In der neuen Ausgabe der Museumstijdschrift findet der Leser oder die Leserin viele Tipps über Kunstausstellungen in den Niederlanden und manches mehr aus der Welt der Kunst. Hier ein kleiner Ausschnitt:
Dreißig Jahre Ina van Zyl: verführerisch, unbequem und politisch – Von Edo Dijksterhuis
Die Ausstellung „Where Are You From“ im Museum Schunck in Heerlen bietet einen Überblick über dreißig Jahre Kunst von Ina van Zyl. Die Retrospektive zeigt, wie sie Alltagsmotiven wie Windbeutel, Zehen und Kiefernnadeln eine sinnliche, monumentale und manchmal politische Bedeutung verleiht. Außerdem werden durch extremes Heranzoomen die Grenzen zwischen Porträt, Stillleben und Landschaftsunschärfe gesenkt.
Das Braun der Schokolade ist intensiv, neigt auf der schattigen Seite zu Schwarz und kränklich blau-grün, wo das Licht fällt. Die Schokoladenküsse von Ina van Zyl (1971) ziehen die Aufmerksamkeit auf sich, die normalerweise Denkmälern vorbehalten ist. Im Jahr 2005 gab es Aufregung um diese fluffigen Delikatessen mit geschlagenem Eiweiß, da die ursprüngliche Bezeichnung „negerzoen“ als potenziell anstößig und veraltet galt. Es war eine Debatte, die Ina van Zyl – damals zehn Jahre in den Niederlanden – überraschte. Sie selbst wuchs während der Apartheid-Jahre in Südafrika auf. Diskriminierung ging etwas weiter als die Bezeichnung einer Bäckerspezialität. Daher gab sie ihrem Gemälde mit zwei gleichermaßen attraktiven und abstoßend glänzenden Schokoladenküssen den passenden Titel „Where Are You From“ (2011), um darauf hinzuweisen, dass tief verwurzelte kulturelle Unterschiede sich oft in scheinbar oberflächlichen Dingen manifestieren.
Denselben Titel erhielt Van Zyls Retrospektive in Schunck. Auch das ist sehr passend. Denn die umfangreiche Auswahl aus dreißig Jahren Arbeit zeigt, woher der Künstler kommt – nicht nur geografisch und kulturell, sondern auch emotional und vor allem künstlerisch.
Penisse mit lächerlichen Namen
Mitten in der Ausstellung ist eine große Ecke für Van Zyls ältestes Werk reserviert, die Zeichnungen, die sie als Grafikdesignstudentin für das satirische Comicmagazin „Bitterkomix“anfertigte. Erst als sie 1996 zu De Ateliers in Amsterdam ging, tauschte sie die gezeichneten Linien in Schwarz-Weiß gegen bemalte Farbbereiche aus. Aber ihre Perspektive blieb dieselbe. In Van Zyls Comics ist die Hauptrolle Frauen vorbehalten, die versuchen, sich in einer Welt voller sexistischer Vorurteile, konservativer Erwartungen und tief verwurzeltem Rassismus zu behaupten. Ihre Gemälde können auch als feministisch bezeichnet werden, allerdings auf subtilere Weise. Vielmehr liegt es in der sinnlichen Kraft, mit der sie ein Strauß Pflaumen oder einen Kanarienvogel in der Hand einer Frau darstellt, das Tier schätzt und es nicht einfach zu Tode drückt.
Am explizitsten sind Van Zyls Nahaufnahmen von Genitalien, einem Subgenre in ihrem Werk. Penisse werden mit Titeln wie „U-Turn“ (2019) und „Trophy Hunter“(2023) etwas verspottet. Vaginas hingegen nehmen etwas Monumentales in ihr an, vergleichbar mit den Schokoladenküssen. Aus der Ferne kann man darin leicht mehr sehen als nur weibliche Anatomie: eine Landschaft oder ein Stillleben. Die Malerin selbst sieht die Vulva als eine Art Porträt, genauso wie Zehen – ein weiteres Subgenre – mit ihren enormen Persönlichkeiten das sind. Man denkt fast automatisch an ein vollständiges Leben mit den lackierten Nägeln und den gebogenen oder ausgestreckten Phalangen in oft unrealistischen Farben.
In nachtlichen Sirup getaucht.
Wenn man genau hinsieht, sieht man, dass Van Zyl die Farbe im Laufe der Jahre immer dünner aufgetragen hat. Für eine Zeit lang neigte die Malerin, die bereits eine Vorliebe für Brauntöne hat, zu einer extrem dunklen Farbpalette, als wäre alles in einem nächtlichen Sirup umgeben. Aber im Allgemeinen sieht das Werk sehr konsistent aus. Van Zyl beginnt mit den klassischen Malgattungen – Porträt, Stillleben und Landschaft – verwischt jedoch die Grenzen zwischen ihnen. Indem sie extrem heranzoomt, lässt sie keinen Raum für Rauschen oder Kontext im Bild und die ganze Aufmerksamkeit gilt einem einzelnen Motiv. Etwas so Einfaches wie ein Wasserglas, ein Windbeutel oder sogar eine Kiefernnadel wird für eine Weile zum Mittelpunkt des Universums.
Für die Ausstellung in Schunck wählte Van Zyl nicht nur ihre eigenen Werke aus, sondern auch Gemälde von Aad de Haas (1920–1972), einem Kollegen, den sie nie persönlich kannte, mit dem sie aber eine Verbundenheit empfindet. Jeder, der seine kleinen, fast skizzenhaften Leinwände eines tanzenden Mädchens oder eines Priesters als Teufel sieht, wird es verstehen. Sie sind genauso sensibel, mehrdeutig und leicht subversiv wie Van Zyls Werke. Der Ausstellungstitel passt auch in dieser Interaktion: Er zeigt einen gemeinsamen Ursprung, der Zeit und Raum überwindet.
Nähere Informationen: Museum Schunck, Bongerd 10, Heerlen, Telefon: +31 45577220, E-Mail: info@schunck.nl, Internet: www.schunck.nl
Yayoi Kusama (97) verstarb kurz vor der großen Retrospektive im Stedelijk Museum Amsterdam
Die japanische Künstlerin Yayoi Kusama, weltberühmt für ihre Punkte, Kürbisse und Spiegelzimmer, ist im Alter von 97 Jahren verstorben. Ihr Studio gab am Donnerstag bekannt, dass sie am 14. August in einem Krankenhaus in Tokio gestorben ist. Am 11. September wird eine große Retrospektive ihrer Werke im Stedelijk Museum Amsterdam eröffnet. Die Ausstellung wird nun eine posthume Hommage sein. Wie Rein Wolfs, Direktor des Stedelijk Museum Amsterdam, betonte, ist der Tod von Yayoi Kusama „eine äußerst traurige Nachricht. Ihre Kunst spricht Menschen auf der ganzen Welt an und überschreitet Generationen, Kulturen und nationale Grenzen.“
Yayoi Kusama (1929–2026) baute in einer mehr als siebzigjährigen Karriere eines der bekanntesten Werke der modernen und zeitgenössischen Kunst auf. Ihre Punktmuster und endlosen Wiederholungen hingen mit Halluzinationen zusammen, mit denen sie seit ihrer Kindheit zu kämpfen hatte. Mit diesen Mustern versuchte sie, ihre Ängste zu vertreiben und sich selbst sowie den Betrachter in das Bild einzutauchen – ein Prozess, den sie Selbstvernichtung nannte.
Kusama wurde in Matsumoto, Japan, geboren und zog 1958 nach New York. Dort war sie Teil der Avantgarde-Szene und arbeitete mit Malerei, Skulptur, Installation, Film, Mode und Performance. Mit ihren Happenings, bei denen sie nackte Teilnehmer mit Punkten malte, zog sie in den Sechzigern viel Aufmerksamkeit auf sich. In derselben Zeit hielt sie sich regelmäßig in den Niederlanden auf und pflegte enge Kontakte zu Künstlern der Zero-Bewegung.
Nach ihrer Rückkehr nach Japan in den 1970er Jahren ließ Kusama sich 1977 freiwillig in eine psychiatrische Klinik in Tokio einweisen. In ihrem nahegelegenen Atelier arbeitete sie weiterhin an Gemälden, Skulpturen, Romanen und Poesie. Ab Ende der achtziger Jahre wuchs ihr internationaler Ruhm erneut. Ein wichtiger Wendepunkt kam 1993, als sie Japan auf der Biennale von Venedig vertrat. Ihre „Infinity Mirror Rooms“ und besonders monumentale Kürbisse haben sie in den letzten Jahrzehnten zu einem weltweiten Publikumsliebling gemacht, teilweise dank sozialer Medien. Laut ihrem Atelier malte Kusama bis zu ihren letzten Tagen weiter. Ihr Tod wurde am 27. August bekannt gegeben.
Posthume Ehrung
Kusama hatte auch früh eine Verbindung zum Stedelijk Museum Amsterdam. Das Museum besitzt das Werk„Aggregation: One Thousand Boats Show“(1963): ein Ruderboot, das mit Hunderten von phallischen Textilformen bedeckt ist und von 999 Schwarzweißbildern desselben Bootes umgeben ist.
Die Ausstellung „Yayoi Kusama“ umfasst mehr als 70 Jahre ihres künstlerischen Schaffens. Gemälde, Skulpturen, Zeichnungen, Collagen, Mode, Performances und Installationen zeigen, wie Kusama ihre persönlichen Erfahrungen in eine ganz eigene visuelle Sprache verwandelte. Die Ausstellung ist vom 11. September 2026 bis zum 17. Januar 2027 zu sehen.
Nähere Informationen: Stedelijk Museum Amsterdam, Paulus Potterstraat 13, Amsterdam, Telefon +31 205732911, Internet: www.stedelijk.nl
Coba und Jacob Ritsema: innen und außen – Von Carmen Tinebra
Ein kühler Regenschauer über einer Polderstraße, kleine Enten am Wasser und zwei arbeitsvolle Kartoffelerntemaschinen mit weißen Kappen: In den Gemälden von Jacob Ritsema (1869–1943) findet man die Ruhe und Schlichtheit des Bauernlebens des neunzehnten Jahrhunderts. Seine Schwester Coba (1876–1961) suchte ihre Motive näher an der Heimat, in Blumenstillleben, Keramik und Porträts. In der Ausstellung „Jacob & Coba Ritsema – Bruder hinter Schwester“ bringt das Noord-Veluws Museum ihre beiden Welten zusammen.
„Der Ritsema-Effekt“, nennt das Museum die subtile Spannung zwischen Ruhe und Bewegung, die die Ausstellung mit Hilfe von KI-Videos zu betonen versucht hat. Zum Beispiel zeigt ein Video, wie das Model für Cobas „Pink Girl“(1953) beim Posieren lächeln könnte. Auch ohne die Filme ist der Effekt in vielen Werken sichtbar: Zum Beispiel scheint das weiße Kleid von Cobas „Mädchen mit gelber Blume“ (undatiert) noch immer mit ihrem Atem zu wiegen. Und in Jacob’s „Coast Brittany“ (ca. 1920) kann man fast das wilde Meer gegen die Felsen plätschern hören.
Bei ihrer Themenwahl kehrten Bruder und Schwester oft zum Vertrauten zurück. Jacob malte denselben Haarlemer Hof aus verschiedenen Perspektiven, und Coba blieb ihren Stillleben lange Zeit treu.Doch eine deutliche Entwicklung zeigt sich insbesondere in Cobas Arbeit. Ihre Ausbildung und ihr Engagement bei den Amsterdamer Joffers inspirierten sie, sich innerhalb der figurativen Malerei weiter zu entwickeln. Dass sie auch mit Nacktmodels arbeitete, war damals für eine weibliche Künstlerin weniger offensichtlich. Ein faszinierendes Gemälde ist Cobas „Interior with Woman Standing“(1900), ein geheimnisvoller Einblick in ihr Atelier. Ein Stück weiter grasen Jacobs Ferkel und Kälber auf der Wiese: Coba schaute hinein, Jacob schaute hinaus.
Nähere Informationen: Noord-Veluws Museum, Winckelweg 17a, Nunspeet, Telefon: +31 341250560, E-Mail: directie@noord-veluws-museum.nl, Internet: www.noord-veluws-museum.nl
Habe, habe, habe, Teil 1
Ist der Mensch nie eine Raupe genug? Unsere fernen Vorfahren versammelten sich aus purer Notwendigkeit, um in Zeiten der Knappheit zu überleben. Heute scheinen wir völlig übertrieben zu sein, um so viel Dinge und Reichtum wie möglich anzuhäufen. Diejenigen, die darin erfolgreich sind, werden durch das System immer reicher. Das führt zu großer sozialer Ungleichheit. Wir gewinnen immer mehr Einblick in die negativen Folgen, die dies für Gesellschaft und Umwelt hat; Der Kurs muss sich ändern. Warum wollen wir so viel besitzen? Wann wird das Limit erreicht? Kann man das anders machen? In der Ausstellungsreihe „Have, have, have“sucht das Zeeuws Museum Antworten auf Basis verschiedener Kunstwerke. Diese (und/oder ihre Schöpfer) haben gemeinsam, dass sie einen dazu bringen, Besitztümer anders zu betrachten und einen zu einer alternativen Lebenseinstellung inspirieren können.
Wie viel kann ein Museum aufbewahren?
Museen werden zunehmend voll und scheinen auch grenzenlos zu sammeln. Die Sammlungen werden ständig erweitert, während nur ein sehr kleiner Teil ausgestellt werden kann. Die meisten Kunstschätze und gesammelten Erbe werden in Depots aufbewahrt und verwaltet, und man bekommt sie nie zu sehen. Wie viel kann ein Museum tatsächlich bewahren und gibt es Alternativen? Die Ausstellung „Hab, hab, hab“ hat es erkundet. In der ersten Periode werden Arbeiten von Maarten Vanden Eynde, Beatrijs Lauwaert, Jacoba van Heemskerck sowie Paul und Menno de Nooijer Im Fokus stehen. Der zweite Teil folgt im November 2026 mit vielen neuen Kunstwerken. Die gesamte Serie läuft bis zum Frühjahr 2028.
Nähere Informationen: Zeeuws Museum, Abtei (Platz), Middelburg, Telefon: +31 118653000, E-Mail: info@zeeuwsmuseum.nl, Internet: www.zeeuwsmuseum.nl
Jan van der Vaart – Für alle
Er, der selbsternannte „Töpfer“, mochte keine Kunst mit großem A. Doch niemand hinterließ einen solchen Eindruck in der Nachkriegskeramik der niederländischen Keramik wie Jan van der Vaart (1931–2000). Um seine Werke einem großen Publikum zugänglich zu machen, arbeitete er in der Serienproduktion, eine Wahl, die von anderen Keramikern und Sammlern verabscheut wird. Aber der Ansatz machte Design für alle zugänglich.
In den fast fünfzig Jahren, in denen er aktiv war, erhielt Van der Vaart Anerkennung von allen Seiten: Kritiker, Museen, Regierung und Sammlern. Außerdem bildete er als Lehrer an der Rietveld-Akademie mehr als 100 Keramiker aus, mit denen er einen bleibenden Einfluss auf neue Generationen von Schöpfern ausübte. Von Hardcore-Kunstsammlern bis hin zu Secondhand-Jägern wurden Van der Vaarts Vasen und andere Utensilien stets geschätzt.
Nähere Informationen: Kunstmuseum Den Haag, Stadhouderslaan 41, Den Haag, Telefon: +31 70338111, E-Mail: info@kunstmuseum.nl, Internet: www.kunstmuseum.nl
Der Drang zu sammeln – die Kunst des Sammelns
Als Kind sammelten wir alle etwas, von Briefmarken über Zuckersäckchen und von Steinen bis zu Zigarrenbändern. Sammeln liegt in unserer Natur. Wir tun es, weil wir Objekte schätzen, es gibt eine enge Beziehung zwischen Mensch und Objekt. Und doch fällt es vielen Sammlern schwer, in Worte zu fassen, warum sie sammeln.
In der Ausstellung „Der Drang zu sammeln – die Kunst des Sammelns“ präsentiert das Streekmuseum Krimpenerwaard 14 einzigartige Sammlungen lokaler Sammler. Die Ausstellung handelt davon, Objekte zu sammeln, Erinnerungen lebendig zu halten und von den Sammlern selbst. Die Sammlungen bestehen aus schönen historischen Objekten, Erinnerungsstücken an Reisen oder persönlichen Interessen. Von Teekannen über Zeitungsausschnitte über Tiere und von antiken Knöpfen bis zu Postkarten. Die Ausstellung zeigt, wie persönlich das Sammeln ist, indem es nicht nur die schönen Objekte betrachtet, sondern auch die Geschichte der Person hinter der Sammlung betrachtet. Jeder Sammler hat seine eigene Motivation und seine eigene Geschichte. Warum messen sie diesen Objekten so viel Wert bei?
Die Ausstellung konzentriert sich auf Privatsammlungen, aber das Sammeln ist auch eine unserer wichtigsten Aufgaben als Museum. In der Dauerausstellung werden daher eine Reihe spezieller Untersammlungen hervorgehoben.
Die Ausstellung ist eine Ode an die Kunst des Sammelns mit Leidenschaft und Aufmerksamkeit. Collecting Urge ist bis 19. September im Streekmuseum Krimpenerwaard zu sehen.
Nähere Informationen: Streekmuseum Krimpenerwaard, Boezemdreef 1, Krimpen an den Ijssel, Telefon: +31 180514866, E-Mail: info@streekmuseumkrimpenerwaard.nl, Internet: http://www.streekmuseumkrimpenerwaard.nl
Herr Meistermann 