Vor Kurzem eröffnete das Fotomuseum Hilversum die Ausstellung „Blood Ties: Reconciliation after the Genocide in Rwanda“ mit Werken des Fotografen Jan Banning und des Journalisten Dick Wittenberg. Gleichzeitig wurde das gleichnamige Buch veröffentlicht, mit einem Essay des Philosophen Marjan Slob. Die Ausstellung, die noch bis zum 15. März 2026 zu sehen ist, zeigt bewegende Doppelporträts von Tätern und Überlebenden des Völkermords.

Jan Bannings Fotos zeigen nicht nur Opfer und Täter: In jedem Doppelporträt sehen wir Menschen nebeneinander, die eine direkte und schmerzhafte Vergangenheit teilen. Es sind Überlebende, die denen gegenüberstehen, die ihnen oder ihren Familien irreparables Leid zugefügt haben, wie die Tötung eines geliebten Menschen.

Die Bilder, kombiniert mit den Geschichten von Dick Wittenberg, machen greifbar, wie schwer, aber auch menschlich der Versöhnungsprozess ist. Mit „Blood Ties“ präsentieren Banning und Wittenberg eine seltene, nuancierte, aber auch konfrontative Perspektive auf das Thema Versöhnung. In einer Zeit, in der weltweit erneut tiefe Wunden durch Konflikte und Gewalt zugefügt werden, bietet das Projekt keine einfachen Antworten, aber es ist ein kraftvolles Beispiel für die Möglichkeit von Genesung und Menschlichkeit.

Mit „Blood Ties“ haben Jan Banning und Dick Wittenberg bereits sieben internationale Auszeichnungen erhalten und waren mit ihrem Werk bereits unter anderem in Cortona und New York zu sehen. Kürzlich präsentierte Banning das Projekt an verschiedenen Orten in den Vereinigten Staaten, darunter das Center for Documentary Studies der Duke University und das Ford Hall Forum in Boston, wo zuvor Redner wie Malcolm X, Noam Chomsky, Al Gore und Eleanor Roosevelt Gäste waren. Er wurde außerdem für Michelle Bogres Buch „Photography as Activism“ interviewt. Bannings Werk wird von der Robert Klein Gallery (Boston) und der Galerie Fontana (Amsterdam) vertreten.

Im Fotomuseum Hilversum ist „Blood Ties“ nun erstmals in den Niederlanden zu sehen.

Über die Macher

Jan Banning ist ein international anerkannter fotografischer Künstler und Gewinner eines World Press Photo Award sowie unter anderem elf Silberkameras.

Dick Wittenberg ist Journalist und Schriftsteller und arbeitete viele Jahre für das NRC. Gemeinsam mit Banning gewann er den Bob den Uyl Prize für ihr früheres Buch über Dickson, Malawi.

Marjan Slob ist Philosophin und Essayistin. Sie schreibt unter anderem für de Volkskrant.

Nähere Informationen: Fotomuseum Hilversum, Kerkbrink 6, 1211 BX – Hilversum, Telefon 035 6292826, Internet: http://www.fotomuseumhilversum.nl

Mit verstörendem Humor und originellen Kompositionen haben das Fotografenduo Blommers & Schumm in den letzten drei Jahrzehnten die Regeln der Modefotografie herausgefordert. Bei der Retrospektivausstellung „Mid-air“, die noch bis zum 23. Februar 2026 im Fotomuseum Foam in Amsterdam ist nicht alles so, wie es scheint.

Eine Frau in einem ordentlichen blauen Anzug mit Lackschuhen liegt auf der Straße, den Kopf an einem Bordstein gelehnt. Benommen schaut sie in die Kamera, zwischen ihren Zähnen ist eine Lücke, und sie hält eine Zigarette in der Hand. Das Bild charakterisiert sowohl den ästhetischen als auch den disruptiven Fotografiestil von Anuschka Blommers und Niels Schumm (beide 1969).

Sie lernten sich an der Gerrit Rietveld Akademie in Amsterdam kennen und arbeiten seit 1997 zusammen. Während Schumm sich zunächst auf Stillleben und Blommers auf Porträts konzentrierte, entwickelte sich ihre Zusammenarbeit bald zu einer gemeinsamen Praxis.

Einer ihrer ersten Aufträge ist sofort für Viktor & Rolf, das sich mit skurrilen, kreativen und theatralischen Werken einen Namen macht. In den folgenden Jahrzehnten arbeiteten sie für Modemarken wie Gucci, Balenciaga und Hermès sowie für avantgardistische Magazine wie „Self Service“, „The Gentlewoman“ und „RE Magazine“. Das Duo arbeitet fast immer auf Provision, schafft es aber auch, die Grenzen im kommerziellen Rahmen zu verschieben. Und das sorgt für spannende, experimentelle und leicht absurde Bilder. Damit ebneten sie auch anderen den Weg, innerhalb der Modefotografie mehr zu experimentieren.

Mopp und Bügelbrett

Dieser Humor und Witz sind in „Mid-air“ reichlich präsent. Es ist nicht unverständlich, dass der Titel der Ausstellung auf die Momente verweist, in denen Menschen oder Objekte in den Fotografien von Blommers & Schumm für einen Moment zu ’schweben‘ scheinen, aber dennoch perfekt ausbalanciert sind. Das Foto eines Glases, das am Rand eines Tisches balanciert, ist ein gutes Beispiel dafür. Für das Magazin Middle Plane holte Blommers & Schumm David Hockney vor die Kamera. Kein konventionelles Porträt, sondern eine Art Collage aus Alltagsgegenständen: ein Wischmopp für Haare, Bleistifte für eine Nase und ein Modeartikel von Bottega Veneta als Kopfbedeckung. In einem anderen Raum hängt ein Foto einer Frau, die auf einem Bügelbrett liegt, angefertigt für das „Buffalo Magazine“. Auf den ersten Blick sieht es nicht besonders aus, bis man genauer hinsieht. Wenn das Foto um eine Vierteldrehung gedreht wird, scheint das Modell aufrecht auf einem Block zu stehen. Eines der vielen Beispiele in der Ausstellung, in denen Blommers & Schumm mit der Perspektive spielen. Und die deine Aufmerksamkeit sechs Jahre später noch fesseln und dich in leichter Verwirrung und Staunen zurücklassen.

Anti-Glamour

In der Serie „Class of 1998“ für das Magazin „Self Service“ schauen junge britische Mädchen mit geschwollenen Augen, errötendem Rouge und Lippenstift direkt in die Kamera. Niemand lacht, manche wirken schüchtern. Sie sehen aus wie Puppen. Ein Gegenstück zu den glänzenden Modeberichten mit super selbstbewussten Models.

Blommers & Schumm rauben der Modefotografie ihren gewohnten Glamour. Das ist der rote Faden durch ihr Werk. Sie arbeiten genauso gerne mit Familie und Freunden wie mit professionellen Models. Nicht die teure Kleidung steht im Mittelpunkt, sondern das Porträt als Ganzes – die Dynamik der Pose oder des Gesichtsausdrucks einer Person. Immer mit einem überraschenden Winkel.

Die Wand aus Polaroids, auf der sich das Duo als Testmodelle verwendet, ist eine gute Ergänzung. Auch hier keine Perfektion. Das Duo drängt sich dabei in lustige Positionen. Bei ihren Selbstporträts werden ihre Nasen mit Klebeband zu Schweinenasen verzerrt.

Schau, schau, schau

Die Galerietexte sind rar; Der Fokus liegt auf dem Suchen. Im zweiten Raum gibt es drei Bildschirme mit Kampagnen-Bildern. Es ist schade, dass das schnelle Tempo, in dem sie gespielt werden, sodass die Bilder nicht haften bleiben.“Mid-air“ ist am besten, wenn die Werke mit unserer Perspektive spielen, oft mit einem Hauch von Humor. Eine IKEA-Lampe, die wie zwei Beine mit Unterwäsche aussieht, oder ein offenes Buch mit Seiten, die wie zwei Brüste aussehen. Die Fotos in „Mid-air“ bringen einen regelmäßig zum Lächeln. Das Duo fordert dich heraus, weiter genau hinzuschauen. (Text von Rosa Lee Szorzynski, erschienen in der Museumstijdschrift).

Nähere Informationen: Foam Museum Amsterdam, Keizersgracht 609, 1017 DS Amsterdam, Telefon: +31 20 5516 500, Internet: http://www.foam.org

Seit dem 2. Dezember 2025 wird das Museum Hilversum als Fotomuseum Hilversum weitergeführt. Das Museum selbst bezeichnet dies natürlich nicht als Kurswechsel, sondern als klare Profilierung. Schließlich legte das Museum bereits den Schwerpunkt auf zeitgenössische Fotografie und hat ein Programm, das eng mit der sozialen Debatte um die visuelle Kultur verbunden ist.

Hilversum Media City

Das Fotomuseum Hilversum baut auf der reichen Mediengeschichte der Stadt auf. In einer Umgebung, in der Bilder täglich erstellt und geteilt werden, möchte das Museum ein Ort sein, an dem sowohl Fachleute als auch ein breites Publikum zusammenkommen. Mit Schwerpunkt auf Nachrichtenfotografie, dokumentarischen visuellen Geschichten und zeitgenössischer visueller Kultur bietet das Museum etwas, das in unserer schnelllebigen Bildgesellschaft immer seltener wird: Verlangsamung, Kontext und Raum, um wirklich zu schauen.

Fotojournalismus, Pressefreiheit und Dialog

Das Fotomuseum Hilversum zeigt, wie Bilder entstehen, zirkulieren und Bedeutung gewinnen und warum das wichtig ist. Gemeinsam mit langjährigen Partnern wie der Stichting Zilveren Camera und World Press Photo betont das Museum die Bedeutung von Fotojournalismus, Pressefreiheit und Dialog, um unser Verständnis der Welt und der Menschen um uns herum zu vertiefen.

Flooded

„In unserer heutigen Gesellschaft werden wir ständig mit Bildern überflutet. Im Fotomuseum Hilversum können Sie heute mehr über die Rolle der Fotografie erfahren“, sagt Direktorin Fleur van Muiswinkel und stellt sich unter anderem die wichtige Frage: „Welchen Wert hat die Fotografie in einer Zeit, in der KI eine immer wichtigere Rolle spielt? Unser Museum bietet neue Perspektiven.“

Neues Logo

Das neue Logo wurde von der multidisziplinären Designagentur LMNOP entworfen. Sie ließen sich von den Deckenmalereien aus dem 19. Jahrhundert im historischen Teil des Museums inspirieren. An der Decke befindet sich eine Kompassrose, die auf die umliegenden Gemeinden hinweist. Diese Verbindung zur Welt um sie herum ist nach wie vor zentral für den Betrieb des Museums – genauso wie zu Zeiten des ehemaligen Rathauses, so die Pressemitteilung des Museums.Die Enthüllung der neuen visuellen Identität und die Bekanntgabe des neuen Namens fand am 2. Dezember statt.Seitdem gibt es unter dem Begriff FotomuseaNederland sechs Fotomuseen. Neben dem Fotomuseum Hilversum sind es das Nederlands Fotomuseum in Rotterdam (wiedereröffnet im Februar), das Foam in Amsterdam, das Huis Marseille in Amsterdam, das Fotomuseum aan het Vrijthof in Maastricht und das Fotomuseum Den Haag.

Nähere Informationen: Fotomuseum Hilversum, Kerkbrink 6, 1211 BX – Hilversum, Telefon 035 6292826, Internet: http://www.fotomuseumhilversum.nl

Noch bis 8. Februar 2026 präsentiert das in Amsterdam beheimatete Huis Marseille, Museum für Fotografie, mit „Rooms We Made Safe“, die erste Museumsausstellung der aufstrebenden Künstlerin Michella Bredahl (*1988, Greve, Dänemark).

Bredahl ist bekannt für ihre unverwechselbar intimen Porträts von Freunden und Bekannten, die sie in unbewachten Momenten zu Hause festhalten. Doch ein Zuhause bedeutet nicht zwangsläufig Sicherheit. Die Ausstellung ist auf eine zutiefst persönliche Abstammung fokussiert und geht zurück zu Fotografien, die Bredahls Mutter vor ihrer Geburt aufgenommen hat, sowie zu denen, die sie gemeinsam in ihrer Kindheit schufen.

Bredahl wuchs in einem Sozialwohnungsviertel am Stadtrand von Kopenhagen mit ihrer alleinerziehenden Mutter und ihrer jüngeren Schwester auf. Die Wohnung war von einer lebendigen Farbpalette erfüllt, die der vorherrschenden minimalistischen skandinavischen Ästhetik widersprach. Jeder Raum hatte seinen eigenen, unverwechselbaren Farbton: tiefes Blau, leuchtendes Rot und Blumenmuster, die sich über die Oberflächen ausbreiteten.

Als Bredahl sieben Jahre alt war, reichte ihre Mutter ihr die Kamera. Gemeinsam dokumentierten sie ihr gemeinsames, intimes tägliches Leben. In jungen Jahren wurden die beiden Schwestern mit der Sucht ihrer Mutter konfrontiert, die einen tiefgreifenden Einfluss auf sie hatte. In „Rooms We Made Safe“ kehrt Bredahl zum Terrain ihrer Jugend zurück, einst ein gefährlicher Ort, und interpretiert es zu einem kraftvollen künstlerischen Ausdruck. Jeder von Huis Marseilles Räumen ist einer anderen Epoche ihres Werks zugeordnet, was ihrer Dokumentation häuslicher Räume Tribut zollt.

„Viele meiner Fotografien wirken wie Erweiterungen meiner Mutter und Schwester oder sogar wie Selbstporträts.“ (Michella Bredahl)

Erforschung der Weiblichkeit

Kurz nach ihrem Studium begann Bredahl, regelmäßig nach Paris zu reisen, wo sie sich 2020 niederließ. Die Stadt bot die wärmeren Töne, die sie gesucht hatte, sowie eine reiche kulturelle Vielfalt. Bredahl begann, Menschen, die ihr nahestanden, zu dokumentieren: Freunde, die Kinder ihrer Freunde und Künstler aus ihrer Gemeinde. Die Porträts offenbaren eine Anziehung zu Menschen, die ein Gefühl von Weiblichkeit teilen – eine Erfahrung, die sie nicht als fest und exklusiv betrachtet, sondern als fließend, facettenreich und geprägt von der Anwesenheit jedes einzelnen Motivs. Bredahl fotografiert sie in der Sicherheit ihres eigenen Zuhauses und schafft so eine zutiefst persönliche Atmosphäre, die durch die Tiefe und die reiche Farbpalette der analogen Drucke verstärkt wird. Eine umfangreiche Auswahl ihrer Porträts wurde in ihrer ersten Monographie „Love Me Again“(Loose Joints Publishing, 2023) zusammengefasst, die einen Wendepunkt in ihrer Karriere markierte und die Aufmerksamkeit der internationalen Kunstszene auf sich zog.

Pole Dancing

In ihrem Abschlussfilm „Chassé“ (2019), der einer Gruppe von Tänzern folgt, freundete sich Bredahl mit einem der Pole-Dancer an. Sie begannen gemeinsam, Kurse zu nehmen, was der Ausgangspunkt für Bredahls Untersuchung des Pole Dance sowohl persönlich als auch durch ihre Kamera war. Sie ist fasziniert von der enormen körperlichen Kraft, die für die komplizierten Bewegungen erforderlich ist, sowie von dem befreienden Selbstvertrauen der Tänzer in der verletzlichen Position des Entkleideten. Viele der Pole-Tänzer üben es in ihren eigenen Wohnumgebungen. Ihre anmutigen Bewegungen richten sich nach innen, darauf aus, sich in ihrer eigenen Haut schön zu fühlen oder mit den gelegentlichen Augen eines geliebten Menschen geteilt zu werden. Für Bredahl fühlt sich Tanz wie das, was der Fotografie am nächsten kommt: mit einem gemeinsamen Gefühl von Befreiung, Freiheit und dem vollständigen Vorhandensein in einem einzigen Moment. Das Thema ist eine natürliche Erweiterung von Bredahls künstlerischem Interesse am Intimen und Häuslichen. Die daraus entstandenen Fotografien zollen der Stärke des weiblichen Körpers Tribut.

Miu Miu

In Paris wurde Michella Bredahl Teil der lebendigen Kulturszene, in der sie erstmals die renommierte Stylistin Lotta Volkova kennenlernte. Angesichts von Volkovas Rolle als Stylingberater für Miu Miu (ein von Prada ins Leben gerufenes Modelabel) beschlossen sie, an dieser Serie von Pole-Tänzern zusammenzuarbeiten, die in ihren Häusern oder Studios in Paris fotografiert werden und in der Miu Miu Herbst-Winter-2024-Kollektion gestylt werden. Wie in vielen ihrer Werke besetzt Bredahl ihre Freunde und Gemeinschaft als Protagonistinnen in diesen Geschichten. Ihre Porträts sind reich an faszinierenden Widersprüchen. Die manchmal überladenen häuslichen Umgebungen stehen in starkem Kontrast zu den anmutigen Posen der Tänzer. Die Kleidung fügt eine weitere Ebene hinzu: Sie stellt sowohl die Tendenz heraus, Pole Dance mit Striptease gleichzusetzen, als auch den Tanz körperlich zu erschweren, da nackte Haut meist für den Halt unerlässlich ist. Diese Serie wurde als Buch veröffentlicht, und anschließend setzten Bredahl und Volkova ihre kreative Zusammenarbeit fort, indem sie eine Werbekampagne für Miu Miu mit dem Titel „Upcyled 2025“ drehten.

Mutterschaft und Tochtersein

Eines der Themen der Ausstellung ist die Schönheit und Komplexität von Mutterschaft und Tochterschaft. Indem sie Fotos aus ihrem eigenen Familienarchiv zeigt, bezieht Bredahl ihre eigene intime Geschichte und die Entstehung ihrer Arbeit ein. Bilder ihrer Mutter in den 1970-er und frühen 1980er Jahren bringen eine historische Dimension des (Selbst-)Ausdrucks von Weiblichkeit und zeigen, wie ein kreativer Drang weitergegeben wurde. Rohfotos aus den 1990-er Jahren zeigen eine Mutter, die eine Erweiterung durchmacht, gesehen aus der Sicht ihres Kindes. Sie bieten einen ehrlichen Einblick in das Leben einer Familie, mit den Herausforderungen, der Freude und der Komplexität hinter der Geschichte, die nur ein Kind, das sie erlebt, wirklich verstehen kann.

Über Michella Bredahl

Michella Bredahl studierte Fotografie an der Fatamorgana, der Dänischen Schule für Kunstfotografie (2010–2011), gefolgt von einem Abschluss in Dokumentarfilm an der Nationalen Filmschule Dänemarks (2015–2019). 2023 veröffentlichte sie ihre erste Monographie „Love Me Again“ bei Loose Joints Publishing. In den vergangenen zwei Jahren erlangte ihr intimer Zugang zur Porträtmalerei internationale Anerkennung als neue Stimme bei Publikationen wie The Guardian; große Aufträge und die Präsentation „Unmade Beds“ im Projektraum Shoot the Lobster (2023, New York) folgten „Rooms We Made Safe“ ist Bredahls erste große Einzelausstellung im Museum. 2026 werden die Werke im Kunstmuseum Brandts und im Nationalgeschichtsmuseum auf Schloss Frederiksborg in Dänemark gezeigt.

Zur Ausstellung gehört die Veröffentlichung „Rooms We Made Safe“ von Michella Bredahl, veröffentlicht vom Verlag der Buchhandlung Walther und Franz König. Text von Stephanie LaCava, entworfen von Kühle und Mozer.

Nähere Informationen: Huis Marseille, Keizersgracht 401,1016 EK Amsterdam, Telefon: +31 020 531 8989E-Mail:info@huismarseille.nl

Smizing, Squinching, Duckface, Fish Gape, Cheese oder Prunes: Schönheitsideale und Soziale Medien lösen immer schnelllebigere Trends für Porträtfotos aus. Bis zum späten 19. Jahrhundert war das Fotografiertwerden eine Prozedur, die größte Bewegungslosigkeit erforderte, um ein scharfes Bild zu erzeugen, was zu starren und leblosen Gesichtsausdrücken führte.

Die Präsentation „Smile! Wie das Lächeln in die Fotografie kam“ in den Fotoräumen des Museum Ludwig untersucht, wie sich unsere „Fotografiergesichter“ im Laufe der Zeit verändert haben. Sie bringt anonyme Porträtfotografien und künstlerisch gestaltete Porträts aus dem 19. bis 21. Jahrhundert zusammen zu einer Geschichte des Lächelns.

Ob wir lächeln, wenn wir wissen, dass wir fotografiert werden, oder nicht, ob wir dabei Zähne zeigen oder nicht, das hängt von gesellschaftlichen Konventionen und der Entwicklung der Fototechnik ab. So beobachtete der Fotograf Josef Janssen 1878: „[…] schon die Zwangslage allein, in welcher sich die Person im Augenblicke der Aufnahme befindet, genügt, sie an der freien Entfaltung ihrer Individualität zu hindern. Sie soll, an den vielgehassten und gefürchteten und doch unentbehrlichen Kopfhalter gelehnt, unbeweglich und unverwandt eine Zeitlang nach einem bestimmten Punkt hinsehen, der dem Auge gewöhnlich nichts zu betrachten bietet. Was anders kann die Folge davon sein, als Starrheit und Leblosigkeit?“

Dass die Menschen, die im 19. Jahrhundert ins Fotoatelier gingen, um sich fotografieren zu lassen, selten lächeln, entsprach aber auch den Wünschen und Konventionen, wie man sich auf einem Porträt zeigen wollte; diese waren abhängig von Klasse, Gender und Kontext. Gefühle gehörten besser ins Private und nicht auf ein Bild.

Für den Einzug des Lächelns in die Porträts des 20. Jahrhunderts spielte die Entwicklung des Stummfilms eine bedeutende Rolle. Die Mimik war es, über die Regungen erzählt wurden. Dafür zoomte die Kamera immer näher an das Gesicht heran. Parallel dazu lässt sich beobachten, dass das Ganzkörperporträt zunehmend abgelöst wurde vom Fokus auf das Gesicht. Später dann kommt die Werbung hinzu, in der das Glücksversprechen eines Produkts durch das Strahlen der dargestellten Personen kommuniziert wird. Immer höher ziehen sich die Mundwinkel. Eine 2015 erschienene Untersuchung von Schülerporträts aus US-amerikanischen Jahrbüchern konnte belegen, dass das Lächeln seit Anfang des 20. Jahrhunderts kontinuierlich zugenommen hat, wobei Frauen messbar mehr lächeln als Männer. Weltweit lässt sich eine zunehmende Expressivität in der Mimik beobachten. Der Blick in die Modefotografie allerdings zeigt, dass Status und Coolness auch dadurch ausgedrückt werden, wie wenig gelächelt wird. Schon 1927 schrieb der Soziologe Siegfried Kracauer davon, dass sich die Welt – und damit auch der Mensch darin – ein „Photographiergesicht“ zugelegt habe. Die Präsentation im Museum Ludwig, die dort noch bis zum 22. März 2026 zu sehen ist, will zeigen, dass sich daran bis heute nichts verändert hat. Das Lächeln hat eine Geschichte.

Publikation

Zur Ausstellung erscheint eine Broschüre: „Smile! Wie das Lächeln in die Fotografie kam“, hrsg. von Miriam Szwast, mit einem Essay von Katharina Sykora, Broschur, 14, 8 x 21 cm, 48 Seiten, 26 Abb., deutsche Ausgabe, ISBN 978-3-9827144-2-4, 8 Euro.

Nähere Informationen: Museum Ludwig, Heinrich-Böll-Platz, 50667 Köln, Telefon: +49-221-221-26165, E-Mail: infomuseum-ludwig.de. Das Museum ist Dienstag bis Sonntag (inkl. Feiertage) jeweils von 10 bis 18 Uhr und jeden ersten Donnerstag im Monat von 10 bis 22 Uhr geöffnet.

Die australische Künstlerin Rudi Williams präsentiert Fotografien und fotografische Artefakte – teils selbst hergestellt, teils gefunden. Williams Motive bilden stille Räume voller Spuren, die eine Fülle an Assoziationen wecken. In der Ausstellung „6 ½ Wochen – Rudi William – In the air we breathe“, die vom 21. November bis zum 4. Januar 2026 im Museum Folkwang in Essen zu sehen ist, konzentriert sie sich auf kameralose Bilder und Silhouetten, die das Spannungsfeld zwischen An- und Abwesenheit umkreisen und die Darstellung von Verlust thematisieren. Ihre Praxis reflektiert zugleich die Geschichte und die technischen Prozesse der Fotografie, dabei experimentiert sie unter anderem mit frühen Verfahren wie der Daguerreotypie und der Cyanotypie, die auch als „Sonnendruck“ bezeichnet wird.
Die ausgestellten Fotografien, Daguerreotypien und Textilien werden von filigranen Stahlkonstruktionen getragen, die auf museale Präsentationsformen verweisen und die Einzigartigkeit jedes Objekts betonen. So erscheint Fotografie hier nicht als Bilderflut, sondern als Sammlung einzigartiger, atmender Zeugnisse.
Der Titel der Ausstellung „In the air we breathe“verweist auf die Wahrnehmung von Vorzeichen die sich im Sinne des gesellschaftlichen Zeitgeistes abzeichnen, wie zum Beispiel auch die Stimmung um 1839 als die Erfindung der Fotografie bereits ‚in der Luft lag‘ und Bilder erstmals ‚fixiert‘ wurden.

Rudi Williams, 1993 in Italien geboren und sesshaft in Melbourne, ist diesjährige Stipendiatin der Neuen Folkwang Residence. In ihren Ausstellungen kombiniert und kontrastiert sie häufig Bilder, die zu unterschiedlichen Zeiten an verschiedenen Orten aufgenommen wurden und variierende fotografische Formen aufweisen, um ihre eigene Geschichte in Bezug auf Konzepte wie Erinnerung, Temporalität und das Archiv zu reflektieren.

Nähere Informationen: Museum Folkwang, Museumsplatz 1, 45128 Essen, Telefon +49 2018845000, E-Mail: info@museum-folkwang.essen.de