Anfang Februar gibt es die letzten Chancen, im Von der Heydt-Museum in Wuppertal drei derzeitigen Wechselausstellungen zur Skulptur zu sehen: „Markus Karstieß. Freundschaftsanfrage No. 3“, „Dieter Krieg-Preis: Jaana Caspary“ und „Guido Jendritzko zum 100. Geburtstag“ laufen bis 8. Februar. Danach wird für die nächste große Schau umgebaut: Carl Grossberg, die am 22. März eröffnet – ein Highlight der Kunst der Neuen Sachlichkeit.

Symposium zur Ausstellung „Guido Jendritzko zum 100. Geburtstag“

Freitag, 6. Februar, 15 bis 18 Uhr – Vorträge und Diskussion zur Kunstszene in Wuppertal 1965–1980, Moderation Dr. Beate Eickhoff

Vom Bildhauer zum Konzeptkünstler: Das Von der Heydt-Museum Wuppertal, Turmhof 8, ehrt Guido Jendritzko (1925 Kirchhain/Niederlausitz – 2009 Wuppertal) anlässlich seines 100. Geburtstags bis 8. Februar mit einer Ausstellung „Guido Jendritzko: Zum 100. Geburtstag“. Dazu veranstaltet das Von der Heydt-Museum ein Symposium zur Finissage der Ausstellung. Ausgehend vom Werk Guido Jendritzkos wird die Kunstszene der 1960er und 1970er Jahre in Wuppertal thematisiert. Ein Fokus liegt auf der Werkkunstschule als Ursprungsort einer multidisziplinären Avantgarde mit internationaler Strahlkraft.

Keynotes:

„Zur Geschichte der Wuppertaler Werkkunstschule im europäischen Kontext” von Prof. Dr.-Ing. Christoph Grafe, Professor Architekturgeschichte und -theorie, Bergische Universität Wuppertal

„Die Wandlung des Kunstbegriffs am Beispiel der Werkentwicklung Guido Jendritzkos” von Dr. Beate Eickhoff, Von der Heydt-Museum

„Wuppertal als Spielraum für Ideen” von Dr. Sarah Czirr und Prof. Dr. Jürgen Wiener, Institut für Kunstgeschichte, Heinrich-Heine-Universität, Düsseldorf

Öffentliche Führungen

„Museum A bis Z. Von Anfang bis Zukunft“
Samstag, 7. Februar, 13 Uhr

„Zeiten und Räume. Klassiker der Sammlung. Ruisdael bis Giacometti“
Sonntag, 8. Februar, 15.30 Uhr

Kombiführung durch die Sammlungen
„Museum A– Z“ und „Zeiten und Räume“
Sonntag, 15. Februar, 14 Uhr

Zum WSW-Kunstabend: „Happy Hour in der Sammlung“
Donnerstag, 19. Februar, 18 Uhr
(Freier Eintritt in die Sammlung ab 17 bis 20 Uhr)

Kostenlose Führung durch die Bibliothek
Donnerstag, 26. Februar, 16.30 Uhr

Themenführungen am Mittwoch:

Paula Modersohn-Becker zum150. Geburtstag, 4. Februar, 11.15 Uhr. Mit Dr. Anna Storm

Hans von Marées und die moderne Kunst, 18. Februar, 11.15 Uhr. Mit Petra Mecklenbrauck

Kuratorenführungen:

„Zeiten und Räume. Klassiker der Sammlung“, Dienstag, 24. Februar, 16.30 Uhr. Mit Dr. Anna Storm

Digitale Führung:

Digitaler Kunstabend: ein Haus – eine Stunde, Mittwoch, 4. Februar, 19 Uhr. An jeweils einem Mittwoch des Monats beleuchtet Karolina Bürger neue Aspekte der aktuellen Ausstellungen und gibt wissenswerte Informationen zur Geschichte des Museums und der Sammlung. Thema: Happy Birthday Paula Modersohn-Becker. Der Zoom-Link wird nach vorheriger Anmeldung im Online-Shop verschickt.

Weitere Führungen und Angebote:

Führungen für sehbehinderte und blinde Menschen sowie Begleitpersonen
Freitag, 27. Februar, ab 15 – 16.30 Uhr. Ausführliche Bildbeschreibungen und Tastmodelle machen Werke der Ausstellungen »Zeiten und Räume« und »Carl Grossberg« erfahrbar. Individuelle Gruppenführung zum Wunschtermin buchbar. Mit Julia Dürbeck.

Private Führungen:

Führungen für Gruppen bis zu 20 Personen können zu allen Ausstellungen gebucht werden.

Buchung per Email an buchungen.vdhm@stadt.wuppertal.de oder telefonisch unter 0202 / 563-6397 oder online. Kosten: 80 Euro für 60 Minuten oder 120 Euro für 90 Minuten zuzüglich Eintritt.

Kataloge unserer Ausstellungen im Shop

Zur Ausstellung „Markus Karstieß. Freundschaftsanfrage No. 3“ gibt es nicht nur den Katalog für für 12 Euro im Online-Shop, sondern auch das neue Künstlerbuch für 39 Euro. Die umfangreiche, vom Künstler selbst konzipierte Publikation zeigt seine Ausstellung im Von der Heydt-Museum (Laufzeit: 11. Oktober 2025 – 8. Februar 2026) in zahlreichen Installations- und Detailansichten und macht so ihren einzigartigen Ansatz erlebbar. Bisher unveröffentlichte Zeichnungen aus Skizzenheften des Künstlers geben zudem einen Einblick in die Genese des Projekts. Ein dialogischer Text von Dr. Doris Krystof, Kuratorin an der Kunstsammlung NRW, und Dr. Linda Walther, Direktorin des Josef Albers Museum Quadrat Bottrop, führt in das Werk von Markus Karstieß ein. Das Buch wurde gestaltet von Adeline Morlon und umfasst 128 Seiten.

Mit dem Smartphone durch die Ausstellungen – Multimedia-Guide

Der Multimedia Guide bietet den Besuchenden die Möglichkeit online geführter Touren durch alle Ausstellungen. Die Kuratoren stellen ausgewählte Werke mit erhellenden Informationen vor. Die Infos helfen beim Verständnis und laden zur Auseinandersetzung ein. Auf der virtuellen Tour ist es außerdem möglich, Lieblingswerke der Ausstellung in die Merkliste aufzunehmen. Diese persönlichen Highlights werden gespeichert und man kann immer wieder darauf zugreifen: https://guide.von-der-heydt-museum.de/

Eine Besonderheit gibt es bei der Ausstellung „Zeiten und Räume“: Der Audioguide wurde von den Schauspielern Ann-Kathrin Kramer und Harald Krassnitzer eingesprochen. Außerdem gibt es zu dieser Sammlungspräsentation, die die Highlights versammelt, einen Multimedia-Guide in türkischer Sprache, den man zu Hause oder beim Museumsbesuch konsultieren kann und durch den man Infos zu ausgewählten Werken bekommt.

Es empfiehlt sich, für den Museumsbesuch eigene Kopfhörer mitzunehmen, damit man sich die Texte direkt vor den Kunstwerken anhören kann.

Museumsblog

Der Museumsblog öffnet ein digitales Fenster hinter die Kulissen: Das Von der Heydt-Museum stellt ausgewählte Kunstwerke vor, veröffentlichen Interviews zu aktuellen Ausstellungen und geben Einblicke in die tägliche Museumsarbeit. Von wissenschaftlichen Erkenntnissen über Provenienzforschung bis zu praktischen Erfahrungen aus Praktika und Vermittlungsformaten – der Blog beleuchtet die vielfältigen Facetten des Museums.

Sammlung digital

Zum Bestand der Sammlung des Von der Heydt-Museums gehören rund 2100 Gemälde, 500 Skulpturen und 30.000 grafische Blätter. Seit drei Jahren arbeitet ein Team des Museums an der Digitalisierung und wir freuen uns, Ihnen mit einer Auswahl von etwa 800 Werken einen ersten digitalen Einblick in die Bestände des Museums anbieten zu können.

Der Fokus liegt zunächst auf den Hauptwerken der Gemäldesammlung und einer kleinen Auswahl an repräsentativen Plastiken, Grafiken und Fotografien. Die Werke werden mit Kerndaten, Abbildung und Infos angezeigt. Außerdem wird angegeben, ob ein Werk derzeit ausgestellt ist. Die Sammlung digital wird nun sukzessive wachsen und soll perspektivisch die kompletten Sammlungsbestände des Museums online abbilden.

Die digitale Sammlung finden Interessierte über die Website des Museums auf sammlung.von-der-heydt-museum.de/. Dort kann gestöbert oder gezielt nach Sammlungsschwerpunkten gesucht werden.

Nähere Informationen: Von der Heydt-Museum, Turmhof 8, 42103 Wuppertal, Telefon 0202 5636231 und E-Mail: von-der-heydt-museum@stadt.wuppertal.de. Geöffnet ist das Museum am Dienstag, Mittwoch, Freitag, Samstag und Sonntag von 11 bis 18 Uhr, am Donnerstag von 11 bis 20 Uhr. Da das zweite Obergeschoss wegen Umbauarbeiten geschlossen ist, gibt es einen ermäßigten Eintrittspreis.

Nachklang zur Veranstaltung Lesung & Talk mit Jean-Remy von Matt im MKM Museum Küppersmühle für Moderne Kunst, Duisburg

Jean-Remy von Matt begeisterte gestern Abend über 170 Gäste im MKM Museum Küppersmühle für Moderne Kunst in Duisburg und las sechs Passagen aus seinem neuen Buch „Am Ende, von dem er selbst sagt, dass es mit zunehmendem Lesen immer langweiliger wird. „Kreativität muss der erwarteten Ordnung widersprechen – Kreative sind Störenfriede, aber eben sehr wertvolle Störenfriede, denn ohne sie bliebe alles beim Alten.“ Mit dieser Aussage setzte er das erste Statement des Abends, ließ es aber nicht das letzte sein. Faszinierende Geschichten aus seinem Leben folgten und haben den Weg seiner Karriere zwischen Eitelkeit und Bescheidenheit eindrucksvoll beschrieben.

Fragen von Walter Smerling, Direktor des MKM Museum Küppersmühle, nach dem Ausmaß seines Selbstwertgefühls, das an einer guten Headline hängt lösten sich ab durch Schilderungen, die seinen aktuellen Alltag als Konzeptkünstler darstellten. Jean-Remy von Matt und Walter Smerling lieferten sich ein unterhaltsames Gespräch, antworteten prompt sowie unerwartet und zogen so das begeisterte Publikum in ihren Bann. Auf die Frage, ob man Kreativität erlernen könne, entgegnete von Matt, „dass wir kreativ geboren werden und uns die Kreativität eher abtrainiert wird nach der Kindheit, also durch den Ernst des Lebens, durch die Schule und manchmal auch durch die Verantwortung, die man übernimmt. Kreativität geht zumeist verloren, wenn wir ein vernünftiges, systemrelevantes Mitglied der Gesellschaft werden, denn Kreativität ist nicht nur Ungehorsam, sondern auch oft Unvernunft.“ Einen Ausblick in die Zukunft wagt er mit der Aussage, dass „KI nie genau so kreativ sein kann wie ein Mensch.“ Er führt aus: „Ich glaube, da KI sich nur aus Daten der Vergangenheit ernährt, fehlt ihr etwas, was für Kreativität sehr wichtig ist, nämlich der Blick nach vorne, also die Fantasie. Das ist auch etwas, was nicht jeder Mensch kann, nämlich die Fantasie über die Vernunft zu setzen. Und darum, glaube ich, dass man Kreativität bis zu einem gewissen Grad auch trainieren und lernen kann, der High-End-Bereich von Kreativität aber nur einer bestimmten Art von Geistern offensteht. Deswegen ist es ja so wichtig, dass wir Kunst anschauen, immer wieder. Denn sie provoziert uns das aus den Bildern herauszuholen, was darin steckt.“ Somit liefert er auch gleich die passende Begründung, warum die Lesung seines aktuellen Buchs in einem Museum für Moderne Kunst stattfindet. Auf die abschließende Frage von Walter Smerling nach einem Wunsch von Jean-Remy von Matt, der noch auf seine Erfüllung wartet, entgegnete er „als ‚junger‘ Konzeptkünstler nicht belächelt zu werden“, eine Maßnahme, die da helfen würde, sei „eine Ausstellung in der Küppersmühle“.

Ob es also schon bald zu einem erneuten Wiedersehen im MKM kommt, bleibt spannend. Ein unterhaltsamer Abend mit kreativen Denkanstößen, neuen Erkenntnissen und viel guter Laune.

Biografie

Jean-Remy von Matt wurde 1952 in Brüssel geboren, wuchs in Zürich auf und lebt seit 1975 in Deutschland, heute in Berlin. Er verbrachte fast fünf Jahrzehnte als Kreativer in verschiedenen Werbeagenturen. 1991 gründete er mit seinem Partner, Holger Jung, die Agentur Jung von Matt, die bald zu deiner der größten unabhängigen Agenturen in Europa wurde. Ihre Agentur galt jahrzehntelang als die kreativste Deutschlands und war mehrfach „unabhängige Agentur des Jahres“ bei den Cannes Lions. Im Jahr 2020 begann er, sich mit konzeptioneller Kunst zu beschäftigen. Bald hatte er seien ersten Ausstellungen in Museen und Galerien. Seine bis heute bekanntesten Arbeiten, die in zahlreichen Publikationen besprochen wurden, sind seine Lebenszeit-Installationen, mit denen er unsere Vergänglichkeit sichtbar und damit bewusst macht. Bereits 2002 entwickelte Jean-Remy von Matt für sich eine Lebenszeituhr. Im Jahr 2022 präsentierte er dann seine erste Lebenszeitskulptur Carpe Vitam Clock. Als kreativer Kopf fasziniert ihn die gestaltbare Zukunft viel mehr als die bereits abgeschlossene Vergangenheit. Unsere Lebenserwartung ist eines seiner Lieblingsthemen. Die über 400 Werke der Ausstellung „passage“ aus verschiedenen Jahrzehnten und Werkgruppen bilden eine Passage durch das künstlerische Universum von Susan Hefuna. Sie bedient sich in ihren Ausdrucksformen eines breiten Spektrums von Medien, das von der Zeitung, Skulptur und Installation bis hin zu Video, Fotografie und Performance reicht.

Nähere Informationen: Museum für moderne Kunst Küppersmühle, Philosophenweg 55, 47051 Duisburg, Telefon 0203 30194811, E- Mails: kasse@museum-kueppersmuehle.de (für Kasse und Information), buchung@museum-kueppersmuehle.de (für Buchung von Führungen und Workshops) und office@museum-kueppersmuehle.de (für Stornierungen und Fragen zu Tickets), Internet: www.museum-kueppersmuehle.de. Geöffnet ist von Freitag bis Sonntag von 11 bis 18 Uhr.

Ein kurzer Überblick:

Metamorphosen

Leidenschaft, Verlangen, Lust, Eifersucht, List und Täuschung. Selten hat ein antiker Text so viele Künstler inspiriert wie Ovids Metamorphosen. In der großen Frühjahrsausstellung „Metamorphosen“ konkurrieren Künstler wie Tizian, Correggio, Cellini, Caravaggio, Rubens, Rodin, Brancusi, Magritte und Bourgeois in ihrer künstlerischen Vorstellungskraft mit einem der größten Dichter der klassischen Antike. Mehr als 80 Meisterwerke kommen aus Museen und Sammlungen weltweit zusammen. Die außergewöhnliche Ausstellung „Metamorphosen“ entsteht in enger Zusammenarbeit mit der Galleria Borghese in Rom und ist vom 6. Februar bis 25. Mai im Rijksmuseum Amsterdam zu sehen. Anschließend wird die Ausstellung in einer anderen Zusammenstellung vom 22. Juni bis 20. September in der Galleria Borghese gezeigt. Metamorphosen im Rijksmuseum werden teilweise durch die Bennink Stiftung, den Rijksmuseum International Circle und Rijksmuseum Patterns ermöglicht.

Fake! – Historische Fotocollagen und Fotomontagen

In einer Zeit, in der KI immer klüger wird, fragen Sie sich vielleicht: Wann ist ein Foto gefälscht oder echt? Aber wussten Sie, dass Bilder von Anfang an überraschend leicht zu manipulieren waren? In der Ausstellung „FAKE!“, die ebenfalls vom 6. Februar bis zum 25. Mai zu sehen ist, kann das Publikum 50 historische Bilder aus der eigenen Sammlung, die kreative und irreführende Illusionen darstellen.

Ab 1860 begannen Fotografen, mit Fotocollagen und Fotomontagen zu experimentieren, indem sie Fotos schnitten, einklebten und zeichneten. In der Ausstellung kann man sehen, wie sich diese kreativen Techniken bis 1940 entwickelten. Mit einfachen Materialien wie Schere, Klebstoff, Tinte und Bleistift erschufen sie Bilder, die lustig, seltsam oder völlig unmöglich waren. Digitale Werkzeuge wie Photoshop existierten damals noch nicht, alles wurde von Hand erstellt. Manche Fotomontagen zeigen sofort, dass sie Fantasie sind, aber manchmal entdeckt man erst nach genauem Hinsehen, dass sie ausgeschnitten und eingefügt wurden.

Eine Fotocollage und eine Fotomontage mögen auf den ersten Blick gleich erscheinen, aber wissen Sie, worin der Unterschied besteht? In einer Fotocollage werden die Bilder ausgeschnitten und zu einem Ganzen eingefügt, und eine Fotomontage entsteht, wenn mehrere Fotos zu einem Bild zusammengeführt, dann erneut fotografiert und gedruckt werden.

100 Jahre Herrenmode, 1750 bis 1850

Gestreifter Samt, florale Stickereien und reiche Seidenstoffe: Die Präsentation Suit Yourself, die noch bis zum 15. März zu sehen ist, zeigt, wie Männer in den Niederlanden im 18. und 19. Jahrhundert extrovertierte Kleidung zur Schau stellten. Während der Makkaroni-Periode in den 1750er bis 1770er Jahren blühte dieser auffällige Stil mit viel Farbe und kontrastierenden Stoffen auf. Im 19. Jahrhundert änderte sich dieser Stil unter dem Einfluss der Industrialisierung, die die Verfügbarkeit von Stoffen und Konfektionskleidung erhöhte. Ein Höhepunkt der Präsentation ist ein Galamantel mit viertausend Strasssteinen, die bei jeder Bewegung im Kerzenlicht funkelten.

Über das Rijksmuseum Amsterdam

Die schönsten Meisterwerke und aufregendsten Geschichten finden sich im Rijksmuseum Amsterdam. In 80 Räumen erzählen 8.000 Schätze die Geschichte von 800 Jahren niederländischer Kunst und Geschichte vom Mittelalter bis zur Gegenwart. In der Ehrengalerie befinden sich die großen Maler des 16. Jahrhunderts von Johannes Vermeer über Frans Hals bis Jan Steen; und die weltberühmte Nachtwache von Rembrandt van Rijn ist natürlich auch dabei.

Nähere Informationen: Rijksmuseum Amsterdam, Museumstraat 1, Telefonnummer: +31206747000, E-Mail: info@rijksmuseum.nl, Internet: www.rijksmuseum.nl

„Das ist ja überhaupt alles sehr beweglich.“ Joseph Beuys & Fluxus noch bis 15. Februar

Konzept, Aktion, Musik, Poesie, Sprache und wissenschaftsbasierte Ansätze anstelle von traditionellem Tafelbild und Skulptur: Der erweiterte Kunstbegriff der intermedialen Fluxus-Bewegung bildet die Basis des Erweiterten Kunstbegriffs von Joseph Beuys.

Das Fluxus-Kollektiv hatte als supranationales Netzwerk ab 1962 jede herkömmliche Form akademischer und institutioneller Verfestigung verflüssigt und die Rezipient:innen als freie, selbstbestimmte, schöpferische Individuen ins Zentrum gesetzt. Für Beuys bedeutete der frühe Kontakt zu der unorthodoxen intellektuellen Gruppe Befreiung aus der „ästhetischen Zwangsjacke“, interdisziplinäre Kommunikation, Eintritt in den öffentlichen, gesellschaftlichen und politischen Raum. Beuys wurde zu Beuys erst durch Fluxus.

In den Jahren 1962–1964 ereignete sich der entscheidende Umschlag im Werk des Künstlers, der bis dahin als Bildhauer und Zeichner gearbeitet hatte: In Bezug auf die Wahl seiner Medien (Aktionen, später Multiples), Materialien und Methoden, zu denen auch sein offensiver Umgang mit den Medien zählte. Im Umgang mit Fluxus Inhalten entwickelte Beuys eine ganz eigene Strategie: Begreifen, Aneignen, Kooperieren und Transformieren.

Die Ausstellung betrachtet den Künstler nicht, wie so häufig, als solitäre Erscheinung, sondern setzt ihn in einen offenen kollaborativen Kontext. Darin spielen Künstlerfreunde und -kollegen wie Fluxus-Initiator George Maciunas, Nam June Paik und die dänische Fluxus-Connection (Arthur Køpcke, Hen ning Christiansen) eine besondere Rolle.

Innerhalb einer chronologischen Struktur werden Schlaglichter gesetzt: Auf die frühen formativen Fluxus-Jahre (1962–1964), auf Beuys‘ Aktionen mit Paik und Christiansen (bis 1985) und auf die Zeit der Studentenbewegung, als sich im Umfeld der Düsseldorfer Kunstakademie der anti-autoritäre eman zipatorische Fluxus-Impuls durch Künstler wie Robert Filliou, Daniel Spoerri und Dieter Roth reaktivierte (1967–1974). Das Projekt, das Archivalien und Werke, Konzepte und Fotografien, Audios und Videos versammelt, verbindet das Dokumentarische mit dem Ereignis haften und Experimentellen.

Symposium Joseph Beuys und der Nationalsozialismus – Ein Laborraum Samstag/Sonntag, 31. Januar/1. Februar

Im Rahmen des interdisziplinären Forschungsprojektes Joseph Beuys und der Nationalsozialismus – Ein Laborraum lädt das Museum Schloss Moyland zu einem Symposium ein, das sich mit Joseph Beuys im Kontext des Nationalsozialismus sowie seiner späteren Beschäftigung mit dieser Zeit befasst.

Das Symposium stellt einen wesentlichen Beitrag zur aktuellen Diskussion in der Forschung dar und kontextualisiert den innovativen und partizipativen Laborraum zu diesem Thema, der seit dem 30. März 2025 innerhalb der Dauerpräsentation im Schloss eingerichtet ist. Ziel des Symposiums ist es, die gesellschaftspolitische und künstlerische Dimension von Beuys’ Biografie kritisch zu reflektieren, insbesondere seine Rolle im Nationalsozialismus und die Frage seiner späteren Positionierung und Auseinandersetzung mit dieser Vergangenheit.

In einem interdisziplinären Dialog werden sowohl wissenschaftliche als auch künstlerische Perspektiven zu Wort kommen. Diskussionsrunden bieten dem Publikum die Möglichkeit, Fragen zu stellen. Damit wird das Symposium zu einem lebendigen Raum des Austauschs, der Transparenz und der Reflexion. Das Symposium dient nicht nur der wissenschaftlichen Vertiefung, sondern auch der Förderung eines offenen Dialogs über die Verflechtungen von Kunst, Geschichte und Gesellschaft sowie der Verantwortung, die sich aus der gegenwärtigen Beschäftigung mit den genannten Themen für Fachleute aus Wissenschaft und Museum sowie der Gesellschaft ergibt.

Das Forschungsprojekt „Joseph Beuys und der Nationalsozialismus – Ein Laborraum“ wurde im Rahmen eines vom Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen geförderten Forschungsvolontariats in Kooperation mit der Hochschule Rhein-Waal und der Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf realisiert.

Die einzigartigen Bestände des Museums Schloss Moyland bilden hierbei die Grundlage für eine detaillierte Auseinandersetzung mit Beuys’ Jugend, seiner Zeit als Soldat, seiner Beteiligung an einem Wettbewerb für ein Denkmal im ehemaligen KZ Auschwitz-Birkenau sowie der Aktion „Polentransport 1981“. Multimedial aufbereitet, bieten Archivalien und Kunstwerke Besucherinnen und Besuchern einen transparenten Einblick in das Thema.

Das Symposium findet in deutscher Sprache im Zwirnersaal (Schloss) statt. Kosten: Ein Tag: 15 Euro / beide Tage: 25 Euro jeweils inklusive Museumseintritt und Kaffee/Tee (in den Pausen) Eine Möglichkeit zum Mittagessen gibt es in Rocco’s Museumscafé (https://moyland.de/schloss-und-park/museumscafe/).

Eine Anmeldung ist noch bis zum Montag, 18. Januar, per E-Mail an besucherservice@moyland.de unter Angabe von Namen, Anschrift und Telefonnummer möglich.

Programmablauf

Ankommen, Anmeldung | 9–9.30 Uhr Begrüßung Dr. Antje-Britt Mählmann

Panel 1 | Samstag, 31. Januar | 10 Uhr Prof. Dr. Philip Ursprung, Prof. Dr Barbara Lange, Dr. Anke Blümm, Diskussions- und Fragerunde: Moderation Dr. Antje-Britt Mählmann

Panel 2 | Samstag, 31. Januar Bjørn Nørgaard, Dr. Petra Richter, Dr. Wolfgang Zumdick, Dr. Nicole Fritz, Diskussions- und Fragerunde: Moderation Dr. Alexander Grönert

Panel 3 | Sonntag, 1. Februar | 10 Uhr Johannes Stüttgen Prof. Dr. Antje von Graevenitz Dr. Gabriele Mackert Prof. Dr. Christa-Maria Lerm Hayes Diskussions- und Fragerunde: Moderation Dr. Alexander Grönert

Panel 4 | Sonntag, 1. Februar Drs. Ron Manheim, Dr. Alexander Grönert, Dr. Mario Kramer, Diskussions- und Fragerunde: Moderation Angela Steffen M.A. Ende | zirka 17 Uhr. Änderungen vorbehalten!

Nähere Informationen: Museum Schloss Moyland Sammlung van der Grinten Joseph Beuys Archiv des Landes Nordrhein-Westfalen Am Schloss 4 47551 Bedburg-Hau, Telefon: +49 2824 9510-0 Telefax: +49 2824 9510-99, E- Mail: info@moyland.de http://www.moyland.de

Ausstellungslaufzeit: 8. August – 4. Oktober

Im Jahr 2026 wird in der Kunsthalle Bremen der Pauli-Preis zum 50. Mal verliehen. Der Kunstpreis zeichnet im deutschen Sprachraum lebende Künstler für einen hervorragenden Beitrag zur jüngsten Kunst der Gegenwart aus und gilt als einer der bedeutendsten Preise für zeitgenössische Kunst in Deutschland.

Sein Name erinnert an den ersten wissenschaftlichen Direktor der Kunsthalle Bremen, Gustav Pauli (*1866 – +1938). Bis heute verdankt das Museum seine berühmtesten Werke Paulis progressiven Ankäufen moderner Kunst. Seinem fortschrittlichen Geist sieht sich auch der Pauli-Preis verpflichtet, der vom 8. August bis 4. Oktober acht nominierte Künstlerinnen und Künstler präsentiert. Nun stehen die nominierten Positionen fest.

Die Wettbewerbsausstellung, in der alle acht nominierten Künstler ihre Werke präsentieren, findet vom 8. August bis 4. Oktober in der Kunsthalle Bremen statt. Die künstlerischen Positionen wurden von sechs internationalen Kuratorinnen und Kuratoren, dem Direktor der Kunsthalle Bremen, Christoph Grunenberg, sowie dem Stifterkreis für den Pauli-Preis nominiert. Im Laufe der Ausstellung verkündet eine renommierte fünfköpfige Jury von Fachleuten den Preisträger beziehungsweise die Preisträgerin. Am 15. September wird der mit 30.000 Euro dotierte Preis verliehen.

Die acht nominierten Künstler und ihre Kuratoren für den Pauli-Preis 2026:

• Jan Albers (*1971 in Wuppertal, lebt und arbeitet in Düsseldorf) vorgeschlagen von Felix Krämer, Generaldirektor und künstlerischer Leiter des Kunstpalastes in Düsseldorf • Christiane Baumgartner (*1967 in Leipzig, lebt und arbeitet in Leipzig) vorgeschlagen von Anna Wesle, Kuratorin am Museum Franz Gertsch, Burgdorf, Schweiz • Harry Hachmeister (*1979 in Leipzig, lebt und arbeitet in Berlin und Leipzig) vorgeschlagen von Mathilda Legemah, wissenschaftliche Mitarbeiterin für Institutional Development am Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart, Berlin • Annette Kelm (*1975 in Stuttgart, lebt und arbeitet in Berlin) vorgeschlagen vom Stifterkreis für den Pauli-Preis • Caroline Kryzecki (*1979 in Wickede/Ruhr, lebt und arbeitet in Berlin) vorgeschlagen von Christoph Grunenberg, Direktor der Kunsthalle Bremen • Phung-Tien Phan (*1983 in Essen, lebt und arbeitet in Essen) vorgeschlagen von Michelle Cotton, Direktorin der Kunsthalle Wien • Liesl Raff (*1979 in Stuttgart, lebt und arbeitet in Wien) vorgeschlagen von Stefanie Böttcher, Direktorin der Kunsthalle Mainz • Anike Joyce Sadiq (*1985 in Heidelberg, lebt und arbeitet in Berlin und Nürnberg) vorgeschlagen von Yvette Mutumba, Mitbegründerin und Leiterin von Contemporary And (C&)

Jury:

• Yilmaz Dziewior, Direktor Museum Ludwig, Köln • Asta Gröting, Künstlerin, Berlin • Roland Mönig, Direktor Von der Heydt-Museum, Wuppertal • Susanne Pfeffer, Direktorin Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main • Hilke Wagner, Direktorin Albertinum, Dresden

Hintergrundinformationen zum Pauli-Preis

Der Pauli-Preis blickt auf eine lange Geschichte zurück: Vor über 70 Jahren wurde er als Kunstpreis der Böttcherstraße von Ludwig Roselius jun. (1929–2022) ins Leben gerufen und bis 1983 in der Böttcherstraße in Bremen jährlich ausgerichtet. Seit mittlerweile 40 Jahren verdankt der Preis sein Fortbestehen einer Gruppe engagierter Mitglieder des Kunstvereins in Bremen. Seitdem wird alle zwei Jahre die Ausstellung in der Kunsthalle Bremen präsentiert und durch den Stifterkreis getragen. 2024 wurde der Kunstpreis der Böttcherstraße umbenannt und heißt nun Pauli Preis.

Der mit 30.000 Euro dotierte Pauli-Preis feiert im Jahr 2026 ein rundes Jubiläum und wird zum 50. Mal verliehen. Dabei legt das mehrstufige Preisverfahren großen Wert auf Transparenz und Neutralität: Sechs Kuratorinnen und Kuratoren, der Direktor der Kunsthalle Bremen sowie der Stifterkreis für den Pauli-Preis schlagen unabhängig voneinander je eine künstlerische Position vor. Diese acht Nominierten präsentieren ihre Arbeiten in der Wettbewerbsausstellung in der Kunsthalle Bremen. Im Laufe dieser Ausstellung kürt eine Jury, die sich aus fünf weiteren Kunstexperten zusammensetzt, schließlich die Preisträgerin beziehungsweise den Preisträger.

Der private Stifterkreis, der sich aus einer Gruppe von Mitgliedern des Kunstvereins in Bremen sowie dem Senator für Kultur und der Sparkasse Bremen zusammensetzt, finanziert nicht nur die Ausstellung, den Katalog und das Preisgeld, sondern bemüht sich auch um die Erwerbung eines Werks der jeweiligen Preisträger für die Sammlung des Kunstvereins. So konnten dank des Stifterkreises in der Vergangenheit Kunstwerke unter anderem von Gabriele Stötzer (2024), Karimah Ashadu (2022), Ulrike Müller (2020), Nina Beier (2014), Daniel Knorr (2012), Thea Djordjadze (2009), Ulla von Brandenburg (2007), Clemens von Wedemeyer (2005), Tino Sehgal (2003), Olafur Eliasson (1997) und Wolfgang Tillmans (1995) erworben werden.

Nähere Informationen: Kunsthalle Bremen, Am Wall 207, 28195 Bremen, Telefon: +49 (0)421 – 32 9080, Fax +49 (0)421 – 32908470, E-Mail: info@kunsthalle-bremen.de

Als Kolumnistin für Museumsmagazine teilt Pauline Broekema in jeder Ausgabe ihre persönlichen künstlerischen Beobachtungen. In dieser Kolumne aus der Ausgabe 8/2025 der Museumstijdschrift beschreibt sie, wie ein Besuch eines reisenden Zirkus in der Normandie sie zur beeindruckenden Zirkussammlung des Allard Pierson, einem überwiegend archäologisch ausgerichteten Museum der Universität von Amsterdam führt, wo auch Gemälde, Zeichnungen, Tausende von Plakaten, Büchern, Fotografien und andere besondere Stücke über das Phänomen Zirkus aufbewahrt werden.

Eine aufgeregte Stimme ertönt aus dem Tal. Das Soundauto fährt, so scheint es, auf das Meer zu, zum Kiesstrand. Dort ragen die beeindruckenden Klippen empor, die Kalksteinklippen, die Impressionisten wie Claude Monet und Berthe Morisot so sehr liebten. Der Mann im Auto macht am Boulevard eine Kehrtwende, kehrt zurück und verspricht uns eine spektakuläre Darbietung.Am nächsten Tag folgen wir den Plakaten und kommen in einem Dorf an. Der Zirkus hat sich an einem wahrhaft königlichen Ort niedergelassen. Das mittelgroße Zelt und die beeindruckende, leuchtend gelbe Flotte stehen auf einem Rasen gegenüber einer Burg, in der Kaiserin Elisabeth von Österreich, die legendäre Sisi, einst einen Sommer verbrachte.

„Mit armen Tieren herumalbern“

Sofort überkommt mich Melancholie. Die klassischen Zirkusse wie Althoff, Boltini, Sarrasani, Renz, Krone… Ich habe sie als Kind besucht. Am Tag der Ankunft gingen wir, um uns die Bauarbeiten anzusehen. Ich bin an den Lastwagen mit wilden Tieren vorbeigelaufen. Eine Tradition ohne meine Mutter. Die Tiger hinter Gittern, die Kamele, die Elefanten im Stroh: Sie hasste es, ‚mit diesen armen Tieren herumzualbern‘. Meine Mutter war darin nicht wirklich ihrer Zeit voraus. Denn schon in den 1930-er Jahren gab es Proteste gegen diese Ausbeutung von Tieren, sagt Kuratorin Frederieke van Wijk vom Allard Pierson in Amsterdam.

Ich bin bei ihr, weil ich wieder von dem Phänomen in diesem Zirkuszelt in der Normandie fasziniert war. Diese Mini-Gesellschaft. Dieses reisende Dasein. Mitarbeiter, die eine Doppelrolle erfüllen. Denn wenn wir eine Aufführung besuchen und uns auf die Holzbank neben der Arena setzen, erkenne ich sofort die Stimme des Zirkusdirektors. Er ist der Mann des Soundautos. Und wir wurden zuvor am Eingang von einem alten Clown hereingelassen, der jetzt zwischen den Liedern leuchtende Spielzeug-Windmühlen verkauft.

Schwindelerregende Farben

Das Allard Pierson, das Museum und die Kulturerbe-Sammlungen der Universität Amsterdam, besitzt eine der größten Zirkussammlungen Europas und alles rund um das Phänomen: Gemälde, Zeichnungen, tausende Plakate, Bücher, Dokumentationen, Fotografien und besondere Objekte. Van Wijk zeigt mir das Depot. Auf dem Weg zu den Schränken mit den tausenden Plakaten kommen wir an einem Kleiderständer vorbei. Es gibt ein wunderschönes Kostüm, in dem die Pferdedompteurin Valesca Wilke (*1919 – +1999) einst auftrat. Sie wurde in einem Zirkuswagen geboren, war das Kind eines Seelöwenpflegers und eines Pferdetrainers. So läuft es oft. Der Beruf wird manchmal über viele Generationen hinweg weitergegeben. Ich konzentriere mich auf Luftakrobatik. Der Teil erinnert mich an das wunderbare Schwingen im Ring – der einzige Teil des Fitnessstudios, in dem ich früher besonders gut war. Van Wijk öffnet die Schubladen der Plakatschränke nacheinander. Allein das Allard Pierson besitzt 3500 verschiedene internationale Zirkusplakate des berühmten Lithografen und Verlegers Adolph Friedländer aus Berlin.

Wunderschöne Exemplare ziehen vorbei, in schwindelerregenden Farben. Und genau deshalb mag ich das in Blau und Weiß von 1911 so sehr. Die Werbung für die französische Luftakrobaten „Troupe Banola“ zeichnet sich durch ihre Schlichtheit aus und zwingt den Betrachter somit dazu, das ausgestellte Handwerk aufmerksam zu betrachten. Es ist ein Poster als Anweisung. Folgen Sie der gestrichelten Linie und sehen Sie etwas, an dem jahrelang herumgebastelt wurde. Sieh zu, wie der Poster-Ersteller die Zirkusnummer ehrfürchtig zeigt. Man sieht es geschehen. Wie der Akrobat Geschwindigkeit macht, sich in die Luft peitscht, nach dem zweiten Balken einen Doppelsalto macht, weiter schwebt und nach einer Reise über acht Meter sicher vom Fänger eingeholt wird.

Halb zerrissene Poster

Was haben sie durchgemacht, diese Zirkusakrobaten? Ich durchforste das Internet und finde Antworten. In einem schönen Gespräch skizziert der kanadische ehemalige Luftakrobat Rodleigh Stevens der kanadischen Schriftstellerin Carolyn Whitney-Brown, wie abhängig man voneinander ist: „Meter über dem Boden musst du darauf vertrauen, dass der ‚Fänger‘ zur richtigen Zeit seine Hände ausstreckt und dich, den ‚Flieger‘, sicher hereinbringt. Du legst dein Schicksal in seine Hände, wie es manchmal im Leben der Fall ist, und musst davon ausgehen, dass du sicher bist. Und nach einem Auftritt? Dann gibt es immer eine Bewertung. Ihr stellt euch gegenseitig Fragen: Ist etwas schiefgelaufen und was kann verbessert werden? Und danach? Dann setzt du deine Reise fort“, sagt Stevens.

Ein paar Tage nach unserem Zirkusbesuch sind wir wieder im Dorf. Hier und da gibt es immer noch ein halb zerrissenes Poster. Der Rasen ist leer. Nur ein gelber Fleck in der Mitte des Geländes erinnert uns an das, was dort war. Dass einst der Zirkus dort stand.

Neben den Ausstellungen „Mika Rottenberg. Queer Ecology“ (bis 22. Februar), „Plastik Fantastik“ – Präsentation der Kunstvermittlung und Outreach-Programm zur Ausstellung „Mika Rottenberg. Queer Ecology“ (bis 31. Mai) und „Sculpture 21st: Flaka Haliti“ (bis 8. März) wird im Lehmbruck-Museum in Duisburg folgendes Programm geboten:

Donnerstag, 5. Februar, 17.30 Uhr

Kunst & Stulle

„Mika Rottenberg. Queer Ecology“

Nach Feierabend ins Museum – ganz ungestört bietet sich die Gelegenheit, außerhalb der normalen Öffnungszeiten die Sammlung des Lehmbruck Museums oder die aktuellen Sonderausstellungen kennen zu lernen. Im Anschluss gibt es belegte Brote, Wein und weitere Getränke.

Teilnahme: 12 Euro (inkl. Eintritt, Führung, Speisen und Getränken)

Freitag, 6. Februar, 12 bis 17 Uhr

Pay What You Want!

Jeden ersten Freitag im Monat können Besucherinnen und Besucher den Eintrittspreis selbst festlegen. Um 15 Uhr findet eine öffentliche Führung in der Ausstellung „Mika Rottenberg. Queer Ecology“ statt.

Sonntag, 8. Februar, 14 bis 17 Uhr

Jugend trifft Kunst

„Portrait und Gefühl – Arbeiten mit Ton“

Bei Jugend trifft Kunst können Jugendliche zwischen 14 und 20 Jahren selbst kreativ werden. Die Teilnahme ist kostenfrei.

Dienstag, 17. Februar, 15 Uhr

Kunst & Kaffee „Mika Rottenberg. Queer Ecology“

Geboten wird ein entspannter Nachmittag in der aktuellen Sonderausstellung. Nach einer Führung wird in geselliger Runde bei Kaffee und Kuchen über die Eindrücke der Ausstellung gesprochen.

Für die Teilnahme werden 12 Euro (inkl. Eintritt, Führung, Speisen und Getränken) berechnet.

Samstag, 21. Februar, 10.30 Uhr

Waste Walk und Workshop „Müllviecher“

Begleitprogramm zur Ausstellung „Mika Rottenberg. Queer Ecology“

Marcus Franken von wastewalk.de organisiert einen besonderen Spaziergang durch den Hafenstadtteil Duisburg-Ruhrort. In geselliger Runde wird ganz nebenbei sauber gemacht, denn jeder Spaziergänger bekommt eine Müllzange und kann nach dem Motto „Machen ist wie wollen – nur krasser“ laufend und plaudernd ein bisschen Müll aufsammeln. Maximal 90 Minuten dauert die Runde. Im Anschluss kann man sich im Umweltlokal bei Kaffee / Tee und Brötchen stärken.

Wer keine Lust hat spazieren zu gehen, kann stattdessen im Umwelt-Lokal aus bereits gesammelten, sauberen Verpackungsresten ein fantastisches „Müllviech“ bauen. Die Kunstaktion wird von der Künstlerin Dotty Wenders geleitet und ist kostenfrei.

Treffpunkt: Umwelt-Lokal, Weinhagenstraße 23, 47119 Duisburg

Teilnahme: kostenfrei, ohne Anmeldung

Samstag, 21. Februar, 18 Uhr

Filmvorführung: „Remote“

Ein surrealer Spielfilm von Mika Rottenberg über vernetzte Einsamkeit (2022, 92 Minuten)

Filmprogramm im Lokal Harmonie (Duisburg-Ruhrort), begleitend zur Ausstellung „Mika Rottenberg. Queer Ecology“

„Remote“ schildert den Alltag einer Frau (Okwui Okpokwasili), die unter Quarantäne steht, in ihrer abgeschotteten, hochmodernen Wohnung, einem Paradies aus leuchtenden Farben, blühenden Pflanzen und bunten Bildschirmen. Während sich vor ihrem Fenster eine nicht näher definierte globale Krise abspielt, schließt sie sich einer Gruppe von Frauen aus aller Welt an, die sich eine südkoreanische Hundefrisur-Show ansehen wollen, und stürzt schließlich in ein Kaninchenloch, um mit ihnen ein unerklärliches interaktives Spiel zu spielen. (NYFF)

Der Film wird in englischer Sprache gezeigt.

Teilnahme: kostenfrei

Anmeldungen erfolgen unter de Telefonnummer 0203 283 2195 oder per E-Mail an kunstvermittlung@lehmbruckmuseum.de

Sonntag, 22. Februar, 15 Uhr

RecycleBar: Aus Plastik wird Fantastik

Tauschaktion mit Fabian Bos

Begleitprogramm zur Ausstellung „Mika Rottenberg. Queer Ecology“

In der RecycleBar wird Müll zur Schatzkiste: Wir verwandeln sauberen Kunststoffabfall in neue, überraschende Objekte zum Mitnehmen. Gemeinsam mit dem Duisburger Maker Fabian Bos können Sie miterleben, wie Flaschendeckel, Shampooflaschen, Waschmittelcontainer oder Joghurtbecher geschreddert, geschmolzen und neu geformt werden – und dabei selbst aktiv mitmachen, mitradeln, mitformen und mitstaunen. Aus lokalem Plastikabfall entstehen kleine, einzigartige Objekte zum Mitnehmen. Humorvoll, hands-on und nachhaltig!

Die Teilnahme ist im Museumseintritt (9 Euro/erm. 5 Euro) enthalten, keine Anmeldung erforderlich

Sonntag, 22. Februar, ab 15 Uhr

Finissage

„Mika Rottenberg. Queer Ecology“

Am letzten Tag der Ausstellung besteht die Gelegenheit, noch einmal zusammen ganz und gar in die bunten, skurrilen Welten von Rottenberg begeben. Mit Musik, Getränken und Glitzer wird gemeinsam der Tag ausklingen.

Auf dem Programm unter anderem:

15 Uhr: Führung mit dem Drag Queen-Duo „Diamond Dust“

17.15 Uhr: Filmvorführung „Remote“ mit Einführung und Popcorn

Für Musik und Getränke ist gesorgt.

Teilnahme: Motto „Pay What You Want!“

Donnerstag, 26. Februar, 19.30 Uhr

Musik im Museum

„Kurtág 100“ – Hommage zum 100. Geburtstag von György Kurtág

György Kurtág gehört zweifelsohne zu den bedeutendsten Komponisten unserer Zeit, am 19. Februar 2026 feiert er seinen 100. Geburtstag. Seine Musik ist „zerbrechlich, schutzlos, wie unbeholfen tastend durchs Weglose, schwankend zum Rand des Verstummens hin – aber dabei glühend von emotionaler Intensität“, hatte der Kurtág-Kenner Hartmut Lück es einmal wunderbar formuliert. Als Geburtstagsgeschenk hat Christof Weinig, Kontrabassist der Duisburger Philharmoniker, ein Programm mit Werken des ungarischen Tonschöpfers zusammengestellt, das er gemeinsam mit seiner Frau, seinem Sohn und engen Weggefährten interpretiert. Ein ganz persönliches Gesprächskonzert für einen besonderen Komponisten.

Eintritt: 17 Euro, Ermäßigung möglich.

Nähere Informationen: Lehmbruck Museum, Friedrich-Wilhelm-Straße 40, 47051 Duisburg, Postadresse: Düsseldorfer Straße 51, 47049 Duisburg, Telefon: +49 (0) 203 283-3294. Fax: +49 (0) 203 283-3892, E-Mail info@lehmbruckmuseum.de

Auch im neuen Jahr ist wieder viel los in der Kunsthalle Düsseldorf. So läuft die Ausstellung „Wohin? Kunsthalle / Stadt / Gesellschaft der Zukunft“ noch bis zum 1. Februar.
Zum Ende der Ausstellung lädt die Kunsthalle zum großen Thementag „Grün bauen. Stadt teilen. Utopien zwischen Stadtplanung, Teilhabe und Gemeinwohl“ ein. Am Samstag, 24. Januar, gibt es von 11 bis 18 Uhr zwei Talks mit Künstlern und Fachexperten aus den Bereichen, Architektur, Kultur und Soziales, eine Mitmach-Aktion sowie eine Performance des Künstlerkollektivs Club Real. Der Thementag knüpft an die Fragen von Nachhaltigkeit und Teilhabe in Stadt, Architektur und Städtebau an, die die aktuelle Ausstellung verhandelt. Der Eintritt in die Ausstellung und das Programm sind an diesem Tag frei.
Zur Finissage von „Wohin? Kunsthalle / Stadt / Gesellschaft der Zukunft“ am 1. Februar gibt es unter anderem eine akustische Führung für blinde, sehbehinderte und sehende Menschen in der Zeit von 11.30 bis 12.30 Uhr.
Am Dienstag, 20. Januar, gibt es von 19 bis 22 Uhr ein Nachtfoyer mit Michael Dekker und am Donnerstag, 29. Januar, lädt die Kunsthalle in der Zeit von 18 bis 21 Uhr zum „Langen Donnerstag“ ein. Bei freiem Eintritt werden eine performative Lesung von Christina Irrgang, ein Screening und ein Talk mit Nadine Karl und Fiona Borowski zur Projektreihe „Mur Brut“ (37) und noch einiges mehr geboten.

Zu Nadine Karl. After Unrast Mur Brut 37

Aus dem flimmernden Licht des betongrauen Parkhauses entfaltet sich eine schattenhafte Geschichte: eine Kreatur – weder ganz menschlich noch ganz fremd – eröffnet eine mythologische Welt, die sich mit selbstkritischen Fragen an die Betrachterinnen und Betrachter richtet. In welchem Verhältnis steht der eigene Körper zu dieser Figur, zu ihrer Verletzlichkeit, zu ihrer Umwelt? In ihr begegnet uns eine ökofeministische Perspektive, die die Trennung von Mensch und Natur, Subjekt und Objekt in einem unwirklichen Setup infrage stellt.

Die Installation von Nadine Karl untersucht Übergänge zwischen Wahrnehmung, Identität und Erinnerung und entfaltet ein Moment der Unsicherheit. Transformation erscheint nicht als dramatischer Wandel, sondern als leises Umschalten zwischen Zuständen, Zeiten und Empfindungen. Das Parkhaus wird zum Resonanzraum dieser Fragen: ein Schwellenort, an dem sowohl die individuelle als auch die gesellschaftliche Wahrnehmung in Bewegung gerät und das Sehen zu einer körperlichen Erfahrung wird; flüchtig, tastend, offen und womöglich doch überfordert.

Nadine Karl absolvierte 2024 ihren Abschluss als Meisterschülerin an der Kunstakademie Düsseldorf bei Professorin Dominique Gonzalez-Foerster.

Die Projektreihe „Mur Brut“ wird seit 2014 auf einer weiß gestrichenen Wand im Parkhaus der Kunsthalle Düsseldorf umgesetzt. Seitdem dient diese so aus dem visuellen Konzept des Parkhauses herausgelöste Wand als Projektionsfläche für vierteljährlich wechselnde Kunstprojekte.

Nähere Informationen: Kunsthalle Düsseldorf, Grabbeplatz 4, 40213 Düsseldorf, Telefon: +49 (0)211 54237710, E-Mail: mail@kunsthalle-duesseldorf.de

In der Reihe „Gegenwärtig. Zeitgenössische Künstler begegnen Felix Nussbaum“ noch bis zum 10. Mai im Museumsquartier Osnabrück

Mit der Präsentation „Keiner soll frieren!“ zeigt das Felix-Nussbaum-Haus im Museumsquartier Osnabrück eine von dem Künstler Ariel Reichman konzipierte Ausstellung mit neu geschaffenen Werken. Geboren 1979 in Südafrika zur Zeit der Apartheid, ist er im Alter von 13 Jahren mit seiner Familie nach Israel eingewandert und lebt heute in Berlin.

Reichmann beschäftigt sich in seinem Werk mit der Verbindung von persönlicher Biografie, Erinnerung, persönliche Gedanken- und Gefühlswelt und dem individuellen politischen Bewusstsein. Seine Kunst kreist um Konzepte wie Empathie und menschlicher Verletzlichkeit. Als Ariel Reichman in Sofia, Bulgarien, ausstellte, besuchter er an seinem letzten Tag in der Stadt den Markt neben der Alexander-Newski-Kathedrale. Unerwartet traf er dort auf zahlreiche Utensilien mit Hakenkreuz- oder Reichsadleremblemen, die dort auf den Tischen lagen – von Besteck bis hin zu SS-Abzeichen und Anstecknadeln, Feuerzeugen und Zigarettenspitzen.

Neben Disney-Figuren und Matrjoschka-Puppen bekamen die Nazi-Devotionalien ihren Platz in der Reihe der Trivialitäten, wurden offen zur Schau gestellt und zum Erwerb angeboten. Diese spontane Konfrontation entfachte bei Reichman das intensive Bedürfnis, die Objekte aus dem öffentlichen Raum zu entfernen, ihnen ihre Präsenz zu nehmen, sie unwirksam zu machen – und wurde zum initialen Moment für die Werke der Ausstellung „Keiner soll frieren!“.

Über internationale Auktionshäuser, Online-Shops, sogar über eBay und Amazon ist der Erwerb so genannter „Nazi-Memorabilien“ möglich. Die Gegenstände reichen von Anstecknadeln und Abzeichen bis hin zu Helmen, Kleidung, Fotos und persönlichen Gegenständen. In der Folge seiner Erfahrung auf dem Markt in Sofia verfolgt Ariel Reichman mehrere dieser Live-Auktionen und erwirbt zahlreiche Nazi-Metallgegenstände. „Meine vorwiegende Motivation ist es, diese Gegenstände aus dem öffentlichen Raum zu entfernen. Der Wunsch dabei ist, dass diese Art Gegenstände am besten gar nicht mehr verfügbar sein sollten“, erläutert Ariel Reichman.

Im nächsten Schritt erhitzt Reichman diese Metallgegenstände zunächst über Feuer, so dass sie schmelzen, um sie anschließend ins Wasser zu gießen, wo sie abrupt erhärten.

Den Prozess der Zerstörung sowie den Moment der Erneuerung hält Reichman in zwei Filmen fest. Die entstandenen Metallskulpturen werden in der Ausstellung neben Fotografien von kleinen Papier- und Wachsblumen präsentiert, die wie Abzeichen im Nationalsozialismus als Dank für die Spende im Rahmen des Winterhilfswerks verschenkt wurden – eine mit großem Propagandaaufwand jährlich durchgeführte Sammel- und Spendenaktion zur Unterstützung ‚bedürftiger Volksgenossen‘ zur Zeit des Nationalsozialismus in Deutschland.

„Keiner soll hungern, keiner soll frieren!“ lautete die Direktive für das erste Winterhilfswerk im Jahr 1933. Hinter den scheinbar harmlosen Sammlerstücken steckte ein kalkuliertes System nationalsozialistischer Wirtschaftspolitik und Beeinflussungsstrategie. „Keiner soll frieren!“ lautet auch der Ausstellungstitel und befragt mit Kunstwerken, die den Prozess der Umformung und Transformation thematisieren, ob man Geschichte überwinden kann. Was bleibt an Dingen, Architekturen, in Körpern oder auch im Denken von der Vergangenheit haften?

Ergänzt wird die Ausstellung durch den von Reichman gestalteten Space of Mourning, einen Raum des bewussten Innehaltens und der kollektiven Trauer, inspiriert von der jüdischen Tradition der Schiwa. Auf dem Weg dorthin begegnen Besucher der Lichtinstallation I am (not) safe sowie einem interaktiven Sockel, über den per Knopfdruck die Frage „Am I Safe?“ mit „Ja“ oder „Nein“ beantwortet werden kann – eine persönliche Rückmeldung, die sichtbar nach außen wirkt. In einem von Ariel Reichman im Rahmen der Ausstellung entwickelten und angeleiteten dreiteiligen Workshop „Anxious about the Situation?“ geht der Künstler gemeinsam mit einer Tänzerin, einer Musikerin und einer Psychologin auf verschiedenen Ebenen dem Gefühl der Angst und dem komplexen Konzept der Sicherheit nach.

Unterstützt wird die Ausstellung von der LEAP Foundation und Artis. Das Vermittlungsprogramm wird durch die VGH Stiftung gefördert. Kooperationspartner ist die Felix-Nussbaum-Gesellschaft Osnabrück.

Nähere Informationen: Museumsquartier Osnabrück, Lotter Straße 2, 49078 Osnabrück, E-Mail: museum@osnabrueck.de, Telefon: 0541 323-2207 oder 0541 323-2237. Geöffnet ist das Museum Dienstag bis Freitag: 11 bis18 Uhr, Samstag und Sonntag: 10 bis 18 Uhr.