und Mieke Rijnders haben sich entschieden, die visuellen Ähnlichkeiten hervorzuheben. Es ist verständlich, dass Gemälde aus verschiedenen Epochen manchmal nebeneinander aufgehängt werden. Auffällig ist jedoch, dass gerade jetzt, da rechtsextreme Parteien in den Niederlanden und im Rest der Welt immer mehr Unterstützung gewinnen, der politischen Distanz, die Mitte der 1930er Jahre zwischen den beiden Künstlern entstand, keine Beachtung geschenkt wird.

In der Einleitung wird kurz angedeutet, dass die Künstler politisch und sozial weit voneinander entfernt waren: „Toorop auf der Seite des Sozialismus und des Kommunismus, Koch auf der Seite des Faschismus“. Bei einer Ausstellung mit Werken von Pyke Koch 2017 in Utrecht erhielt dessen Mitgliedschaft im faschistischen Verbond van Dietsche Nationaalsolidaristen, kurz Verdinaso, mehr Aufmerksamkeit. Koch schloss sich 1934 dieser Bewegung an; Nach 1940 engagierten sich Mitglieder dieses Kreises in nationalsozialistischen Organisationen.

„Selbstporträt mit schwarzem Stoff“von 1937, ebenfalls in Gorssel ausgestellt, war und ist daher politisch farbig. Unabhängig davon, wie der Künstler später darauf zurückblickte, wurde das Selbstporträt zum Aushängeschild der Kultuurkamer, der von den deutschen Besatzungstruppen gegründeten Institution, die eine ‚positive germanische Haltung‘ propagierte. Koch war Mitglied der Kultuurkamer und entwarf 1942–1943 sogar eine Serie von Briefmarken mit ‚germanischen‘ Symbolen. Dafür wurde er 1950 verurteilt; er durfte ein Jahr lang nicht ausstellen.

Gorssel dreht sich nicht um diese aufgeladene biografische Geschichte, und das ist ein Verlust. So angenehm es auch sein mag, die Kunstwerke anhand von Komposition, Farbverwendung und Motivwahl zu betrachten und zu vergleichen, bleibt der biografische Kontext relevant, besonders bei Kunst aus dieser Zeit. Vor dem Hintergrund der aktuellen politischen Entwicklungen ist es unmöglich, die Werke von der zunehmend düsteren Welt zu trennen, aus der sie entstanden sind.

Nähere Informationen: Museum More, Hoofdstraat 28, 7213 CW Gorssel, Telefon: +31 575 760 300, E-Mail: info@museummore.nl

Sommerführer zu Kunststädten – Paris

Wir müssen Paris Kunstliebhabern nicht erklären. Der Louvre, Musée d’Orsay, Musée Rodin: Jeder kennt die großen Namen. Da das Centre Pompidou nun bis 2030 vorerst geschlossen ist, ist es an der Zeit, über die ständigen Adressen hinauszublicken. Wo wird es diesen Sommer stattfinden? Und was ist einen Umweg wert?

Museen von Luxusmarken

Eine Zeit lang galt Paris als Kunststadt der Vergangenheit: schön, aber zu teuer und weniger aufregend als London oder Berlin. Die Stadt setzt sich nun wieder auf die Landkarte, und Luxusmarken spielen dabei eine auffällige Rolle. Die Fondation Louis Vuitton besitzt ein Frank-Gehry-Gebäude im Bois de Boulogne, die Bourse de Commerce zeigt die Sammlung von François Pinault, Gründer der Luxusgruppe Kering, bekannt für Marken wie Gucci, Saint Laurent und Balenciaga, und die Fondation Cartier eröffnete im Oktober 2025 ihr neues Zuhause in der Place du Palais-Royal: einem ehemaligen Kaufhaus gegenüber dem Louvre, renoviert vom Architekten Jean Nouvel.

Diesen Sommer präsentiert die Fondation Cartier ‚Exposition Générale‘, einen Überblick über vierzig Jahre Sammeln. Mit „Calder – Rêver en équilibre“ entscheidet sich Fondation Louis Vuitton für Bewegung: Mobile, Stabilisatoren, Drahtfiguren und der Miniaturzirkus Cirque Calder schweben durch Gehrys Gebäude. An der Bourse de Commerce erforscht ‚Chiaroscuro‘ das Erbe des Chiaroscuro, wobei mehr als hundert Werke aus der Pinault-Sammlung Hell und Dunkelheit, Sichtbarkeit und Verschwinden gegenüberstellen.

Praktisch: Die Fondation Cartier befindet sich an der Place du Palais-Royal, fußläufig vom Louvre, Palais-Royal und der Bourse de Commerce. Die Bourse de Commerce und die Fondation Cartier lassen sich problemlos an einem Tag zusammenführen. Die Fondation Louis Vuitton befindet sich weiter westlich, im Bois de Boulogne. Tipp: Berechne dafür separate Reisezeiten. Überprüfen Sie die Zeitfenster im Voraus, besonders bei beliebten Ausstellungen.

Kunst im öffentlichen Raum

Im Innenhof des Palais-Royal, eines historischen Gebäudekomplexes in der Nähe des Louvre, befindet sich „Les Deux Plateaux“ (1985–86) von Daniel Buren (1938), eines der berühmtesten Kunstwerke im öffentlichen Raum von Paris. Die schwarz-weiß gestreiften Säulen stehen in engen Reihen zwischen den klassischen Fassaden. Einige ragen kaum über den Boden hinaus, andere ragen wie durchgeschnittene Säulen aus dem Pflaster empor.

Als es 1986 vorgestellt wurde, führte das Werk zu heftigen Debatten. Heute wird er bestiegen, fotografiert und als Treffpunkt genutzt. Buren stellte keine eigenständige Statue auf einen Platz, sondern legte ein zweites Raster über die bestehende Architektur. So kann man die Symmetrie, den Höhenunterschied und die Leere im Innenhof noch besser erkennen.

Wenn Sie mehr Zeit haben, fahren Sie weiter nach Issy-les-Moulineaux. Als hätte jemand eine Zeichnung von Jean Dubuffet (1901–85) auf monumentale Dimensionen vergrößert: So steht „Tour aux figures“ (1986–88) im Parc départemental de l’Île Saint-Germain, direkt außerhalb von Paris. Die 24 Meter hohe und 12 Meter breite Skulptur erhebt sich zwischen Rasenflächen, Bäumen und Sportplätzen. Die Außenansicht ist frei zugänglich. Mit einer Reservierung kann man auch eintreten, wo ein gewundenes Korridorsystem durch den Turm verläuft.

Praktisch: „Les Deux Plateaux“ liegt in der Nähe des Louvre, der Bourse de Commerce und der Fondation Cartier. Die „Tour aux figures“ befindet sich außerhalb des Zentrums. Tipp: Rechnen Sie mit zusätzlicher Reisezeit. Der Außenbereich ist während der Öffnungszeiten des Parks frei zugänglich. Der Innenbereich kann nur mit einer Führung besucht werden, von März bis Oktober und nach Reservierung.

Studiomuseen am linken Ufer

Es gibt mehrere kleine Künstlermuseen am linken Ufer. Im Musée Bourdelle, dem ehemaligen Atelier von Antoine Bourdelle (1861–1929), stehen Stuck, Bronze und Arbeitszimmer zwischen Arbeitsplätzen, Hochhallen und Innenhöfen. Bourdelle arbeitete viele Jahre als Assistent von Auguste Rodin (1840–1917), entwickelte später eine kantigere, schwerere visuelle Sprache.

Das Institut Giacometti ist Alberto Giacometti (1901–66) gewidmet, der jahrzehntelang in Montparnasse arbeitete. Sein Atelier wurde rekonstruiert, mit Möbeln, persönlichen Gegenständen und bemalten Wänden. Diesen Sommer steht seine surrealistische Periode im Mittelpunkt von ‚Surrealist Giacometti‘. Das Musée Zadkine gehört ebenfalls zu dieser Liste. Im ehemaligen Haus und Atelier von Ossip Zadkine (1890–1967), nahe den Luxemburger Gärten, stehen Skulpturen zwischen hellen Räumen und einem stillen Garten.

Praktisch: Das Musée Bourdelle, das Institut Giacometti und das Musée Zadkine liegen relativ nah beieinander am linken Ufer und lassen sich leicht mit Montparnasse und Jardin du Luxembourg kombinieren. Das Musée Bourdelle ist von Dienstag bis Sonntag geöffnet; Die Dauerausstellung ist kostenlos. Tipp: Für das Institut Giacometti und das Musée Zadkine prüfen Sie im Voraus die verfügbaren Sendezeiten und aktuelle Öffnungszeiten.

Albert Kahn – Weltarchiv in einem Garten

Auf der Westseite von Paris, in Boulogne-Billancourt, liegt das Musée départemental Albert-Kahn. Bankier und Förderer Albert Kahn (1860–1940) schickte ab Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts Fotografen und Kameraleute um die Welt. Ihre Aufgabe: Festzuhalten, wie die Welt aussah, bevor sie sich für immer verändern würde. Das Ergebnis, Archives de la Planète, besteht aus frühen Farbfotografien und Filmen aus Dutzenden von Ländern. Seit 2022 befindet sich die Sammlung in einem neuen Gebäude des Architekten Kengo Kuma. Das Museum befindet sich zwischen Gärten mit französischen, englischen und japanischen Landschaften, Pavillons und Wasserfunktionen.

Praktisch: Das Musée départemental Albert-Kahn befindet sich in Boulogne-Billancourt, außerhalb des Zentrums, aber leicht erreichbar mit der U-Bahn. Verbringen Sie nicht nur Zeit im Museum, sondern auch in den Gärten. Die Kombination aus Skulpturenarchiv, Architektur und Landschaft macht diesen Besuch lohnenswert.

Praktisch

Pässe & Tickets
Wenn Sie mehrere Museen und Denkmäler besuchen möchten, können Sie vom Paris Museum Pass profitieren. Überprüfen Sie im Voraus, welche Orte teilnehmen: Private Institutionen wie die Fondation Cartier, die Fondation Louis Vuitton und die Bourse de Commerce nutzen ihre eigenen Tickets.

Buchen Sie im Voraus
Viele Pariser Museen arbeiten mit Zeitfenstern. Buchen Sie also im Voraus, besonders für beliebte Ausstellungen und für die geführte Tour durch Dubuffets „Tour aux figures“. Bitte beachten Sie, dass viele Museen montags geschlossen sind.

Essen und Schlafen
in Paris ist besonders abends geschäftig. Buchen Sie Restaurants pünktlich, besonders mit mehr als zwei Personen. Rund um Montparnasse und Saint-Germain-des-Prés befinden sich klassische Künstlercafés wie „La Rotonde“ und Café de Flore. Wenn Sie auch die Nacht unter Kunst verbringen möchten, können Sie das Hôtel Grand Amour im 10. Arrondissement oder außerhalb von Paris La Folie Barbizon bei Fontainebleau ansehen.

Sommerreihe von Freiluftausstellungen – Sonsbeek in Arnheim

Unter dem Titel „Ich brauche keinen Garten, ich teile mir einen Park“, entlehnt vom Arnheimer Plakatkollektiv Loesje, dreht sich die Freiluftausstellung Sonsbeek 13 um die Frage, wie Erinnerungen geformt, bewahrt und weitergegeben werden. Diese Ausgabe blickt zurück und ruft zugleich in die Zukunft: mit Kunstwerken über die Geschichte Arnheims und des Parks, aber auch über das Erinnern im Allgemeinen.

Die 19.Ausgabe von Sonsbeek findet im Jahr 2049 statt. Das klingt wie eine trockene Aussage aus dem Mund von Sonsbeek-Regisseur Orlando Maaike Gouwenberg, aber in diesem einen Satz stehen Zukunft, Vergangenheit und Gegenwart. In 23 Jahren wird die älteste wiederkehrende europäische Kunstmanifestation im öffentlichen Raum genau ein Jahrhundert lang existieren. Sonsbeek wurde 1949 vom stellvertretenden Vorsitzenden des Tourismusbüros von Arnhem ins Leben gerufen, um der zerstörten Stadt Touristeneinkünfte zu verschaffen und den traumatisierten Bewohnern eine helfende Hand zu bieten. Der Hunger nach Kunst erwies sich als enorm. Es wurden 125.000 Besucher gezählt.

Sonsbeek wurde ursprünglich als Triennale gegründet und zeigte internationale Skulpturen. Sowohl der dreijährliche Rhythmus als auch die Betonung der Bildhauerei wichen in den 1960er Jahren einem anderen Format. Unter Kuratoren wie Wim Beeren und Jan Hoet entwickelte sich Sonsbeek zu einer hochkarätigen Plattform für bildende Kunst in allen Bereichen, die sich oft über die Grenzen des Parks, nach dem es benannt ist, hinausging. Die Tatsache, dass für jede Ausgabe ein neuer Kurator und eine neue Organisation eingestellt wurde, hielt das Ganze spannend, verursachte aber auch Instabilität. Dies zeigte sich erneut im Jahr 2022, als die Treuhänder aus Protest gegen ein unsicheres Arbeitsumfeld zurücktraten und Sonsbeek mit einem Zusammenbruch drohte. Die Gemeinde Arnheim entschied jedoch, dass das Ereignis gerettet werden müsse, und stellte erstmals in der Geschichte von Sonsbeek einen festen Jahresbeitrag bereit. Dieser Beitrag gibt dem Regisseur so viel Vertrauen in die langfristige Zukunft, dass sogar ein Weg bis zum hundertjährigen Jubiläum bereits vorgezeichnet ist.

Der Ausgangspunkt ‚Erinnerung als lebendiger Akt‘, formuliert von den Gastkuratorinnen Amira Gad und Christina Li für die aktuelle Ausgabe, passt zu diesem erweiterten Horizont. Die von ihnen ausgewählten Kunstwerke handeln von der Geschichte Arnheims und des Parks, aber auch vom Erinnern im Allgemeinen.

Erste bronzene trans Frau
Mit ihrer roten weiblichen Figur im Wasser am Rand des Parks bezieht sich Mounira Al Solh (1978) auf die Phönizier, die vor Tausenden von Jahren aus ihrer Heimat Libanon um die Welt reisten. Die Frau hat ein Boot auf dem Kopf und ein Ruder in der Hand. Aber auch einen Koffer und ein Mobiltelefon, oft das Einzige, was heutige Libanesen bei sich haben, wenn sie vor dem Krieg fliehen – vergleichbar mit Arnhemmers 1944. Das Werk heißt „Und Europa floh“, und die Tatsache, dass Europa auch der Name der phönizischen Prinzessin ist, die vom griechischen Obergott Zeus entführt wurde, schließt den Kreis.

Verkörperte Erinnerung findet sich auch in Puppies Puppies (1989). Diese trans Frau dokumentiert jede Phase ihres Übergangsprozesses, indem sie regelmäßig einen Abdruck ihres Körpers anfertigt. Ihr vorübergehender Zustand, der später nur noch Erinnerung ist, wird dann in Bronze verewigt. Als erste Bronzestatue einer trans Frau weltweit schreibt das Werk auch Geschichte.

Völlig zeitgenössisch ist die Kombination aus 3D-gedruckten Blobs aus synthetischem Harz und Sensoren, die Femke Herregraven (1982) verwendet, um Bodentemperatur und Wasserströmungen an Orten im Park zu messen, wo sich früher Arnheims erstes Industriegebiet befand. KI übersetzt diese Daten in Bilder eines Kunstwaldes, die auf einem großen LED-Bildschirm im Teich angezeigt werden. Das Werk ruft eine mögliche Zukunft aus Daten hervor, die nicht gespeichert sind. Dadurch kann das Bild nicht wiederholt werden und wird sofort selbst zur Erinnerung.

Blumenteppich

Wie die illustren Ausgaben aus den 1970er Jahren hat auch die aktuelle Ausgabe Orte in der Stadt. So wickelte Larry Achiampong (1984) einen Teil von Ubbo Scheffers Skulpturengruppe „Burgers“ auf dem Bürgersteig der Polizeistation in eine panafrikanische Flagge. Nicht, um das Werk zu löschen, wie einige Passanten dachten, sondern um eine zusätzliche Ebene hinzuzufügen: die historisch schwierige Beziehung zwischen schwarzen Mitgliedern der bürgerlichen Familie und der Staatsgewalt. Etwas weiter entfernt hat Anne-Mie van Kerckhoven (1951) einen farbenfrohen Blumenteppich in Form einer Galaxie mit Topfpflanzen angelegt – ein astronomisches Phänomen, das wir nur sehen, wenn es Millionen Jahre alt ist. Nach Sonsbeek werden die 32.940 Pflanzen unter den Besuchern verteilt – um sie als Andenken mit nach Hause zu nehmen.

Das Rozet-Kunstzentrum zeigt Werke des inzwischen verstorbenen On Kawara (1932–2014), der bereits an Sonsbeek 1971 teilnahm, indem er ein Telegramm mit dem Text ‚I AM STILL ALIVE‘ schickte. Unter dem Titel „Reines Bewusstsein“ wurden sieben seiner berühmten Dattelgemälde in einem Kindergarten in Arnheim aufgehängt, in der Erwartung – oder Hoffnung –, dass sie bei den Kindern eine Erinnerung hervorrufen. Erwachsene Gehirne werden an derselben Stelle durch Archivboxen in Regalen stimuliert: Sonsbeeks eigenes physisches Gedächtnis. Aufgrund der organisatorischen Volatilität wurden sie nie bestellt oder auch nur ausgepackt. Aber das wird jetzt passieren. Die nächsten 23 Jahre sollten genug Zeit bieten, um die Vergangenheit zu rekonstruieren.

Sonsbeek 13 kurz zusammengefasst

Zu sehen
sind Kunstwerke von achtzehn Künstlern, von denen zwölf neue Werke auf Auftragsbasis schufen, verteilt über Park Sonsbeek und das Stadtzentrum von Arnhem.

Zeit
Planen Sie mindestens anderthalb Stunden für den Park ein; Wenn du alles sehen willst, brauchst du einen halben Tag.

Verkehr
Leicht erreichbar mit öffentlichen Verkehrsmitteln. Die Werke im Park liegen fußläufig voneinander entfernt. Ein OV-Fiets wird für die Arbeiten in der Stadt empfohlen.

Pause
Im Park bieten das Besucherzentrum Molenplaats und die City Villa Sonsbeek Möglichkeiten für einen Snack und ein Getränk. Im Zentrum ist die Auswahl groß und vielfältig.

Verpassen
Sie nicht „Future Untold“ von Afaina de Jong, ein Werk, das irgendwo zwischen Skulptur und Architektur liegt und in dem Besucher gemeinsam Erinnerungen an die Zukunft schaffen können.

Was macht diese Außenausstellung besonders?
Sonsbeek 13 stellt einen optimistischen Neustart der ältesten Open-Air-Kunstveranstaltung Europas dar, und die Ausstellung spiegelt ein erneuertes Selbstbewusstsein wider. Anspielungen auf Erinnerungen und Erinnerungen machen das Ganze zu einem wunderschön vielschichtigen Ganzen.

Ausstellungsbesuch + Führung ‚Himmlisches Gewölbe‘ + Buch ‚Die Schicksale‘

Erleben Sie, wie der Himmel die Form eines Gewölbes im Celestial Vault“ (1999) annehmen kann, einem künstlichen Krater des amerikanischen Landschaftsmalers James Turrell in den Dünen bei Kijkduin. Für Abonnenten des Museummagazins wurde gemeinsam mit dem Kunstzentrum Stroom Den Haag ein ausführliches Programm zu diesem kosmischen Kunstwerk zusammengestellt.

In Stroom werden Sie durch eine Ausstellung der Künstlerin Ana María Gómez López geführt, die unter anderem das originale maßstabsgetreue Modell des Hemels Gewölbe zeigt. Nach dem Mittagessen besichtigen Sie das Kunstwerk selbst. Die Teilnehmer erhalten außerdem das Buch „Die Abenteuer“ von Sacha Bronwasser mit Rabatt (im Wert von 24,99 €). In dieser Sammlung literarischer Geschichten spielt ein Kunstwerk die führende Rolle.

Nähere Informationen: Stroom Den Haag, Hogewal 1, 2514 HA Den Haag, Internet: http://www.stroom.nl

Verzaubert – Gemälde und Skulpturen von Kenne Grégoire

Seit dem 24. April präsentiert das Jopie Huisman Museum die Ausstellung Verzaubert mit einer Auswahl der schönsten Gemälde und Skulpturen von Kenne Grégoire. Dank großzügiger Leihgaben von Museen und Privatpersonen wurde erstmals eine große Retrospektive seiner Werke der letzten fünfzig Jahre – darunter sehr aktuelle Gemälde und Skulpturen – zusammengestellt. Die Besucher tauchen in seine faszinierende Realität mit wunderschön gedeckten Tischen, besonderen Menschen und wunderbarer Natur ein.

Mit der Realität spielend

Mit seiner phänomenalen Maltechnik des 17. Jahrhunderts und einem anspruchsvollen Farbgebrauch ruft Grégoire eine intensive Atmosphäre hervor. Auf den ersten Blick wirken seine Motive sehr gewöhnlich, doch er verleiht ihnen durch sein feines Spiel mit Perspektive und sorgfältige Kompositionen eine neue Bedeutung. Er mag „genau wie das echte Ding“ und scheut sich nicht vor Tricks, um die Illusion zu suggerieren – zum Beispiel von Dreidimensionalität. Auf diese Weise verführt er einen dazu, genauer hinzusehen: „Ich versuche, den Betrachter dazu zu bringen, scheinbar banale Themen mit neuen Augen zu betrachten.“

Schönheit gewöhnlicher Dinge

„Es sollte nicht nur um dieses Äußere gehen, die Geschichte muss darüber gegangen sein. Was der Lauf der Zeit mit Menschen und ihren Dingen macht, das möchte ich vorschlagen.“

Seine Hauptmotivation ist, die Schönheit sichtbar zu machen. Aber auf eine Weise, die ein Gefühl von Vergänglichkeit erlebt. Genau wie Jopie Huisman stellt er Alltagsgegenstände wie gebrauchte Dosen, rostige Töpfe, abgenutzte Lumpen und abgenutzte Kleidung ins Rampenlicht. Er stellt sie so dar, dass sie eine Geschichte hervorrufen. Was machen diese leeren Gläser, schmutzigen Teller und eine schlafende Katze und ein Mädchen auf dem Tisch? Grégoire gibt ihnen sozusagen eine Hauptrolle in einer Filmszene, die er scheinbar planlos gestoppt hat. Mit der entfremdenden Perspektive verstärkt er auch subtil die Andeutung einer filmischen Bewegung.

Nähere Informationen: Jopie Huisman Museum, Noard 6, Workum, Telefon: +31 515543131, E-Mail: info@jopiehuismanmuseum.nl, Internet: http://www.jopiehuismannmuseum.nl

Ina van Zyl – Woher kommst du?

Seit dem 16. Juni präsentiert das SCHUNCK Museum in Heerlen die erste große niederländische Museumsretrospektive des Werks der Malerin Ina van Zyl (1971). „Where Are You From“ vereint fast dreißig Jahre Werk, von ihren frühen südafrikanischen Comics bis hin zu aktuellen Gemälden. Die Ausstellung zeigt, wie Van Zyl eine eigenständige visuelle Sprache entwickelte, in der Intimität, Spannung und Präzision im Mittelpunkt stehen.

Van Zyl ist bekannt für ihre extremen Nahaufnahmen von Körperfragmenten, Blumen, Früchten und Gegenständen. Die präzise Maltechnik, die geschichtete Struktur und die gesättigten Farben machen ihre Bilder sowohl einladend als auch verstörend. Kunstkritiker Dominic van den Boogerd beschreibt, wie Van Zyl „in der prosaischen Natur der Dinge um sie herum – Objekte, Lebensmittel, Körper und Landschaften – eine erbärmliche Tragödie erkennt, die zugleich absurd ist.“ Diese Spannung zwischen Alltäglichem und Entfremdendem ist eine Konstante in ihrem Werk.

Nähere Informationen: SCHUNCK, Bongerd 18, Heerlen, Telefon: +31 455772200, E-Mail: info@schunck.nl, Internet: www.schunck.nl

Christoph Ruckhäberle – Die vierte Wand

Tanzen, reden, trinken, kämpfen. Die Figuren in den Werken von Christoph Ruckhäberle (1972) scheinen mitten in einem Stück eingefroren zu sein. Ruckhäberles Figuren sind lebendig, sie haben etwas Zeitloses an sich, und die Szenen wirken manchmal entfremdend. Das spricht die Fantasie an: Wie sind diese Menschen zusammen in einem Raum gelandet? Was machen sie? Wohin gehen sie? Lass deine Fantasie freien Lauf. In der vierten Wand hängen Ruckhäberles Zeichnungen und Gemälde an der bunten Tapete, die er ebenfalls entwirft. Große Muster bilden den Hintergrund seiner Figuren und lassen einen das Gefühl haben, selbst auf der Bühne zu stehen.

Nähere Informationen: Drents Museum, Brink 1, Assen, Telefon: +31 592377773, E-Mail: info@drentsmuseum.nl, Internet: http://www.drentsmuseum.nl

Ein Schlüsselakteur der Moderne

Das Franz Marc Museum zeigt eine umfassende Ausstellung zu einem prägenden Protagonisten der Münchner Avantgarde. Adolf Erbslöh (1881–1947) zählt zu den einflussreichen, oft übersehenen Malern der Moderne. Die Ausstellung lädt dazu ein, seine eigenständige Bildwelt neu zu entdecken. Als Mitbegründer und späterer Vorsitzender der Neuen Künstlervereinigung München stand er im Zentrum der Avantgarde um Wassily Kandinsky, Alexej von Jawlensky und Franz Marc.

Mit seiner Kunst und seiner engen Vernetzung innerhalb der Münchner Kunstszene prägte Erbslöh das künstlerische Klima um 1910 entscheidend mit – jenes Umfeld, aus dem der Blaue Reiter hervorging. Mit seinem Essay „Phantasie und Form“ formulierte er 1929 zentrale Gedanken seines Kunstverständnisses. Fantasie erscheint darin nicht als Gegensatz zur Ordnung, sondern als deren Ursprung: „Das Kunstwerk ist Gestaltung, formgewordene Phantasie.“

Die Ausstellung greift diesen Gedanken auf und zeigt, wie Erbslöh aus inneren Vorstellungen eine eigenständige Bildsprache entwickelte. Er bewegte sich zwischen expressiver Farbigkeit und einem zunehmend konstruktiven Bildaufbau. Seine Werke verbinden leuchtende Farben, klare Linien und ein waches, reflektiertes Sehen. Von den impressionistischen Anfängen über die Begegnung mit der Kunst Paul Cézannes und der Kubisten bis zu den tektonischen Landschaften der 1920er-Jahre verfolgt die Ausstellung eine zentrale Frage seines Schaffens: Wie lässt sich die flüchtige Vielheit der Erscheinungen in eine bleibende Bildordnung überführen?

Das Franz Marc Museum, dessen Forschungsschwerpunkt und Sammlung eng mit der Münchner Avantgarde verbunden sind, präsentiert in dieser Ausstellung rund 40 Gemälde. Leihgaben kommen u.a. aus der Hamburger Kunsthalle, dem Kunstpalast Düsseldorf, dem Leopold-Hoesch-Museum Düren und dem Schloßmuseum Murnau. Viele Werke stammen aus Privatbesitz und sind teilweise erstmals öffentlich zu sehen. Kuratiert wird die Ausstellung von Jessica Keilholz-Busch, Direktorin des Franz Marc Museums.

Biografie

Adolf Erbslöh wurde 1881 in New York geboren und wuchs in Barmen bei Wuppertal auf. 1904 zog er zum Studium nach München, damals eines der lebendigsten Zentren der europäischen Avantgarde. Prägender als die akademische Ausbildung war für ihn das künstlerische Umfeld: Auf Reisen nach Frankreich, Italien und in die Niederlande lernte er die aktuellen Strömungen der Moderne kennen; auch die Münchner Szene um die Neue Secession und die Scholle inspirierte ihn. Um 1908 setzte Erbslöh sich intensiv mit den Farbtheorien des Neoimpressionismus auseinander und begann, Farbe als strukturierendes Element des Bildes zu begreifen. Zur gleichen Zeit lernte er über Alexej von Jawlensky den Kreis um Wassily Kandinsky, Gabriele Münter und Marianne von Werefkin kennen. 1909 gehörte er zu den Begründern der Neuen Künstlervereinigung München (NKVM).

Deren Ziel, innere Erfahrung in eine bildnerische Ordnung zu überführen, entsprach seinem eigenen künstlerischen Denken. Erbslöh nutzte die Landschaft als zentrales Experimentierfeld. Vor allem in den Bergen bei Brannenburg am Inn sowie in städtischen Parks fand er Motive, in denen sich Formen staffeln und zu einer konstruierten Ordnung fügen ließen. Seine Arbeiten fanden auch unter seinen Zeitgenoss:innen große Beachtung. 1910 schrieb Franz Marc bewundernd: „Erbslöh’s neue Sachen sind glänzend.“ Einen wichtigen Impuls erhielt seine Arbeit durch die Auseinandersetzung mit Paul Cézanne, dessen Werke Erbslöh 1910 in München kennenlernte. Cézannes Vorstellung eines architektonisch gebauten Bilds als autonome Ordnung aus Farbe, Fläche und Volumen beeinflusste ihn nachhaltig.

Der Erste Weltkrieg markierte eine tiefe biografische Zäsur. 1915 wurde Erbslöh eingezogen, ab 1916 arbeitete er als Kriegsmaler in Frankreich und Flandern. Er hielt an seinem formalen Prinzip fest und gestaltete zerstörte Landschaften als rhythmisch gegliederte, tektonische Strukturen.

Nach dem Krieg verdichtete Erbslöh seine Bildauffassung weiter. In den 1920er-Jahren entwickelte er zunehmend streng konstruierte Kompositionen mit pyramidal verschachtelten Bildelementen und klar gegliederten Licht- und Schattenzonen. Ab 1934 zog sich Erbslöh nach Irschenhausen im Isartal zurück. Die Nationalsozialisten diffamierten seine Werke als „entartet“ und drängten ihn aus dem öffentlichen Kunstleben. 1947 starb er in Irschenhausen.

Nach dem Zweiten Weltkrieg erhielt sein Werk zunächst weniger Aufmerksamkeit, blieb jedoch weiterhin in bedeutenden Sammlungen vertreten und war in Ausstellungen präsent. Die Ausstellung im Franz Marc Museum trägt dazu bei, Adolf Erbslöh neu zu entdecken und seine Bedeutung für die Moderne herauszustellen: als Künstler, der die Freiheit der Fantasie mit der Klarheit der Form versöhnt.

Nähere Informationen: Franz Marc Museum, Franz Marc Park 8–10, 82431 Kochel am See, Telefon: Internet: http://www.franz-marc-museum.de

In der neuen Ausgabe der Museumstijdschrift findet der Leser oder die Leserin viele Tipps über Kunstausstellungen in den Niederlanden und manches mehr aus der Welt der Kunst. Hier ein kleiner Ausschnitt:

Das neue Kind in der Stadt – Rembrandts stürmisches Jahr 1632 – Von Erik Spaans

Werden wir jemals aufhören, über Rembrandt zu reden? Wahrscheinlich nicht – ganz sicher nicht, wenn es darum geht, wie er einer der berühmtesten Künstler aller Zeiten werden konnte. In „Rembrandt 1632 – Entstehung einer Marke“ konzentriert sich die Gemäldegalerie Alte Meister in Kassel auf das Jahr, in dem Rembrandt Leiden gegen Amsterdam eintauschte, seinen Einstieg in die Porträtmalerei machte und sein Name rasch kommerziellen Wert gewann. 1632 war Rembrandts Wirbelwindjahr.

Im Jahr 1632 fiel vieles zusammen. Rembrandt verließ Leiden endgültig, um sich in Amsterdam niederzulassen, ging eine Partnerschaft mit dem Kunsthändler und Unternehmer Hendrick Uylenburgh ein und beherrschte ein neues Fachgebiet: Porträtmalerei. Er knüpfte seine ersten Kontakte zum Hof in Den Haag und begann seine berühmte Leidenschaftsreihe. Seine Amsterdamer Karriere begann ebenfalls mit dem begeisterten Empfang von „The Anatomy Lesson of Dr. Nicolaes Tulp“ – mit diesem beeindruckenden Gruppenporträt setzte sich der ‚Neuling in der Stadt‘ in einem Schlag an die Spitze.

Wahnsinniges Arbeitstempo

Von diesem Moment an galt er als einer der begehrtesten und bestbezahlten Künstler Amsterdams. Eine der produktivsten auch: Eine Übersicht zu Beginn der Ausstellung macht deutlich, dass Rembrandt 1632 mindestens 32 Gemälde und sechs Radierungen schuf. Und das zählt noch nicht einmal seine umfangreiche Zeichnungsproduktion! Rembrandt konnte mit diesem wahnsinnigen Arbeitstempo nicht mithalten: Ende der 1640er Jahre war seine Produktion auf drei oder vier Gemälde pro Jahr gesunken.

Wer davon ausgeht, dass ein bedeutender Teil des 1632 entstandenen Werks in Kassel zu sehen ist, wird enttäuscht. Wir müssen auf seine berühmtesten Porträts aus jenem Jahr verzichten. Gemälde wie „Die Entführung Europas“ und „Der Mann mit dem Turban“ fallen auf, doch das Fehlen der Anatomielektion ist besonders auffällig. Schade. Aber irgendwie auch verständlich. Kassel hat schlicht nicht den Status und die finanzielle Kapazität des Kunsthistorischen Museums in Wien, wo vor anderthalb Jahren das Bonbonglas noch weit geöffnet war.

Ein Vergnügen, selbst ohne Meisterwerke

Aber nun die gute Nachricht: „Rembrandt 1632“ ist eine überraschend schöne Ausstellung. Den Zusammenstellern ist es gelungen, ein wunderschönes Bild des damaligen Amsterdam zu schaffen. Werke von Rembrandt werden von Zeitgenossen gespiegelt – insbesondere von seinem Kollegen Jan Lievens, der mit einer Reihe starker Übernahmen vertreten ist. Das Fehlen von „The Anatomy Lesson“ wird auf spielerische Weise durch eine Videopräsentation ausgeglichen, in der Tulp und seine Kollegen zum Leben erwachen. Selbstporträts zeigen das wachsende Selbstbewusstsein des Malers, der sich immer eleganter kleidet. Kopien aus unserem eigenen Studio laden Sie ein, ein Spiel „Unterschiede erkennen“ zu spielen.

Zu den ausgestellten Gemälden, die Schülern oder Assistenten zugeschrieben werden, gehört hochwertige Arbeiten. Ein Gemälde eines kahlköpfigen alten Mannes zum Beispiel, das als Werkstattkopie an das Depot in Kassel verurteilt wurde. Diese atemberaubend genau bemalte Tronie verdient einen Platz in der Dauerausstellung.

Auch wunderschön: Anhängerporträts, die verloren gegangen waren und vorübergehend wiedervereint wurden. Der Mann, der seinen Stift schneidet, scheint in der Gegenwart seiner Frau, die aus Wien gekommen ist, aufzuhellen. Dies gilt auch für die Porträts der besten Freunde Jacques de Gheyn III und Maurits Huygens. In ihrem Testament ließen die Freunde festhalten, dass ihre Porträts zusammenbleiben müssten. Glücklicherweise ist das jetzt wieder der Fall.

Nähere Informationen: Gemäldegalerie Alte Meister, Hessen Kassel Heritage, Schloss Wilhelmshöhe, Schlosspark 1, 34131 Kassel, Telefon: +49 (0)561 316 80-123, E-Mail:
service@heritage-kassel.de und info@heritage-kassel.de

Otobong Nkanga erhält den Sikkens Prize 2026

Der international renommierte Künstler Otobong Nkanga wird den Sikkens Prize 2026 erhalten, eine internationale Auszeichnung für innovativen Farbeinsatz in Kunst und Design. Der Biennale-Preis wird an einen Künstler oder ein Kollektiv vergeben, das einen wichtigen Beitrag im Bereich der Farbe leistet. Otobong Nkanga (*1974) erhält eine Summe von 75.000 Euro. Die Preisverleihung findet am Montag, 26. Oktober, statt, danach eröffnet ihre Einzelausstellung ‚Humus Blues‘ im Singer Laren.

Laut der Jury zeigt Nkanga, woher Farbe kommt: von der Erde, der Gemeinschaft und dem Leben selbst. In ihren Skulpturen, Teppichen, Zeichnungen und Installationen spielen Pigmente, Mineralien und Rohstoffe eine zentrale Rolle. Sie erscheinen als Träger von Geschichten über Landschaften, Abbau, Wiederaufbau, Macht und Wandel. Ihre Arbeit verbindet Körper und Landschaft, das Lokale und das Globale, das Persönliche und das Politische.

Farbe als fundamentale Kraft

Der Sikkens-Preis wurde erstmals 1959 an den Architekten und Designer Gerrit Rietveld verliehen. Seitdem ging der Preis unter anderem an Donald Judd, Bridget Riley, Hella Jongerius, David Chipperfield, Le Corbusier, Piet Oudolf und Pipilotti Rist. Der Preis beträgt 75.000 Euro, davon sind 50.000 Euro für persönliche Entwicklung und 25.000 Euro für ein spezielles Farbprojekt vorgesehen. Nkanga gibt das Preisgeld für ein Projekt seiner Stiftung, die Carved to Flow Foundation, aus.

Ausstellung im Museum Singer Laren

Zum ersten Mal ehrt die Sikkens Stiftung den Preisträger mit einer Ausstellung. ‚Humus Blues‘ ist vom 27. Oktober 2026 bis zum 28. Februar 2027 im Museum Singer Laren zu sehen. Mit Skulpturen, Textilien, Zeichnungen, Gemälden, Fotografien und Poesie bietet die Ausstellung eine facettenreiche Einführung in Nkangas Werk. In ihren Arbeiten erforscht sie die Verbundenheit von Menschen, Landschaft und Rohstoffen sowie Themen wie Identität, Macht und Veränderung. Darüber hinaus sind monumentale Werke von Nkanga in der Jubiläumsausstellung der AkzoNobel Kunststiftung in Amsterdam zu sehen.

Nähere Informationen: Museum Singer Laren, Oude Drift 1, 1251 BS Laren, Telefon: (035) 5393939, E-Mail: museum@singerlaren.nl

Protest und Anarchie im Designmuseum Den Bosch

Die Punk-Mentalität des Grafikdesigners Jamie Reid (*1947 – +2023) zeigt sich in seinem gesamten Werk. Themen wie Ökologie, Frieden und Antifaschismus tauchen immer wieder auf. Die Collage „Nature Still Draws a Crowd“ (1974) zeigt ein Stadion voller Menschen, die staunend auf eine kleine Baumgruppe starren: eine dystopische Vision der Zukunft, in der die Natur zur Seltenheit geworden ist. Reid gestaltete das Plakat „Pussy Riot“ (2012) als Protest gegen die Verhaftung und Inhaftierung von Mitgliedern der gleichnamigen russischen Punkband. Sein Einsatz von Cut-and-Paste-Techniken verleiht seiner Arbeit eine rohe, direkte visuelle Sprache, die eng mit der Punk-Ästhetik verbunden ist, die er selbst mitgeprägt hat.

Reid ist vor allem für seine Entwürfe für die Sex Pistols bekannt, die britische Punkband, die sich mit Musik und Stil der etablierten Ordnung widersetzte. Die Band kritisierte die Regierung, die königliche Familie und den Konsumismus. Reids Entwürfe passten nahtlos dazu. „Anarchy in the UK“ (1976) zeigt einen zerrissenen Union Jack, wobei der Titel scheinbar mit Sicherheitsnadeln und Büroklammern an der Flagge befestigt ist. Die Briefe erinnern an einen Lösegeldbrief. Dieser Collage-Stil verleiht dem Werk einen DIY-Charakter, der typisch für die Punk-Szene ist: Kleidung, Accessoires und vorhandene Bilder wurden geschnitten, bearbeitet und wiederverwendet. Auch für Reid war die Erosion der Symbole des Status quo eine Form des Protests.

Nähere Informationen: Designmuseum Den Bosch, De Mortel 4, ´s-Hertogenbusch, Telefon: +31 736273680, E-Mail: info@designmuseum.nl, Internet: http://www.designmuseum.nl

‚Bewegen‘ im Shoe Quarter

Was sagen uns deine Schuhe über dich aus? Und was passiert, wenn du anfängst, damit zu tanzen? In „Bewegung! – Tanz als Akt der Freiheit“ werden Sie entdecken, wie Tanzschuhe nicht nur Bewegung ermöglichen, sondern auch Geschichten über Freiheit, Identität und Stil erzählen. Vom klassischen Ballett über Breakdance und von Swing bis Vogue: Diese Ausstellung zeigt, wie Schuhe die Tanzfläche und die Gesellschaft bewegen.

Tanz ist mehr als nur ein Schritt oder eine Darbietung. Innerhalb verschiedener Gemeinschaften ist Tanz eine Möglichkeit, sich selbst zu zeigen, Raum zu beanspruchen und sich verbunden zu fühlen. „Beweg dich!“ zeigt, wie Schuhe eine stille, aber kraftvolle Rolle dabei spielen. Eine inspirierende, interaktive Familienausstellung für alle Altersgruppen: von jungen Tanzliebhabern bis hin zu Designkennern.

Nähere Informationen: Shoe Quarter, Raadhuisplein 1, 5141 KG Waalwijk, Telefon: +31 (0)416332738, E-Mail: info@schoenenqwartier.nl

Mach Lärm – Verlangen. Praktikum. Veränderung

„Mach Lärm: Verlangen. Praktikum. Veränderung“ ist die letzte Ausgabe der führenden Positions-Reihe des Van Abbemuseums in ihrer heutigen Form. Für diese Ausstellung, die auf die großen Veränderungen im Museum, in Eindhoven und in der Gesellschaft reagiert, vereint die 2024 ernannte leitende Kuratorin Zippora Elder aktuelle künstlerische Praktiken, die sich durch Kühnheit, Antrieb und Exzentrik auszeichnen. Flexibilität, Choreografie und das Theatralische stehen im Mittelpunkt. Darüber hinaus wird daran gearbeitet, den Museumskontext in eine Klangbox zu verwandeln: eine Bühne und einen Museumsclub zum Zuhören und Auftreten mit mehreren Generationen.

Die Ausstellungen der Positions-Reihe begannen vor zehn Jahren und stehen für Raum für Experimente und unabhängig präsentierte Künstlerpositionen. In Zeiten breiter Sorge fördert „Positions #9“ Bewegung, Verbindung und Präsenz mit einer Mischung aus besonderen Solo-Präsentationen, Auftritten und Workshops: „Macht Lärm, öffnet eure Gefühle, stellt euch euren Wunsch vor und macht eine andere Welt wahr“ ist das Motto.

Nähere Informationen: Van Abbemuseum, Bilderdijklaan 10, Eindhoven, Telefon: +31 402381000, E-Mail: info@vanabbemuseum.nl, Internet: www.vanabbemuseum.nl

State of Wander – Kunst und Natur in Bewegung

Wie betrachten wir die Natur? Und wie beeinflusst unsere Vergangenheit diese Sichtweise? Mit „State of Wander“ erleben die Besucher des Het-Loo-Palastes in Apeldoorn zeitgenössische Kunst, die neue Einsichten ermöglicht. Künstler, Designer und Forscher aus den Niederlanden und dem Ausland lassen sich vom Palast Het Loo inspirieren: vom Palast bis zu den barocken Gärten. Ihre Arbeit lädt einen ein, innezuhalten, umherzuwandern und erneut hinzusehen.

Auf dem Bassecour, im Palast, in den Gärten und im Palastpark entdecken Sie Besucher 11 neue Kunstprojekte. Sie zeigen, wie sich die Vorstellungen von Natur und Mensch im Laufe der Jahrhunderte von der Renaissance bis zur Gegenwart verändert haben.

Diese Werke wurden speziell für Den Het Loo-Palast geschaffen und zeigen, wie sich die Vorstellungen von Natur und Menschen im Laufe der Jahrhunderte verändert haben. State of Wander vermittelt eine neue Perspektive auf Kunst, Kulturerbe und unsere Beziehung zur Natur.

Nähere Informationen: Het-Loo-Palast, Koninklijk Park 16, Apeldoorn, Telefon: +31 55772, E-Mail: info@paleishetloo.nl, Internet: www.paleishetloo.nl

Über das Anderssein

„On Being Elsewhere“ vereint Werke von Tessa Langeveld, Geertje Brandenburg und Rossella Nisio. In dieser Gruppenausstellung blickt das Haus Concordia auf die Schnittstelle von Film und bildender Kunst und zeigt Werke von Künstlern, die mit Film, Video und bewegtem Bild als autonome visuelle Werke experimentieren. Das zentrale Thema der Ausstellung ist die Idee des Zwischenraums, inspiriert vom emotionalen Raum für Bewegung, der in Enschede zu finden ist.

Nähere Informationen: Concordia, Langestraat 56, Enschede, Telefon: +31 5343000999, E-Mail: communicatie@concordia.nl, Internet: www.concordia.nl