Ausstellungen im Museum More

Magico! Italienischer Realismus 1920 bis 1970 (bis 7. Juni)

Das Museum MORE in Gorssel hat in Zusammenarbeit mit 24 ORE Cultura eine große Ausstellung organisiert, die 50 Jahren italienischen Realismus gewidmet ist. Mit einer Auswahl von 70 Werken wird dem niederländischen Publikum unter dem Titel „Magico! Italienischer Realismus 1920 bis 1970“ erstmals die Entwicklungen der modernen realistischen Malerei des 20. Jahrhunderts in Italien vorgestellt. Die Ausstellung umfasst Meisterwerke von Künstlern wie Edita Broglio, Felice Casorati, Giorgio de Chirico, Cagnaccio di San Pietro, Antonio Donghi, Leonor Fini, Domenico Gnoli, Ubaldo Oppi und Gino Severini.

Rätselhaft

Ab den frühen 1920-er Jahren begann eine italienische künstlerische Avantgarde, die Welt um sich herum auf magische, poetische, entfremde, aber manchmal glasklare Weise darzustellen. Außerdem war ihre neue Realitätssicht Teil eines breiten Trends in ganz Europa, realistische Kunst zu schaffen (wieder). Dies war jedoch keine reaktionäre Rückkehr zu ‚altmodischen‘ Kunstansichten, sondern ein Bedarf, ein anderes Lebensgefühl und eine neue Weltanschauung auszudrücken. Vor allem nachdem die Abstraktion für einige Künstler die Schrecken des Ersten Weltkriegs nicht darstellen konnte. Sie nahmen eine kritische Distanz ein und verschmolzen das Experiment und die Tradition ihrer Vorgänger zu einer ganz eigenen visuellen Sprache. Dies führte oft zu einem intensiven, rätselhaften und präzisen, technisch perfekten Gemälde.

In den 1920-er und 1930-er Jahren reisten Künstler nach Deutschland und Frankreich, besonders aber nach Italien, um sich voneinander und von alten italienischen Meistern wie Piero della Francesca und Giotto inspirieren zu lassen. Italien, oft als Wiege der europäischen Kunst angesehen, erwies sich als perfekter Nährboden für das Aufblühen des Realismo Magico.

Ohne von einer Bewegung oder Schule sprechen zu können, wird der italienische Realismus aus der Zwischenkriegszeit oft subtil anders als zum Beispiel die deutsche Neue Sachlichkeit. Während einige deutsche Künstler den Betrachter brutal mit einer rohen oder grauen Sicht auf ihre Motive konfrontieren, suchen viele italienische Neorealisten hinter dem Wahrnehmbaren nach einer „mystischen Wahrheit“.

Verzauberter Blick

In konzentrierten Stillleben, verlassenen Landschaften, Stadtansichten und (Gruppen-)Porträts führender Maler wie Felice Casorati, Cagnaccio di San Pietro, Antonio Donghi, Ubaldo Oppi und Gino Severini scheint eine verborgene Schönheit umschlossen zu sein. Sie machen das Alltägliche fast ikonisch. Manchmal mit einer wichtigen Darstellung, zum Beispiel von arbeitenden Arbeitern oder würdevollen Würdenträgern. Oft mit scheinbar ruhigen oder zeitlich eingefrorenen Bildern, die Situationen, Menschen oder regungslose Dinge, an denen man schnell vorbeigehen kann, wie zum Beispiel Laborglas, zusätzliche Ladung verleihen.

Diese italienischen Künstler nehmen Sie mit in ihrem Staunen über die rational wahrnehmbare Welt, über das Hier und Jetzt. Und gleichzeitig bieten sie dem Betrachter ein Geheimnis, das in mathematisch konstruierte Gemälde gehüllt ist. Realismo Magico ist jedoch alles andere als eine exakte Methode mit künstlerischen Vorgaben. Es ist eher eine emotionale Vision mit einer breiten Bandbreite an Ausdrucksformen in den 1920er Jahren. Die magischen Realisten jener Zeit teilten hauptsächlich einen „verzauberten Blick“, einen Blick auf die Grenze zwischen Traum und Realität.

Radikal und groß

Nach dem Zweiten Weltkrieg hielten mehrere italienische Künstler an ihrer eigenen realistischen Bildsprache fest. In einer Zeit, in der abstrakte Kunst in ganz Europa zur Norm wird, setzen sich diese Künstler dafür ein, die Traditionen der italienischen Malerei fortzuführen und zu erneuern. Gegen die Strömung treten einige einzigartige italienische Künstler hervor, wie Domenico Gnoli, der die figurative Malerei radikal auffrischt. Auch für ihn bilden Handwerk und Handwerk eine technische Grundlage, doch mit seinen Werken dehnt er das Stillleben-Genre bis an die Grenzen. Er sprengt buchstäblich die magische Essenz von „dem Ding“ in die monumentale Darstellung nur eines Details des Wesens. Ein Damenschuh oder ein Teil eines Mantelreverses werden bei Gnoli zu neuen Ikonen in einer neuen Nachkriegswelt. Raumfüllend, groß und vergänglich.

Alle bei „Magico!“ vertretenen Künstler

Pietro Annigoni, Baccio Maria Bacci, Rino Gaspare Battaini, Edita Broglio, Mario Broglio, Antonio Bueno, Xavier Bueno, Cagnaccio di San Pietro, Massimo Campigli, Felice Casorati, Ugo Celada da Virgilio, Giorgio de Chirico, Stanis Dessy, Antonio Donghi, Leonor Fini, Oscar Ghiglia, Domenico Gnoli, Renato Guttuso, Mario Lannes, Bice Lazzari, Carlo Levi, Nella Marchesini-Malvano, Daphne Maugham-Casorati, Ubaldo Oppi, Mario Reviglione, Carlo Sbisà, Gregorio Sciltian, Alfredo Serri, Gino Severini, Cesare Sofianopulo, Mario Tozzi und Giuseppe Zancolli.

Präsentation der neuen Sammlung (bis 12. September)

In der erneuerten Sammlungspräsentation sind 140 schöne, faszinierende oder spannende Kunstwerke zu entdecken. Das Museum MORE öffnete 2015 erstmals seine Türen, basierend auf einer eigenen Sammlung von etwa 900 Werken. In den letzten zehn Jahren wurden mehr als 300 Werke durch Käufe, Spenden und langfristige Darlehen hinzugefügt. Es gibt auch Werke, die noch nicht ausgestellt wurden, da die Sammlung einfach viel größer ist als Platz in den Museumsgalerien. In dieser Ausstellung können die Besucherinnen und Besucher eine große Anzahl von Erwerbungen und Werken aus dem Depot kennenlernen, zusätzlich zu den Meisterwerken, die fast dauerhaft ausgestellt sind.

Reise entlang von acht Themen

Die Besucherinnen und Besucher können in dieser neuen Ausstellung entlang von acht Themen durch die Zeit reisen. Einige Themen entspringen dem dargestellten Motiv, während andere eher assoziativer oder intuitiver Natur sind. Alle 140 Werke passen in die Sammlungskriterien des Museums MORE, basierend auf der Stilrichtung des Realismus und geschaffen von Künstlern, die von 1900 bis heute in den Niederlanden tätig sind (oder waren).

Innere Welt

Die menschliche innere Welt mit all ihren verschiedenen Stimmungen ist ein häufiges Thema in der MORE-Sammlung. Mit ihren gigantischen nackten Selbstporträts, in Kreide und auf textilen Materialien, zeigt Lise Lou Sore die Erfahrung extremer Emotionen. Gefühle, die universell erkennbar sind, sich aber oft sehr einsam anfühlen, wenn man sie erlebt. Ein hyperrealistisches Gemälde von Maudy Alferink verführt uns mit den bunten Kleidern des dargestellten Mädchens, aber was sagt uns das Werk über ihr Selbstbild und ihren Geisteszustand aus?

Abstrakter Realismus

Ist eine realistische Darstellung immer sofort erkennbar? Auf den ersten Blick sieht Raquel Maulwurfs große Kohlezeichnung aus wie ein Spiel aus zufälligen Streifen und Flecken. Doch nichts könnte weiter von der Wahrheit entfernt sein: Der Titel „Agent Orange“ bezieht sich auf das Entlaubungsmittel, das im Vietnamkrieg (1955–1975) verwendet wurde. Das Muster basiert auf Satellitenbildern der sprühenden Flugzeuge in Formation. Theo van Amstel zeigt uns eine leichtere Performance in einer rhythmischen Komposition aus Türkis und Weiß, Licht und Schatten. David Haines‘ kleine Bleistiftzeichnung ist zugleich hyperrealistisch und abstrakt und konzeptuell: Er ordnete die Pillen, die seine Mutter am Ende ihres Lebens nahm, als Gedichtzeilen.

Sie haben es geschafft

Das Museum More zeigt in seiner Sammlung Selbstporträts einer großen Anzahl von Künstlern. Sie haben ein großes Werk geschaffen, aber haben sie es auch in ihrem Beruf geschafft? Einige Künstler wie Charley Toorop, Carel Willink und zeitgenössische Künstler wie Levi van Veluw und Philip Akkerman sind bekannte Namen und lebten oder leben von ihrer Kunst. Andere haben ihren Durchbruch nie geschafft oder sind erst kürzlich (wieder) entdeckt worden. Sie sind dem Museum alle wichtig, denn dank ihnen kann es existieren. Schließlich gibt es ohne Künstler kein Museum.

(Schneebedeckte) Landschaften und Weiß

Motive von Bäumen von Jan Mankes und Beemster sowie der blühende Baum von Charley Toorop gehören zu den beliebtesten Gemälden der Sammlung. Carel Willink und Wim Schuhmacher – von denen MORE eine außergewöhnliche Anzahl von Werken besitzt – malten ebenfalls regelmäßig (städtische) Landschaften. Außerdem enthielt die Sammlung bisher nur wenige Werke mit Landschaften oder Natur. Dies hat sich unter anderem durch den Erwerb von Ruud van Empels Fotocollage mit Kuhpetersilie geändert. Außerdem spielt in einer Reihe von Kunstwerken der Sammlung das ‚Farb‘-Weiß eine führende Rolle. Weiß von Blüten, Weiß von Schnee oder weiß als leuchtender Kontrast dunkler Teile.

Straße und Konsum

Die Straße, Verpackungsmaterial und Abfall, (Über)Konsum und Lebensmittelindustrie, Wohlstand, Armut, soziale Ungleichheit und das Fahrzeug eines Obdachlosen, ein Einkaufswagen, bedeuten viel mehr als nur Einkaufen. Das Künstlerduo J&B konzentriert sich auf soziale Themen mit Materialien „von der Straße“ und drei Styropor-Einkaufswagen. Während die Straße der Ort ist, an dem eine Person eilig zur Arbeit geht und die andere Unterhaltung auf dem Fest sucht, sucht ein dritter nach Essen oder Geschäft.

Stillleben

Das Stillleben war in den 1920-er und 1940-er Jahren unter realistischen Künstlern äußerst beliebt. Die MORE-Sammlung enthält daher eine große Anzahl von Stillleben: mit Glaswaren, Gläsern, Pföpfen, Blumen, Büchern, Früchten und vielen Eiern, aber auch toten Tieren oder Totenschädeln, oft mit kunstvoll drapierten Stoffstücken oder einer Ansammlung von Papier. Ausgewogene Kompositionen, die das Können des Künstlers im Umsetzen aller Arten von Materialien zeigen, wie zum Beispiel in der Darstellung einer glänzende Glasoberfläche. Während Stillleben meist Gemälde sind, kann man auch zeitgenössische räumliche Stillleben sehen. Manchmal mit demselben symbolischen Wert wie vor 100 Jahren.

Beziehungen

Ob es nun eine Beziehung zu Familie oder Kindern, einem geliebten Menschen oder (Ehe-)Partner, Freunden oder Kollegen ist: Beziehungen sind für unser Dasein unerlässlich. Sie bringen uns Freude, Wärme, Gleichgewicht und Sicherheit. Aber auch Zweifel und Gereiztheit sowie Traurigkeit, wenn die Beziehung zerbricht oder der Wunsch danach unerfüllt bleibt. Wie stellen Künstler diese Komplexität dar? Manchmal mit Ironie und Distanz, manchmal zuckrig süß oder strahlend.

Nackt

Die Kunstgeschichte ist voller Akte. Lange Zeit waren dies hauptsächlich anmutige weibliche Akte, eingehüllt in biblische oder mythologische Szenen. Ab dem späten 19. Jahrhundert sehen wir auch Akte (Frauen und Männer) als Badende im oder in der Nähe des Wassers. Unter den modernen Realisten in der MORE-Sammlung finden sich alle möglichen Formen der Darstellung von Akten. Es stellen sich auch Fragen: Wann betrachten wir Nacktheit als natürlich und wo verläuft die Grenze zwischen erlaubter oder angenehmer Nacktheit und unangenehmer oder sogar anstößiger Nacktheit? Warum betrachten wir Nacktheit in der Kunst oft anders als Nacktheit im Alltag? Und welchen Einfluss haben Geschlecht, Alter, Haltung, Gesichtsausdruck und Kontext auf unsere Wahrnehmung eines nackten Körpers?

Bryan Ley – Démasqué (bis 3. Mai)

Die Werke des peruanisch-französischen Künstlers Bryan Ley (*1988) säen Verwirrung. Schauen wir uns Fotos an oder etwas anderes? Mit seiner Wahl zwischen Schwarzweiß- oder Schwarzweißgemälden in Acrylfarbe und Tag-Nacht-Modulationen erschafft Ley Dämmerungsgeheimnisse. Inspiriert unter anderem von Online-Fotos und Bildern aus Zeitschriften, verleiht er seinen Motiven eine ikonische Kraft, die er überraschenderweise in neue Inkarnationen und erfundene Porträts umsetzt. Das Museum MORE präsentiert mehr als 30 Werke in dieser Einzelausstellung.

Paradoxon

Das Erste, was einem an Bryan Leys Werk auffällt, ist sein funkelnder Sprezzatura: die Fähigkeit, technisch komplexe Malerei mühelos erscheinen zu lassen. Seine Meisterschaft zeigt sich in der gewagten Platzierung seiner Figuren und in der spannenden Interaktion zwischen Formen. Es verleiht seinen Porträts sowohl Stärke als auch Rätselhaftigkeit. Obwohl die zugrundeliegende Geometrie zur Abstraktion tendiert, betont Ley selbst, dass das figurative Porträt seine ‚Obsession‘ bleibt, das Thema, zu dem er immer wieder zurückkehrt.

Obwohl Leys Arbeiten realistisch wirken, sind seine Motive keine realen Menschen. Sie sind sorgfältig konstruierte Fiktionen, bestehend aus Fotos aus Zeitschriften, Zeitungen und dem Internet. Die Originalbilder sind ihm unwichtig: „Wenn ich sie exakt reproduzieren würde, würden sie nicht funktionieren. Ich muss viel entfernen, verändern, um zum Wesentlichen zu gelangen.“ Das schafft ein Paradoxon: Porträts, die hyperrealistisch wirken, während die dargestellten Figuren nie existiert haben.

Licht einfangen

Diese Fiktion spiegelt seinen eigenen Hintergrund wider. Ley wurde in Lima geboren und von einer französischen Familie adoptiert, wuchs in Limoges auf und kehrte nie nach Peru zurück. „Ich weiß alles über meine leiblichen Eltern“, sagt er, „aber ich hatte nie den Wunsch, zurückzugehen.“ Seine Leinwände spiegeln dieses Gefühl wechselnder Identität wider: doppelte Herkunft, hybride Gesichter, Figuren, die weder das eine noch das andere sind. Er begrüßt diese Offenheit: „Ich möchte nicht erklären oder einschränken, wie Menschen die Werke verstehen.“

Obwohl seine Gemälde oft schwarze Figuren zeigen, lehnt er eine politische Agenda ab: „Die dunkle Haut fängt das Licht besser ein, die Spiegelungen sind reicher. Meine Entscheidungen sind ästhetisch.“ Gleichzeitig erkennt er an, dass Identität zwangsläufig eine Rolle spielt: Adoption, Jugend, die Suche nach einem Ort. „Ob es dir gefällt oder nicht, alles, was du machst, ist politisch… Dieses Werk handelt auch vom Tod, von größeren existenziellen Fragen.“

Enttarnung

Materialität spielt eine Schlüsselrolle. Ley sucht nach guten Textilstücken und spannt bedruckte Stoffe als Träger. Er lässt absichtlich die Seiten seiner Leinwand unbearbeitet, um den ursprünglichen Stoff und das Design zu ‚enttarnen‘. Er malt dünn, sodass das Muster als Kleidung sichtbar bleibt, während die Gesichter in dicken Schichten aufgebaut und undurchsichtig sind. „Sonst würdest du nicht merken, dass es Textilien sind.“ Dieses Spiel von Illusion und Offenbarung unterstreicht die Künstlichkeit seines Werks. Leys Praxis ist in der Tradition verwurzelt – eine Kunsthandwerksausbildung, Arbeit in Pariser Ateliers – aber auf Innovation ausgerichtet. Er erkennt an, dass jedes Gemälde in gewisser Weise ein Selbstporträt ist: „Wenn es das nicht wäre, wäre es kein gutes Gemälde.“ Dies schafft ein Universum aus imaginären Kreaturen, monumental und faszinierend.

Über Bryan Ley

Bryan Ley (1988) wurde in Peru geboren und wuchs in Limoges, Frankreich, auf. Er studierte an der Kunstakademie in Poitiers und später am renommierten Van-der-Kelen-Institut für angewandte Künste in Brüssel, wo er eine Bronzemedaille gewann. Seine Arbeiten wurden seitdem in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, und er erhielt den höchsten Malpreis des Institut Culturel Bernard Magrez.

Die Ausstellung wird von einem illustrierten 48-seitigen Booklet begleitet. Diese Ausgabe ist im Museumsshop für 4,95 Euro erhältlich.

Nähere Informationen: Museum MORE, Hooftstrad 28, 7213 CW Gorssel, Telefon +31 575 760 306, Internet www.museummore.nl. Geöffnet ist dienstags bis sonntags von 10 bis 17 Uhr, und Burg Ruurlo, Vordenseweg 2, 7261LZ Ruurlo. Geöffnet ist dienstags bis sonntags von 11 bis 17 Uhr.