In der neuen Ausgabe der Museumstijdschrift findet der Leser oder die Leserin viele Tipps über Kunstausstellungen in den Niederlanden und manches mehr aus der Welt der Kunst. Hier ein kleiner Ausschnitt:
Beziehung zur dunklen Seite – Charley Toorop und Pyke Koch im Museum More (Von Joke Wolf)
Die Ausstellung „Charley Toorop & Pyke Koch – Alles oder Nichts“ im Museum More in Gorssel basiert auf einem originellen und zugleich völlig logischen Vergleich. Noch nie zuvor hat ein Museum die Werke von Charley Toorop so eins-zu-eins neben denen von Pyke Koch gezeigt. Oder besser gesagt, man sollte es umgekehrt sagen: Kochs Arbeit neben Toorops, denn er war nicht nur zehn Jahre jünger, sondern sah in vielerlei Hinsicht zu ihr auf.
Auf dem großen Banner zu Beginn der Ausstellung stehen Fragmente von Porträts der beiden Maler nebeneinander. Links befindet sich die linke Hälfte eines Selbstporträts von Charley Toorop (*1891 – +1955), das sie 1934 anfertigte, rechts die rechte Hälfte von „Mercedes de Barcelona“ von Pyke Koch (*1901 – +1991) von 1930. Beide Werke sind realistisch gemalt und beide Frauen haben bemerkenswert große Augen. Koch hatte gerade erst mit dem Malen begonnen, als er dieses Gemälde schuf. Rückblickend würde Toorop sagen, dass Kochs frühe Werke unter ihrem Einfluss entstanden seien; sie lernten sich kennen, als Koch fünfzehn Jahre alt war.
Umfangreiche Biografien
Koch als auch Toorop stehen dieses Jahr wieder im Rampenlicht mit jeweils einer umfangreichen Biografie. Museum More zeigt eine große Auswahl an Kunstwerken beider Künstler. Einige sind äußerst bekannt, wie Toorops „Meal of the Friends“von 1932–33 oder Kochs „Shooting Gallery“von 1931.
Gleichzeitig wurden auch überraschende, weniger bekannte Werke beider Künstler ausgestellt. Zum Beispiel Toorops „Kleiner Zirkus“von 1927, neben Kochs „Puppenshow“von 1930, beide aus Privatsammlungen. Es gibt auch Seiten aus einem Fotoalbum von Toorop, mit Fotos von Abendessen mit Familie und (Künstler-)Freunden, bei denen Koch gelegentlich anwesend war.
Die Präsentation ist nüchtern, mit weißen Wänden und nur einer kurzen Texteinleitung zu den einzelnen Themen. Bei den einzelnen Kunstwerken werden nur der Titel und Name des Künstlers klein in der Nähe der Sockel genannt. Eine Betrachtungsübung: Besucher können mit dem Auge beurteilen, ob ein Werk von Toorop oder von Koch stammt. Die Themen sind kunsthistorisch, sie folgen den verschiedenen traditionellen Kategorien, unter denen man die Bilder einordnen kann: Stillleben, Porträts, Jahreszeiten, Landschaften und Stadtansichten. Außerdem gibt es einige spezifischere Themen, wie Jahrmarkts- und Zirkusszenen.
Manchmal sieht man, dass die Künstler sich gegenseitig direkt inspiriert haben müssen, wie im Fall von „Kermis in Middelburg mit Selbstporträt“(Toorop, 1926) und „Kermis in Utrecht“(Koch, 1928–1929). Die Künstler teilen sich die ‚flache‘ Art, wie sie die vielen Attraktionen einer Messe darstellen. Während Toorop jedoch weiterhin an eine mehr oder weniger realistische Darstellung bleibt, mit einer Straße unten und einem Himmel darüber, verwandelt Koch das in eine viel chaotischere Kakophonie.
Rechtsextreme Praktiken
Die Gastkuratoren Carel Blotkamp und Mieke Rijnders haben sich entschieden, die visuellen Ähnlichkeiten hervorzuheben. Es ist verständlich, dass Gemälde aus verschiedenen Epochen manchmal nebeneinander aufgehängt werden. Auffällig ist jedoch, dass gerade jetzt, da rechtsextreme Parteien in den Niederlanden und im Rest der Welt immer mehr Unterstützung gewinnen, der politischen Distanz, die Mitte der 1930er Jahre zwischen den beiden Künstlern entstand, keine Beachtung geschenkt wird.
In der Einleitung wird kurz angedeutet, dass die Künstler politisch und sozial weit voneinander entfernt waren: „Toorop auf der Seite des Sozialismus und des Kommunismus, Koch auf der Seite des Faschismus“. Bei einer Ausstellung mit Werken von Pyke Koch 2017 in Utrecht erhielt dessen Mitgliedschaft im faschistischen Verbond van Dietsche Nationaalsolidaristen, kurz Verdinaso, mehr Aufmerksamkeit. Koch schloss sich 1934 dieser Bewegung an; Nach 1940 engagierten sich Mitglieder dieses Kreises in nationalsozialistischen Organisationen.
„Selbstporträt mit schwarzem Stoff“von 1937, ebenfalls in Gorssel ausgestellt, war und ist daher politisch farbig. Unabhängig davon, wie der Künstler später darauf zurückblickte, wurde das Selbstporträt zum Aushängeschild der Kultuurkamer, der von den deutschen Besatzungstruppen gegründeten Institution, die eine ‚positive germanische Haltung‘ propagierte. Koch war Mitglied der Kultuurkamer und entwarf 1942–1943 sogar eine Serie von Briefmarken mit ‚germanischen‘ Symbolen. Dafür wurde er 1950 verurteilt; er durfte ein Jahr lang nicht ausstellen.
Gorssel dreht sich nicht um diese aufgeladene biografische Geschichte, und das ist ein Verlust. So angenehm es auch sein mag, die Kunstwerke anhand von Komposition, Farbverwendung und Motivwahl zu betrachten und zu vergleichen, bleibt der biografische Kontext relevant, besonders bei Kunst aus dieser Zeit. Vor dem Hintergrund der aktuellen politischen Entwicklungen ist es unmöglich, die Werke von der zunehmend düsteren Welt zu trennen, aus der sie entstanden sind.
Nähere Informationen: Museum More, Hoofdstraat 28, 7213 CW Gorssel, Telefon: +31 575 760 300, E-Mail: info@museummore.nl
Sommerführer zu Kunststädten – Paris
Wir müssen Paris Kunstliebhabern nicht erklären. Der Louvre, Musée d’Orsay, Musée Rodin: Jeder kennt die großen Namen. Da das Centre Pompidou nun bis 2030 vorerst geschlossen ist, ist es an der Zeit, über die ständigen Adressen hinauszublicken. Wo wird es diesen Sommer stattfinden? Und was ist einen Umweg wert?
Museen von Luxusmarken
Eine Zeit lang galt Paris als Kunststadt der Vergangenheit: schön, aber zu teuer und weniger aufregend als London oder Berlin. Die Stadt setzt sich nun wieder auf die Landkarte, und Luxusmarken spielen dabei eine auffällige Rolle. Die Fondation Louis Vuitton besitzt ein Frank-Gehry-Gebäude im Bois de Boulogne, die Bourse de Commerce zeigt die Sammlung von François Pinault, Gründer der Luxusgruppe Kering, bekannt für Marken wie Gucci, Saint Laurent und Balenciaga, und die Fondation Cartier eröffnete im Oktober 2025 ihr neues Zuhause in der Place du Palais-Royal: einem ehemaligen Kaufhaus gegenüber dem Louvre, renoviert vom Architekten Jean Nouvel.
Diesen Sommer präsentiert die Fondation Cartier ‚Exposition Générale‘, einen Überblick über vierzig Jahre Sammeln. Mit „Calder – Rêver en équilibre“ entscheidet sich Fondation Louis Vuitton für Bewegung: Mobile, Stabilisatoren, Drahtfiguren und der Miniaturzirkus Cirque Calder schweben durch Gehrys Gebäude. An der Bourse de Commerce erforscht ‚Chiaroscuro‘ das Erbe des Chiaroscuro, wobei mehr als hundert Werke aus der Pinault-Sammlung Hell und Dunkelheit, Sichtbarkeit und Verschwinden gegenüberstellen.
Praktisch: Die Fondation Cartier befindet sich an der Place du Palais-Royal, fußläufig vom Louvre, Palais-Royal und der Bourse de Commerce. Die Bourse de Commerce und die Fondation Cartier lassen sich problemlos an einem Tag zusammenführen. Die Fondation Louis Vuitton befindet sich weiter westlich, im Bois de Boulogne. Tipp: Berechne dafür separate Reisezeiten. Überprüfen Sie die Zeitfenster im Voraus, besonders bei beliebten Ausstellungen.
Kunst im öffentlichen Raum
Im Innenhof des Palais-Royal, eines historischen Gebäudekomplexes in der Nähe des Louvre, befindet sich „Les Deux Plateaux“ (1985–86) von Daniel Buren (1938), eines der berühmtesten Kunstwerke im öffentlichen Raum von Paris. Die schwarz-weiß gestreiften Säulen stehen in engen Reihen zwischen den klassischen Fassaden. Einige ragen kaum über den Boden hinaus, andere ragen wie durchgeschnittene Säulen aus dem Pflaster empor.
Als es 1986 vorgestellt wurde, führte das Werk zu heftigen Debatten. Heute wird er bestiegen, fotografiert und als Treffpunkt genutzt. Buren stellte keine eigenständige Statue auf einen Platz, sondern legte ein zweites Raster über die bestehende Architektur. So kann man die Symmetrie, den Höhenunterschied und die Leere im Innenhof noch besser erkennen.
Wenn Sie mehr Zeit haben, fahren Sie weiter nach Issy-les-Moulineaux. Als hätte jemand eine Zeichnung von Jean Dubuffet (1901–85) auf monumentale Dimensionen vergrößert: So steht „Tour aux figures“ (1986–88) im Parc départemental de l’Île Saint-Germain, direkt außerhalb von Paris. Die 24 Meter hohe und 12 Meter breite Skulptur erhebt sich zwischen Rasenflächen, Bäumen und Sportplätzen. Die Außenansicht ist frei zugänglich. Mit einer Reservierung kann man auch eintreten, wo ein gewundenes Korridorsystem durch den Turm verläuft.
Praktisch: „Les Deux Plateaux“ liegt in der Nähe des Louvre, der Bourse de Commerce und der Fondation Cartier. Die „Tour aux figures“ befindet sich außerhalb des Zentrums. Tipp: Rechnen Sie mit zusätzlicher Reisezeit. Der Außenbereich ist während der Öffnungszeiten des Parks frei zugänglich. Der Innenbereich kann nur mit einer Führung besucht werden, von März bis Oktober und nach Reservierung.
Studiomuseen am linken Ufer
Es gibt mehrere kleine Künstlermuseen am linken Ufer. Im Musée Bourdelle, dem ehemaligen Atelier von Antoine Bourdelle (1861–1929), stehen Stuck, Bronze und Arbeitszimmer zwischen Arbeitsplätzen, Hochhallen und Innenhöfen. Bourdelle arbeitete viele Jahre als Assistent von Auguste Rodin (1840–1917), entwickelte später eine kantigere, schwerere visuelle Sprache.
Das Institut Giacometti ist Alberto Giacometti (1901–66) gewidmet, der jahrzehntelang in Montparnasse arbeitete. Sein Atelier wurde rekonstruiert, mit Möbeln, persönlichen Gegenständen und bemalten Wänden. Diesen Sommer steht seine surrealistische Periode im Mittelpunkt von ‚Surrealist Giacometti‘. Das Musée Zadkine gehört ebenfalls zu dieser Liste. Im ehemaligen Haus und Atelier von Ossip Zadkine (1890–1967), nahe den Luxemburger Gärten, stehen Skulpturen zwischen hellen Räumen und einem stillen Garten.
Praktisch: Das Musée Bourdelle, das Institut Giacometti und das Musée Zadkine liegen relativ nah beieinander am linken Ufer und lassen sich leicht mit Montparnasse und Jardin du Luxembourg kombinieren. Das Musée Bourdelle ist von Dienstag bis Sonntag geöffnet; Die Dauerausstellung ist kostenlos. Tipp: Für das Institut Giacometti und das Musée Zadkine prüfen Sie im Voraus die verfügbaren Sendezeiten und aktuelle Öffnungszeiten.
Albert Kahn – Weltarchiv in einem Garten
Auf der Westseite von Paris, in Boulogne-Billancourt, liegt das Musée départemental Albert-Kahn. Bankier und Förderer Albert Kahn (1860–1940) schickte ab Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts Fotografen und Kameraleute um die Welt. Ihre Aufgabe: Festzuhalten, wie die Welt aussah, bevor sie sich für immer verändern würde. Das Ergebnis, Archives de la Planète, besteht aus frühen Farbfotografien und Filmen aus Dutzenden von Ländern. Seit 2022 befindet sich die Sammlung in einem neuen Gebäude des Architekten Kengo Kuma. Das Museum befindet sich zwischen Gärten mit französischen, englischen und japanischen Landschaften, Pavillons und Wasserfunktionen.
Praktisch: Das Musée départemental Albert-Kahn befindet sich in Boulogne-Billancourt, außerhalb des Zentrums, aber leicht erreichbar mit der U-Bahn. Verbringen Sie nicht nur Zeit im Museum, sondern auch in den Gärten. Die Kombination aus Skulpturenarchiv, Architektur und Landschaft macht diesen Besuch lohnenswert.
Praktisch
Pässe & Tickets
Wenn Sie mehrere Museen und Denkmäler besuchen möchten, können Sie vom Paris Museum Pass profitieren. Überprüfen Sie im Voraus, welche Orte teilnehmen: Private Institutionen wie die Fondation Cartier, die Fondation Louis Vuitton und die Bourse de Commerce nutzen ihre eigenen Tickets.
Buchen Sie im Voraus
Viele Pariser Museen arbeiten mit Zeitfenstern. Buchen Sie also im Voraus, besonders für beliebte Ausstellungen und für die geführte Tour durch Dubuffets „Tour aux figures“. Bitte beachten Sie, dass viele Museen montags geschlossen sind.
Essen und Schlafen
in Paris ist besonders abends geschäftig. Buchen Sie Restaurants pünktlich, besonders mit mehr als zwei Personen. Rund um Montparnasse und Saint-Germain-des-Prés befinden sich klassische Künstlercafés wie „La Rotonde“ und Café de Flore. Wenn Sie auch die Nacht unter Kunst verbringen möchten, können Sie das Hôtel Grand Amour im 10. Arrondissement oder außerhalb von Paris La Folie Barbizon bei Fontainebleau ansehen.
Sommerreihe von Freiluftausstellungen – Sonsbeek in Arnheim
Unter dem Titel „Ich brauche keinen Garten, ich teile mir einen Park“, entlehnt vom Arnheimer Plakatkollektiv Loesje, dreht sich die Freiluftausstellung Sonsbeek 13 um die Frage, wie Erinnerungen geformt, bewahrt und weitergegeben werden. Diese Ausgabe blickt zurück und ruft zugleich in die Zukunft: mit Kunstwerken über die Geschichte Arnheims und des Parks, aber auch über das Erinnern im Allgemeinen.
Die 19.Ausgabe von Sonsbeek findet im Jahr 2049 statt. Das klingt wie eine trockene Aussage aus dem Mund von Sonsbeek-Regisseur Orlando Maaike Gouwenberg, aber in diesem einen Satz stehen Zukunft, Vergangenheit und Gegenwart. In 23 Jahren wird die älteste wiederkehrende europäische Kunstmanifestation im öffentlichen Raum genau ein Jahrhundert lang existieren. Sonsbeek wurde 1949 vom stellvertretenden Vorsitzenden des Tourismusbüros von Arnhem ins Leben gerufen, um der zerstörten Stadt Touristeneinkünfte zu verschaffen und den traumatisierten Bewohnern eine helfende Hand zu bieten. Der Hunger nach Kunst erwies sich als enorm. Es wurden 125.000 Besucher gezählt.
Sonsbeek wurde ursprünglich als Triennale gegründet und zeigte internationale Skulpturen. Sowohl der dreijährliche Rhythmus als auch die Betonung der Bildhauerei wichen in den 1960er Jahren einem anderen Format. Unter Kuratoren wie Wim Beeren und Jan Hoet entwickelte sich Sonsbeek zu einer hochkarätigen Plattform für bildende Kunst in allen Bereichen, die sich oft über die Grenzen des Parks, nach dem es benannt ist, hinausging. Die Tatsache, dass für jede Ausgabe ein neuer Kurator und eine neue Organisation eingestellt wurde, hielt das Ganze spannend, verursachte aber auch Instabilität. Dies zeigte sich erneut im Jahr 2022, als die Treuhänder aus Protest gegen ein unsicheres Arbeitsumfeld zurücktraten und Sonsbeek mit einem Zusammenbruch drohte. Die Gemeinde Arnheim entschied jedoch, dass das Ereignis gerettet werden müsse, und stellte erstmals in der Geschichte von Sonsbeek einen festen Jahresbeitrag bereit. Dieser Beitrag gibt dem Regisseur so viel Vertrauen in die langfristige Zukunft, dass sogar ein Weg bis zum hundertjährigen Jubiläum bereits vorgezeichnet ist.
Der Ausgangspunkt ‚Erinnerung als lebendiger Akt‘, formuliert von den Gastkuratorinnen Amira Gad und Christina Li für die aktuelle Ausgabe, passt zu diesem erweiterten Horizont. Die von ihnen ausgewählten Kunstwerke handeln von der Geschichte Arnheims und des Parks, aber auch vom Erinnern im Allgemeinen.
Erste bronzene trans Frau
Mit ihrer roten weiblichen Figur im Wasser am Rand des Parks bezieht sich Mounira Al Solh (1978) auf die Phönizier, die vor Tausenden von Jahren aus ihrer Heimat Libanon um die Welt reisten. Die Frau hat ein Boot auf dem Kopf und ein Ruder in der Hand. Aber auch einen Koffer und ein Mobiltelefon, oft das Einzige, was heutige Libanesen bei sich haben, wenn sie vor dem Krieg fliehen – vergleichbar mit Arnhemmers 1944. Das Werk heißt „Und Europa floh“, und die Tatsache, dass Europa auch der Name der phönizischen Prinzessin ist, die vom griechischen Obergott Zeus entführt wurde, schließt den Kreis.
Verkörperte Erinnerung findet sich auch in Puppies Puppies (1989). Diese trans Frau dokumentiert jede Phase ihres Übergangsprozesses, indem sie regelmäßig einen Abdruck ihres Körpers anfertigt. Ihr vorübergehender Zustand, der später nur noch Erinnerung ist, wird dann in Bronze verewigt. Als erste Bronzestatue einer trans Frau weltweit schreibt das Werk auch Geschichte.
Völlig zeitgenössisch ist die Kombination aus 3D-gedruckten Blobs aus synthetischem Harz und Sensoren, die Femke Herregraven (1982) verwendet, um Bodentemperatur und Wasserströmungen an Orten im Park zu messen, wo sich früher Arnheims erstes Industriegebiet befand. KI übersetzt diese Daten in Bilder eines Kunstwaldes, die auf einem großen LED-Bildschirm im Teich angezeigt werden. Das Werk ruft eine mögliche Zukunft aus Daten hervor, die nicht gespeichert sind. Dadurch kann das Bild nicht wiederholt werden und wird sofort selbst zur Erinnerung.
Blumenteppich
Wie die illustren Ausgaben aus den 1970er Jahren hat auch die aktuelle Ausgabe Orte in der Stadt. So wickelte Larry Achiampong (1984) einen Teil von Ubbo Scheffers Skulpturengruppe „Burgers“ auf dem Bürgersteig der Polizeistation in eine panafrikanische Flagge. Nicht, um das Werk zu löschen, wie einige Passanten dachten, sondern um eine zusätzliche Ebene hinzuzufügen: die historisch schwierige Beziehung zwischen schwarzen Mitgliedern der bürgerlichen Familie und der Staatsgewalt. Etwas weiter entfernt hat Anne-Mie van Kerckhoven (1951) einen farbenfrohen Blumenteppich in Form einer Galaxie mit Topfpflanzen angelegt – ein astronomisches Phänomen, das wir nur sehen, wenn es Millionen Jahre alt ist. Nach Sonsbeek werden die 32.940 Pflanzen unter den Besuchern verteilt – um sie als Andenken mit nach Hause zu nehmen.
Das Rozet-Kunstzentrum zeigt Werke des inzwischen verstorbenen On Kawara (1932–2014), der bereits an Sonsbeek 1971 teilnahm, indem er ein Telegramm mit dem Text ‚I AM STILL ALIVE‘ schickte. Unter dem Titel „Reines Bewusstsein“ wurden sieben seiner berühmten Dattelgemälde in einem Kindergarten in Arnheim aufgehängt, in der Erwartung – oder Hoffnung –, dass sie bei den Kindern eine Erinnerung hervorrufen. Erwachsene Gehirne werden an derselben Stelle durch Archivboxen in Regalen stimuliert: Sonsbeeks eigenes physisches Gedächtnis. Aufgrund der organisatorischen Volatilität wurden sie nie bestellt oder auch nur ausgepackt. Aber das wird jetzt passieren. Die nächsten 23 Jahre sollten genug Zeit bieten, um die Vergangenheit zu rekonstruieren.
Sonsbeek 13 kurz zusammengefasst
Zu sehen
sind Kunstwerke von achtzehn Künstlern, von denen zwölf neue Werke auf Auftragsbasis schufen, verteilt über Park Sonsbeek und das Stadtzentrum von Arnhem.
Zeit
Planen Sie mindestens anderthalb Stunden für den Park ein; Wenn du alles sehen willst, brauchst du einen halben Tag.
Verkehr
Leicht erreichbar mit öffentlichen Verkehrsmitteln. Die Werke im Park liegen fußläufig voneinander entfernt. Ein OV-Fiets wird für die Arbeiten in der Stadt empfohlen.
Pause
Im Park bieten das Besucherzentrum Molenplaats und die City Villa Sonsbeek Möglichkeiten für einen Snack und ein Getränk. Im Zentrum ist die Auswahl groß und vielfältig.
Verpassen
Sie nicht „Future Untold“ von Afaina de Jong, ein Werk, das irgendwo zwischen Skulptur und Architektur liegt und in dem Besucher gemeinsam Erinnerungen an die Zukunft schaffen können.
Was macht diese Außenausstellung besonders?
Sonsbeek 13 stellt einen optimistischen Neustart der ältesten Open-Air-Kunstveranstaltung Europas dar, und die Ausstellung spiegelt ein erneuertes Selbstbewusstsein wider. Anspielungen auf Erinnerungen und Erinnerungen machen das Ganze zu einem wunderschön vielschichtigen Ganzen.
Ausstellungsbesuch + Führung ‚Himmlisches Gewölbe‘ + Buch ‚Die Schicksale‘
Erleben Sie, wie der Himmel die Form eines Gewölbes im Celestial Vault“ (1999) annehmen kann, einem künstlichen Krater des amerikanischen Landschaftsmalers James Turrell in den Dünen bei Kijkduin. Für Abonnenten des Museummagazins wurde gemeinsam mit dem Kunstzentrum Stroom Den Haag ein ausführliches Programm zu diesem kosmischen Kunstwerk zusammengestellt.
In Stroom werden Sie durch eine Ausstellung der Künstlerin Ana María Gómez López geführt, die unter anderem das originale maßstabsgetreue Modell des Hemels Gewölbe zeigt. Nach dem Mittagessen besichtigen Sie das Kunstwerk selbst. Die Teilnehmer erhalten außerdem das Buch „Die Abenteuer“ von Sacha Bronwasser mit Rabatt (im Wert von 24,99 €). In dieser Sammlung literarischer Geschichten spielt ein Kunstwerk die führende Rolle.
Nähere Informationen: Stroom Den Haag, Hogewal 1, 2514 HA Den Haag, Internet: http://www.stroom.nl
Verzaubert – Gemälde und Skulpturen von Kenne Grégoire
Seit dem 24. April präsentiert das Jopie Huisman Museum die Ausstellung Verzaubert mit einer Auswahl der schönsten Gemälde und Skulpturen von Kenne Grégoire. Dank großzügiger Leihgaben von Museen und Privatpersonen wurde erstmals eine große Retrospektive seiner Werke der letzten fünfzig Jahre – darunter sehr aktuelle Gemälde und Skulpturen – zusammengestellt. Die Besucher tauchen in seine faszinierende Realität mit wunderschön gedeckten Tischen, besonderen Menschen und wunderbarer Natur ein.
Mit der Realität spielend
Mit seiner phänomenalen Maltechnik des 17. Jahrhunderts und einem anspruchsvollen Farbgebrauch ruft Grégoire eine intensive Atmosphäre hervor. Auf den ersten Blick wirken seine Motive sehr gewöhnlich, doch er verleiht ihnen durch sein feines Spiel mit Perspektive und sorgfältige Kompositionen eine neue Bedeutung. Er mag „genau wie das echte Ding“ und scheut sich nicht vor Tricks, um die Illusion zu suggerieren – zum Beispiel von Dreidimensionalität. Auf diese Weise verführt er einen dazu, genauer hinzusehen: „Ich versuche, den Betrachter dazu zu bringen, scheinbar banale Themen mit neuen Augen zu betrachten.“
Schönheit gewöhnlicher Dinge
„Es sollte nicht nur um dieses Äußere gehen, die Geschichte muss darüber gegangen sein. Was der Lauf der Zeit mit Menschen und ihren Dingen macht, das möchte ich vorschlagen.“
Seine Hauptmotivation ist, die Schönheit sichtbar zu machen. Aber auf eine Weise, die ein Gefühl von Vergänglichkeit erlebt. Genau wie Jopie Huisman stellt er Alltagsgegenstände wie gebrauchte Dosen, rostige Töpfe, abgenutzte Lumpen und abgenutzte Kleidung ins Rampenlicht. Er stellt sie so dar, dass sie eine Geschichte hervorrufen. Was machen diese leeren Gläser, schmutzigen Teller und eine schlafende Katze und ein Mädchen auf dem Tisch? Grégoire gibt ihnen sozusagen eine Hauptrolle in einer Filmszene, die er scheinbar planlos gestoppt hat. Mit der entfremdenden Perspektive verstärkt er auch subtil die Andeutung einer filmischen Bewegung.
Nähere Informationen: Jopie Huisman Museum, Noard 6, Workum, Telefon: +31 515543131, E-Mail: info@jopiehuismanmuseum.nl, Internet: http://www.jopiehuismannmuseum.nl
Ina van Zyl – Woher kommst du?
Seit dem 16. Juni präsentiert das SCHUNCK Museum in Heerlen die erste große niederländische Museumsretrospektive des Werks der Malerin Ina van Zyl (1971). „Where Are You From“ vereint fast dreißig Jahre Werk, von ihren frühen südafrikanischen Comics bis hin zu aktuellen Gemälden. Die Ausstellung zeigt, wie Van Zyl eine eigenständige visuelle Sprache entwickelte, in der Intimität, Spannung und Präzision im Mittelpunkt stehen.
Van Zyl ist bekannt für ihre extremen Nahaufnahmen von Körperfragmenten, Blumen, Früchten und Gegenständen. Die präzise Maltechnik, die geschichtete Struktur und die gesättigten Farben machen ihre Bilder sowohl einladend als auch verstörend. Kunstkritiker Dominic van den Boogerd beschreibt, wie Van Zyl „in der prosaischen Natur der Dinge um sie herum – Objekte, Lebensmittel, Körper und Landschaften – eine erbärmliche Tragödie erkennt, die zugleich absurd ist.“ Diese Spannung zwischen Alltäglichem und Entfremdendem ist eine Konstante in ihrem Werk.
Nähere Informationen: SCHUNCK, Bongerd 18, Heerlen, Telefon: +31 455772200, E-Mail: info@schunck.nl, Internet: www.schunck.nl
Christoph Ruckhäberle – Die vierte Wand
Tanzen, reden, trinken, kämpfen. Die Figuren in den Werken von Christoph Ruckhäberle (1972) scheinen mitten in einem Stück eingefroren zu sein. Ruckhäberles Figuren sind lebendig, sie haben etwas Zeitloses an sich, und die Szenen wirken manchmal entfremdend. Das spricht die Fantasie an: Wie sind diese Menschen zusammen in einem Raum gelandet? Was machen sie? Wohin gehen sie? Lass deine Fantasie freien Lauf. In der vierten Wand hängen Ruckhäberles Zeichnungen und Gemälde an der bunten Tapete, die er ebenfalls entwirft. Große Muster bilden den Hintergrund seiner Figuren und lassen einen das Gefühl haben, selbst auf der Bühne zu stehen.
Nähere Informationen: Drents Museum, Brink 1, Assen, Telefon: +31 592377773, E-Mail: info@drentsmuseum.nl, Internet: http://www.drentsmuseum.nl
Herr Meistermann 