In der neuen Ausgabe der Museumstijdschrift findet der Leser oder die Leserin viele Tipps über Kunstausstellungen in den Niederlanden und manches mehr aus der Welt der Kunst. Hier ein kleiner Ausschnitt:
Das Echo der Alhambra – Von Edo Dijksterhuis
Als begeisterter Reisender kam M.C. Escher früh in seiner Karriere mit islamischer Kunst in Kontakt. Indem es zeitgenössische Arbeiten durch die Dauerausstellung streut, zeigt Museum Escher im Palast, dass seine Arbeiten weiterhin mit der geometrischen Bildsprache der islamischen Kunst verbunden sind.
Sechseckige Blöcke, abwechselnd schwarz und weiß, füllen die Oberfläche und verändern subtil die Form von unten nach oben. Zuerst werden sie ein wenig eingedellt, sodass ein Punkt entsteht. Dann schwellen sie wieder zu regulären Sechsecken an, aber die dunkle Farbe wird größtenteils vom Licht verdrängt. Die Dinge bleiben gleich, aber alles ist anders.
Wenn man die Textplatte überspringt, könnte man denken, dass es sich um ein Werk von M.C. Escher (1898–1972) handelt, genau wie die Drucke, die noch im Raum hängen. Der Titel „Metamorphose“ist ebenfalls escherisch. Er verwendete diesen Begriff für seine Zeichnungen, in denen Landschaften sich allmählich in geometrische Ebenen verwandeln oder Fische sich durch abstrakte Zwischenformen in Vögel verwandeln.
Aber „Metamorphosis“ist nicht Eschers Werk. Es wurde mehr als ein halbes Jahrhundert nach seinem Tod von Amine Asselman (1989) gedreht. Und zwar nicht, wie Escher es tat, mit Lineal und Kompass auf Papier, sondern mit marokkanischen Fliesen, die auf traditionelle, traditionelle Weise hergestellt werden und daher alle einzigartig sind. Asselman ist einer von zwanzig zeitgenössischen Künstlern, die nun ‚in einen Dialog treten‘ mit dem alten Grafiker in „Escher and Islamic Art – 20 Perspectives“, wie es genannt wird.
Skateboard mit Spiegelmosaik
Escher wäre wahrscheinlich nie der weltbekannte Schöpfer mathematischer Zeichnungen geworden, wenn er Granada nicht 1922 besucht hätte. Im Süden Spaniens entdeckte er die Alhambra, die maurische Festung mit ihren islamischen Kunstschätzen. Er wurde von den geometrischen Verzierungen fasziniert und zeichnete ein Ziegelmotiv. Dies war das Ausgangssignal für eine eingehende Untersuchung des islamischen Tessellationsprinzips, ein festes Element in seinem späteren Stil.
Die gleiche Ästhetik findet sich in den Werken zeitgenössischer Künstler mit islamischem Hintergrund, wie etwa der Studie der Quadrate von Fatima Barznge (1968), den robust wirkenden, aber sehr zerbrechlichen Papierskulpturen von Layla May Arthur (1999) und dem Wandrelief mit sternförmigen Wölbungen von Emin Batman (2000). Auch wenn das Erscheinungsbild anders ist – Escher wüsste nicht, was er von den mit Spiegelmosaik verzierten Skateboards von Leila Nazarian (1986) halten sollte – sind der Rhythmus, die Wiederholung und die subtilen Veränderungen erkennbar.
Aber was meinen die Ausstellungsmacher damit? Dieser kulturelle Austausch ist ausgerechnet? Dass Escher vielleicht islamischer als westlicher ist? Oder dass der Künstler mit seinem eigenen Museum ein eigenes Werk aufgebaut hat, das auf dem basiert, was wir heute ‚Aneignung‘ nennen könnten, also der Aneignung der Kultur anderer Menschen, um ihr spirituelle und historische Bedeutung zu entziehen und für eigene Zwecke zu nutzen?
Hassan Hajjaj (1961) gibt eine passende Antwort auf diese letztere Interpretation. Er fotografierte einen Mann im Hoodie von oben, der über einen Escherianischen karierten Boden ging. Die Wand hinter dem Foto und der Rest des Raumes sind mit einem grün-roten Muster mit kleinen Unvollkommenheiten bedeckt. Hajjaj nimmt sein kulturelles Erbe zurück und verleiht ihm seine eigene Note.
Frau mit einer Waffe
Solche Werke heben die Ausstellung auf die nächste Stufe. Die Beiträge, die hauptsächlich eine formale Beziehung zu Escher zeigen, gehen nicht über eine Art visuellen Reim hinaus. Aber glücklicherweise gibt es viele Momente, in denen auch eine substanzielle Brücke gebaut wird. Wie in dem Druck, den Shehzil Malik (1987) von einer glänzenden Stadt voller Wolkenkratzer anfertigte, die ein totes Gegenstück hat, das unterirdisch mit Rohren und Masten gefüllt ist. Etwas weiter hängt die Zeichnung, die Escher von der italienischen Bergstadt San Gimignano angefertigt hat, wo die mittelalterlichen Türme scharf von der umgebenden Natur abheben. Während Architektur zu Eschers Zeiten noch ein Wunder und die Natur unberührt war, geht das in Maliks Welt auf Kosten des anderen. Die erfolgreichste Kombination von Escher und Gastkünstlern findet sich im Raum mit Eschers Zeichnung eines Augen, in dem ein Schädel reflektiert wird. Zu sehen heißt zu leben, und zu leben heißt zu sterben. Diese Memento-mori-Botschaft erhält eine zusätzliche Ebene durch Suleika Muellers Porträt einer Architektin hinter dem Milchglas einer Moschee, die sie selbst entworfen hat, sowie durch die Darstellung von vier bedeutenden islamischen Frauen als Silhouetten durch Farwa Moledina (1993). Hier zu schauen heißt, beobachtet zu werden, aber ohne von einem männlichen Blick überwältigt zu werden. Shirin Neshat (1957) verschärft die Lage zusätzlich mit ihrem Foto einer Frau mit Kopftuch und durchdringendem Blick, die eine Waffe auf die Kamera richtet. Du siehst dem Tod in die Augen.
Nähere Informationen: Escher im Palast, Lange Voorhout 74, Den Haag, Telefon: +31 704277730, E-Mail: info@escherinhetpalais.nl, Internet: www.escherinhetpalais.de
Radfahren durch die Landschaft von De Ploeg in Groningen
Das Groninger-Museum wird diesen Sommer ein besondere Aktion anbieten. Während des Programms ‚Walking Museum‘ können Besucher vierzehn Radwege entlang von Orten folgen, die mit dem Künstlerverband De Ploeg verbunden sind.
Die Initiative ist inspiriert von einer Idee des ehemaligen Direktors Frans Haks. 1986 träumte er von einem beweglichen Museum, das im Sommer am Wasser liegen und im Winter auf das gefrorene Wasser gehen würde. Vierzig Jahre später erhält diese Idee eine neue Bedeutung. Vom 16. August bis 16. September wird das Groninger-Museum für einen Monat seine Grenzen erweitern und die Natur erkunden.
In den Fußstapfen von De Ploeg
Ein Teil des Programms ist „In het Spoor van De Ploeg“, das das Museum gemeinsam mit dem Kunstcentrum De Ploeg in Wehe-den Hoorn organisiert. Vierzehn Radwege führen durch die Stadt und die umliegende Gegend, entlang der Landschaft, in der die Künstler von De Ploeg vor mehr als einem Jahrhundert arbeiteten.
Der 1918 gegründete Kunstkreis wollte die Kunstwelt in Groningen erneuern. Viele Mitglieder zogen los, um die Dörfer, Felder und Himmel der Provinz zu erobern. Radfahrer können ihrem Weg mit einem Routenheft, einer Routenkarte oder der RoutAbel-App folgen. Entlang der Routen gibt es Informationstafeln und Markierungen, die auf Orte hinweisen, die mit den Künstlern und ihrem Werk verbunden sind.
Während des ‚Walking Museum‘ kostet ein Besuch des Groninger-Museums 10 Euro. Dies ermöglicht den Besuchern Zugang zur Ausstellung „Neues Licht – Der Pflug und das Atelier“. Bis zum 23. August kann auch die Kulturerbeausstellung „Bakstain“ zum gleichen Preis besucht werden. Darüber hinaus lenkt das Museum die Aufmerksamkeit auf Aktivitäten und Kunstwerke außerhalb der Museumsmauern, darunter das Projekt „Soundings – Sense of Place“ in Nord-Groningen, die Stadtmarkierungen rund um Groningen und das „Wall House #2“ am Hoornse Meer, entworfen vom Architekten John Hejduk.
Nähere Informationen: Groninger Museum, Museumeiland 1, 9711 ME Groningen, Niederlande, Telefon +31 503666555, E-Mail: info@groningermuseum.nl. Das Museum ist von Dienstag bis Sonntag von 10 bis 17 Uhr geöffnet.
Thema Seife im Museum Jan Cunen in Oss
Seifen, Schrubben und Waschen – das sind selbstverständliche Handlungen. Doch die Ausstellung „Seife – Eine Ausstellung, die gut riecht“ im Museum Jan Cunen zeigt, dass selbst etwas so Alltägliches wie Seife viel über die Welt um uns herum aussagen kann. Mehr als dreißig Künstler reflektieren Themen wie Selbstbild, Kolonialismus, Geschlechterungleichheit und die Klimakrise mit Installationen, Zeichnungen und Videos.
Viele Kunstwerke wirken auf den ersten Blick fröhlich. Ein Smiley-Gesicht ist auf einem scheinbar beschlagenen Spiegel gezeichnet, ein Ausguckstuhl steht zwischen Hunderten von Glasseifenblasen, und Flaschen mit Spülmittel sind wie männliche Oberkörper geformt. Die Künstler nutzen Humor und erkennbare Formen, um aufgeladene Themen verhandelbar zu machen.
„Moving is Mother and Child“ (2021) von Roos van Geffen (1975), in dem die Künstlerin sich die Hände mit einer Seife wäscht, die von der Hand ihrer Mutter abgegossen wurde. Die Myrrhenseife, die ebenfalls in der Halle zu sehen und zu riechen ist, symbolisiert Liebe und Leid. So wird das Ritual zu einem Versuch, den Schmerz aus der Vergangenheit abzuwaschen. „Bathroom of Straw“ (2021) von Narges Mohammadi (1972) sticht ebenfalls hervor. Das brennende und unbequeme Material wirft die Frage auf, ob das Badezimmer wirklich so ein schöner Ort ist.
Die kleinen Duschvorhänge, hinter denen Gedichte von Kleinstukjeversheid, dem Autornamen von Jeroen van Steijn (1989), verborgen sind, verleihen willkommene Leichtigkeit und Optimismus. Wer am Ende der Ausstellung sein eigenes Reinigungsritual durchlaufen möchte, kann sich unter eine applaudierende Dusche setzen. Jedenfalls mangelt es hier nicht an Gedanken zur Dusche.
Nähere Informationen: Museum Jan Cunen, Molenstraat 65, Oss, Telefon: +31 412798000, E-Mail: info@museumjancunen.nl, Internet: www.museumjancunen.nl
Etha Fles & Medardo Rosso – Für die Kunst
Diese intime Ausstellung zeigt die besondere Verbindung zwischen der niederländischen Künstlerin und Kunstkritikerin Etha Fles (1857–1948) und dem italienischen Bildhauer Medardo Rosso (1858–1928). Als Förderin und Schirmherrin spielt Fles eine wichtige Rolle bei der internationalen Anerkennung von Rossos Werk.
Ein flüchtiger Ausdruck
Im Zentrum der Präsentation ist Rieuse, eine seltene Skulptur von Rosso aus einer Privatsammlung und aus dem Nachlass von Etha Fles. Auch ihre Radierungen, Gemälde und Publikationen sind ausgestellt. Das Bild zeigt Rossos Faszination für den flüchtigen Ausdruck von Lachen. Die künstlerische Herausforderung, diesen temporären Gesichtsausdruck überzeugend einzufangen, beschäftigt Rosso mehrere Jahre.
Fühlen wir […] den Charme des lachenden Mädchens […]? Und was bewundern wir in diesem Werk: die Linien? Der Ausdruck? Die Farbe? Es ist der Eindruck des Lebens selbst, den er uns vermittelt – wir vergessen Materie – die Form – er gibt uns den Ausdruck, das Wesentliche.‘
Etha Fles, Nieuwe Groninger courant, 1. März 1901
Seelenverwandte
Die Ausstellung hebt auch die enge Freundschaft zwischen Fles und Rosso hervor, die sich nach ihrem Treffen auf der Weltausstellung 1900 in Paris entwickelte. Fles reist mit Rosso durch Europa, schreibt über seine Arbeit und engagiert sich aktiv für seinen Ruhm in Italien und im Ausland.
Nähere Informationen: Museum Singer Laren, Oude Drift 1, Laren, Telefon: +31 355393956, E-Mail: museum@singerlaren.nl, Internet: http://www.singerlaren.nl
Jacob & Coba Ritsema und sein Bruder hinter der Schwester
Jacob Ritsema (1869–1943) arbeitete von 1892 bis 1893 als Landschaftsmaler in Elspeet und kehrte häufiger nach Nunspeet und Umgebung zurück. In der Literatur wird Jacob meist als ‚Bruder des bekannten ‚Amsterdam Joffer‘ Coba Ritsema“ (1876–1961) bezeichnet.
Das Noord-Veluws Kunstmuseum organisiert in Zusammenarbeit mit der Kunsttunnel Foundation eine Ausstellung über Jacob und Coba Ritsema. Die Beziehung zwischen Coba und ihrem Bruder Jacob war mehr als nur eine einfache Familienbeziehung; Es war eine künstlerische Partnerschaft. Während Jacob im Alter von 15 Jahren zur Kunstakademie in Düsseldorf ging, blieb Coba näher an der Heimat und entwickelte ihr Talent an der Rijksacademie in Amsterdam. Ihre Unterschiede in der Bildung spiegelten die Geschlechterrollen ihrer Zeit wider. Ihre Karrieren verliefen unterschiedlich. Während Coba Unterstützung in der eng verbundenen Gruppe der Amsterdamer Joffers fand, musste Jacob seinen Weg allein finden.
Cobas ruhige, sorgfältige Innenräume und Porträts; Jacobs‘ weite und atmende Landschaften; und die intimen Gemälde der Amsterdamer Joffers. Gemeinsam entfalten sie ein Bild des frühen zwanzigsten Jahrhunderts, das nicht von Stil, Schule oder Genre geprägt ist, sondern von Einstellung: einer Sichtweise, in der die Welt langsam wird. Ein Stuhl mit Blumen, ein Krug, der im Morgenlicht glänzt, eine Kuh, die unter einem niedrigen Himmel rummelt. Dies sind Momente, in denen die Zeit nicht vorwärts schreitet, sondern tiefer wird.
Nähere Informationen: Nord-Veluwe-Museum, Winckelweg 17a, Nunspeet, Telefon: +31 341250560, E-Mail: directie@noord-veluws-museum.nl, Internet: www.noord-veluws-museum.nl
Drei gleich – Gerard, Rik & Joshua van Iersel
Drei Generationen der Künstlerfamilie von Van Iersel werden erstmals in einer großen Ausstellung zusammengebracht. Während der Sommerpause zeigen Gerard (1934), Rik (1961) und Joshua (1986) van Iersel, Großvater, Vater und Sohn, Werke in einer Ausstellung, die sich über einen Zeitraum von mehr als 60 Jahren erstreckt.
In „Three of a Kind“ werden verschiedene Gemälde, Zeichnungen, Collagen, Animationsfilme und räumliche Arbeiten gezeigt. Jedem Künstler wird individuell Aufmerksamkeit geschenkt, aber auch Kurator Rob Schoonen sucht nach dem berühmten ‚Van Iersel-Künstlergen‘. Was macht diese Familie Eindhoven so besonders, was sind die Gemeinsamkeiten oder Gemeinsamkeiten, wo kommt die Kunst des einen der anderen nahe?
Gerard van Iersel (1934) studierte an der Kunstnijverheidsschule in Eindhoven und an der Jan van Eyck Akademie, wo er unter dem Einfluss des bildenden Künstlers Albert Troost sich auf monumentale Arbeiten konzentrierte: Glasmalereien, Wandreliefs, Skulpturen und Betonmalereien. Er übernimmt viele Aufgaben für Schulen und Regierungsgebäude. Er unterrichtete außerdem unter anderem an der St. Joost Akademie. Außerdem gab es Zeit für die wirklich freie Arbeit: lyrische Zeichnungen und Gemälde, in denen Emotionen freien Lauf gelassen werden. Gerard van Iersel durchlief eine Entwicklung von geometrischer Abstraktion zu lyrischer abstrakter Arbeit, die an die Arbeiten von Bram van Velde erinnert.
Rik van Iersel (1961) erhielt Zeichnen und Malen von seinem Vater Gerard und seiner Mutter, der bildenden Künstlerin Nathalie van den Eerenbeemt (1934–2010). Er sah daher keinen Bedarf, eine Kunstakademie zu besuchen, und ist daher Autodidakt. Rik entwickelte sich als bildender Künstler und Musiker. Er gründete das berühmte Buro Beukorkest, in dem er Schlagzeug spielt, genau wie in der anderen Band: Der Junge Hund. In denselben Jahren widmete er sich der Comicproduktion und entwarf jahrelang die Plakate für den Eindhover Pop-Veranstaltungsort De Effenaar. Er entwickelte seinen eigenen, sehr ausdrucksstarken, vielschichtigen Stil, der an die Werke der Nieuwe Wilden oder Mühlheimer Freiheit erinnert, beides deutsche Bewegungen. Schon in jungen Jahren stellte Van Iersel in renommierten Galerien im In- und Ausland aus. Später begann er, Animationsfilme zu drehen, und war unter anderem als Gastdozent in Deutschland tätig.
Joshua van Iersel (1986) wuchs ebenfalls mit Kunst auf. Wie könnte es anders sein mit einem Vater, Großvater und Großmutter als Künstler? Josua entwickelte sich auch als Autodidakt. Er erinnert sich gut an die afrikanischen Masken, die seine Eltern gesammelt haben und die einen tiefen Eindruck bei ihm hinterließen. Und die man – in verschiedenen Formen – noch immer in seinen Zeichnungen und Gemälden sehen kann. Köpfe sind in seinen Werken zu sehen, die – auch wegen ihrer Affinität zu Comics und Graffiti – als Neoexpressionismus klassifiziert werden können. Namen wie Jean-Michel Basquiat oder David Salle fallen einem ein. Wie Rik entwickelte sich auch Joshua als Musiker. Er spielt außerdem Schlagzeug.
Nähere Informationen: Pennings Stiftung, Geldropseweg 63, Eindhoven, Telefon: +31 625584157, E-Mail: info@penningsfoundation.nl, Internet: www.penningsfoundation.com
Herr Meistermann 