Eugeen Van Mieghem zeichnet Antwerpen in ständiger Bewegung. Anfang des 20. Jahrhunderts veränderte sich die Stadt rasch. Elektrisches Licht, Autos und Straßenbahnen verändern das Straßenbild, der Hafen wächst explosionsartig. Die Stadt ist rund um die Uhr lebendig. Van Mieghem hat ein Auge für hohe und niedrige Kultur, Unterhaltung und Arbeit, Liebe, Leidenschaft und Horror. Er zeichnet ununterbrochen, sein Auge ist seine Kamera, und seine Hand zeichnet mit derselben Geschwindigkeit, wie sein Blick die Welt wahrnimmt. Der Fokus der Ausstellung Eugeen Van Mieghem. Stadt in Bewegung, die noch bis zum 11. Januar 2026 im Koninklijk Museum voor Schone Kunsten Antwerpen (KMSKA) zu sehen ist, liegt auf seinen Pastelltönen und Zeichnungen: zwei Techniken, die perfekt zu seiner nervösen Natur passen. Verspielt, skizzenhaft und direkt fängt er als unermüdlicher Reporter die Dynamik des Alltags ein.

Innovation mit Pastell

In dieser Ausstellung zeigen das Museum nicht nur seine ikonischen Bilder von Hafenarbeitern, Transmigranten, Landstreichern und Prostituierten, sondern auch weniger bekannte, oft noch nie zuvor gezeigte Werke. Van Mieghem verwendet Pastelle anders als seine Zeitgenossen: nicht für ruhige Szenen, sondern um Bewegung und Atmosphäre einzufangen. Von geschäftigen Tanzsälen bis zu einsamen Stadtfiguren, von wirbelnden Karnevalsbällen bis zu monumentalen Hafenblicken – sein Antwerpen strahlt Farbe und Energie aus. Pastell passt perfekt zu Van Mieghem. Es ist günstig, Papier und Kreide sind leicht zu transportieren, und man kann die Zeichnung dauerhaft aktualisieren. Ideal für einen Künstler, der die Straße in sein Atelier verwandelt oder in einem winzigen Atelier arbeitet.

Van Mieghem arbeitet meist in bescheidenem Maßstab. Eine der bemerkenswertesten Ausnahmen ist eine Reihe monumentaler Hafenpastelle aus dem Jahr 1912. Im Museum wird eine große Auswahl präsentiert, besonders aus der Sammlung des Museum Plantin-Moretus – noch nie zuvor waren so viele Bilder zusammen ausgestellt. Die Szenen, die manchmal ebenso impressionistisch wie beeindruckend sind, spiegeln die Entwicklung der modernen Stadt und des Hafens wider. Seine menschlichen Gestalten schrumpfen immer mehr angesichts der Ozeanriesen und der Getreidesilos.

Selbstgemachte Skizzenbücher

Van Mieghem ist ein Do-it-yourself-Typ. Geld ist knapp, also macht er seine Skizzenbücher mit allem, was er findet: Nachrufe, Einladungen und Hafentelegramme. Manchmal so klein wie eine Streichholzschachtel, müssen sie in seine Handfläche passen. Für diese Ausstellung verlassen sie oft zum ersten Mal die Kisten und Schubladen privater Sammler. Seine tausenden Zeichnungen und Skizzen sollten in erster Linie als sein visuelles Archiv und sein äußerst persönliches ‚Tagebuch‘ gelesen werden.

Überblick auf Papier

Kurator Eric Rinckhout greift ebenfalls auf die umfangreiche Schenkung zurück, die die Eugeen Van Mieghem Foundation an die KMSKA gestiftet hat. Alles in allem liefert dies ein breites Bild von Van Mieghems Themen auf dem Papier, wie die Stadt in Bewegung, das menschliche Leid im Ersten Weltkrieg, seine besondere Aufmerksamkeit für jüdische Migranten auf ihrem Weg nach Amerika und die täglichen Aktivitäten von Frauen und Kindern. Van Mieghem wirkt amüsiert über die sich verändernde Welt, bleibt aber ein kritischer Außenseiter.

Van Mieghem ist wahrscheinlich mit der Explosion neuer Kunststile vertraut, die zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts die Kunstwelt überschwemmte. Sie haben keine Kontrolle über seine eigene Entwicklung als Künstler. Er arbeitet weiterhin realistisch, basierend auf seinem sozialen Engagement, seiner scharfen Beobachtungsgabe und einem unaufhaltsamen Drang zu zeichnen. Er schaut, registriert und zeichnet – schnell, farbenfroh und kompromisslos.

Kurator und Autor Eric Rinckhout hat anlässlich der Ausstellung eine Biografie von Eugeen Van Mieghem vorgelegt, die Ende September 2025 bei Pelckmans veröffentlicht und im KMSKA präsentiert wurde.

In der Ausstellung „Eugeen Van Mieghem. Stadt in Bewegung“ konzentrieren sich KMSKA-Kuratorin Cathérine Verleysen und Gastkurator Eric Rinckhout auf den Maler als leidenschaftlichen Chronisten des harten Alltags der Menschen in seiner schärfsten Form.

Ein Doppelgespräch – Von Frank Heirman

Am 1. Oktober, genau vor 150 Jahren, wurde Eugeen Van Mieghem (*1875 – +1930) an den Anzern Schelde-Kais geboren. Im vergangenen Jahr spendete die Eugeen Van Mieghem Stiftung 226 Werke des Künstlers an die KMSKA. Und da ist die fesselnde Biografie, die Eric Rinckhout nach langer Recherche fertiggestellt hat. Aber selbst ohne diese Gründe verdient Van Mieghem diese Würdigung. Obwohl er sein ganzes Leben in Antwerpen lebte und arbeitete, hatte er nie eine Einzelausstellung im wichtigsten Kunsttempel seiner Stadt.

Cathérine Verleysen: „Wir präsentieren tatsächlich die erste monografische Ausstellung, aber das Museum hat eine lange historische Verbindung zum Künstler, wie zu vielen Antwerpener Künstlern. Bereits 1923 kaufte die KMSKA das monumentale Gemälde Frauen am Hafen, das damals im Triennalen Salon ausgestellt war. Van Mieghem nahm auch an vielen Veranstaltungen von Kunst van Hedenteil. Sie fanden nicht im Museum selbst statt, aber die Organisatoren waren Schirmherren der KMSKA. Werke von Van Mieghem wurden auch in Gruppenausstellungen nach dem Krieg gezeigt, wie Antwerpen 1900, Nood zoekt brood und In dienst van de kunst.“

Eric Rinckhout: „Ursprünglich hatten wir die Absicht, Van Mieghem in Konfrontation mit einigen Zeitgenossen darzustellen. Cathérine schlug jedoch die Idee vor, sich auf Van Mieghem selbst und seine Arbeit auf dem Papier zu konzentrieren. Seine Pastellen und Zeichnungen sind – mehr als seine Gemälde und Radierungen – voller Dynamik und zeigen seine schnelle, nervöse Arbeitsweise. Wir haben sechzig Werke und eine Handvoll Skizzenbücher ausgewählt, von denen wir glauben, dass sie seinen Ansatz hervorragend veranschaulichen. Das ist nur ein Bruchteil seines Werks, das wir mit einer konservativen Schätzung von 5000 Zeichnungen und 1000 Pastellen und Gemälden berechnen können.“

Van Mieghem war ein Workaholic?

Cathérine: „Diese hohe Zahl zeigt seinen Antrieb, auch seine schnelle Blickweise. Tag für Tag tauchte er in das sich ständig verändernde Alltagsleben der Stadt Antwerpen ein. Er wollte sofort festhalten, was er sah, in einem Schnappschuss – ungelackt, manchmal intensiv und meist sozial sensibel.“

Eric: „Van Mieghem war ein Zeitgenosse und Konkurrent des Straßenfotografen. Soweit wir wissen, hatte er keine Kamera. Mit seinem Skizzenbuch und seinem Bleistift machte er Schnappschüsse. Er konnte das fast so schnell wie ein Fotograf, denn Fotografie war damals ein viel langsameres Medium als heute. Er hatte immer ein Skizzenbuch zur Hand, manchmal unschön klein. Er hat sie selbst aus recyceltem Papier gemacht, das er zusammengenäht hat.“

In den letzten Jahrzehnten haben wir hauptsächlich thematische Ausstellungen mit Hafen und Migranten als Speerspitzen gesehen. War das auch dein Ansatz?

Eric: „Obwohl auch diese Themen besprochen werden, beginnen wir nicht mit den Themen. Unser Leitprinzip ist die Darstellung von Dynamiken. Das bietet einen frischen Ansatz. In der Ausstellung zeigen wir nur Pastell, Zeichnungen und Werke in einer gemischten Technik. Damit wusste er, wie er das Leben sowohl in seinen schwersten Momenten als auch in der Party-Trunkenheit am stärksten ausdrücken konnte. Ölfarbe trocknet langsamer. Das passte ihm offensichtlich nicht so sehr. Er konnte schneller in Pastell arbeiten.“

Cathérine: „Um die Jahrhundertwende war Pastell eine beliebte Technik von Symbolisten wie Léon Spilliaert, William Degouve de Nuncques oder Fernand Khnopff. Für sie hat ein Pastellbild etwas Spirituelles und Nebels. Van Mieghem verwendet Pastelle auf eine völlig andere Weise, eher wie die Impressionisten malten. Das Flüssige und Energiegeladene liegt in seinen Pastelltönen, etwa bei Edgar Degas oder Armand Guillaumin, deren Werke er in den Salons der La Libre Esthétique in Brüssel sah.“

Van Mieghem sah, wie sich die moderne Gesellschaft rasant weiterentwickelte. Und doch machte er nie den Schritt zum Modernismus in Bezug auf die Form?

Cathérine: „Er war definitiv auf dem neuesten Stand. Evolution liegt in dem, was er um sich herum gesehen hat. Er wuchs in einer Stadt auf, die sich schnell veränderte. Sein Geburtsort an den Kais wurde durch die Begradigung der Schelde zerstört. Er sah, wie die Schiffe und Maschinen im Hafen immer mächtiger wurden und die Arbeiter immer kleiner wurden. Doch seine sozialen Themen sind viel breiter: Sie zeugen von einer sozialen Sensibilität, die er mit seinen Zeitgenossen teilte.“

Eric: „Technisch gesehen gibt es Evolution in seinem Werk. Er war kein Wunderkind und seine ersten Zeichnungen wirken manchmal noch unbeholfen. Im ersten Jahr an der Akademie war er der Erste, aber danach verschlechterten sich seine Noten. Vielleicht entsprach seine Arbeit immer weniger dem akademischen Stil, den die Lehrer von ihm erwarteten. Er fand seinen eigenen Weg. Ende des 19. Jahrhunderts liegt Melancholie in seinem Werk. Er las Goethes Die Leiden des jungen Werthers und fertigte Selbstporträts an, was er später kaum noch tat, sondern nur als Cameo. Dann wandte er entschlossen seinen Blick nach außen und begann, das zu zeichnen, was er vor seinen Augen sah.“

Welche Einflüsse sehen Sie in seiner Arbeit?

Eric: „Van Mieghem wuchs in einer Stadt auf, die geschmacklich sehr konservativ war, aber künstlerisch in Bewegung. Für den jungen Van Mieghem waren Henry Van de Velde und seine Teilnahme an der Kunstgruppe De Scalden entscheidend. Während Van Mieghem an der Akademie unterrichtete, organisierte Van de Velde mit seiner Association pour l’Art bahnbrechende Ausstellungen in den Akademiegebäuden. Van Mieghem sah Federzeichnungen von Vincent van Gogh und Plakate von Henri de Toulouse-Lautrec. Noch bevor er von der Akademie ausgeschlossen wurde, trat er De Scalden bei. Diese Vereinigung wird manchmal als Karnevalisten abgetan, war aber wichtige Förderer der angewandten Künste. Anfangs humpelte Eugeen Van Mieghem auf zwei Beinen und unterstützte diese Richtung. Bis er sich entschied, der leidenschaftliche Reporter seiner Zeit zu werden.“

Cathérine: „In seinen Kompositionen stellt er gerne eine menschliche Figur in den Vordergrund und eine Landschaft oder Szene im Hintergrund. Théophile-Alexandre Steinlen und Edvard Munch beeinflussten ihn hier.“

Gibt es ein Highlight?

Eric: „1912 war ein Höhepunkt. Van Mieghem hatte dann seine erste Einzelausstellung im Kunstverbund, heute in der Arenbergschouwburg, die erfolgreich war. Nichts zu früh, denn er war damals schon 37. Aus dieser Zeit bewahrt das Museum Plantin-Moretus eine Reihe großer Pastelle, die Hafenszenen darstellen. Das sind überwältigende Panoramen, durchzogen von arbeitenden Hafenarbeitern und manchmal Migranten. Alle seine Themen sind darin enthalten.“

Cathérine: „Der Effekt kribbelt vor Leben. Er verwendete wunderschönes und teures Papier, was für Van Mieghem außergewöhnlich war, der sonst jeden Papierstreifen wiederverwendete. Sie scheinen eine Serie zu bilden, möglicherweise eine Kommission. Eine Reihe kleinerer Werke können als vorbereitende Skizzen daran verknüpft werden.“

Ist das Bild von Van Mieghem als mittelloser und missverstandener Künstler korrekt?

Eric: „Es gab sicherlich Zeiten, in denen er es schwer hatte. 1920 war ein Wendepunkt. Anschließend wurde er an die Antwerpener Akademie berufen, und es gab einen wachsenden Markt für seine Gemälde. Das hatte auch einen Nachteil. Er wiederholte Themen, die die Käufer ansprachen, und begann, häufiger in großem Format mit Ölfarbe zu malen. Die Schärfe verschwand und der Schmerz verschwand leider etwas aus seiner Arbeit. Abgesehen davon gibt es sicherlich Überraschungen in seinem späteren Werk. Zum Beispiel experimentierte er mit Monotypien, einer Technik, die zu ihm passte.“

Cathérine: „Van Mieghems Werke wurden auf belgischen Ausstellungen im Ausland gezeigt und landeten sogar in Museen wie denen in Budapest und Belgrad. Auch nach seinem Tod gab es weiterhin Verkäufe. Erst nach dem Zweiten Weltkrieg verschwand er, wie viele seiner Zeitgenossen, aus dem Blickfeld, bis der stets engagierte Erwin Joos mit seiner Eugeen Van Mieghem Foundation und später mit einem Museum das Blatt änderte.“

Eine lang erwartete Biografie wird zu dieser Ausstellung veröffentlicht. Eric, du hast jahrelang dafür recherchiert. War es eine schwierige Suche?

Eric: „Van Mieghem hatte ein paar Freunde aus der Künstlerszene, mit denen er in ein Café ging, aber es gab niemanden, dem er sein Herz ausschüttete. Erst aus den letzten Jahren seines Lebens, als er kränklich und an sein Zuhause gefesselt war, gibt es Briefe, in denen er sich zeigte. Meine Hauptquelle waren seine Zeichnungen, die ich als Tagebücher betrachte. Sie erzählen seine Lebensgeschichte.“

Er scheint ein schwieriger Mensch gewesen zu sein.

Eric: „Er war belesen und fließend zweisprachig. Ich erlebe ihn als nervösen oder aufgewühlten Mann. Ich habe keine medizinischen Berichte über ihn gefunden, aber er hatte zunehmend mit seiner Gesundheit zu kämpfen und begann, Heilungen in Sanatorien oder Zentren für Nervenkrankheiten einzunehmen. Hatte er Tuberkulose, wie seine erste Frau Augustine Pautre? Vielleicht. In einem Brief beklagte er sich, dass er Schwierigkeiten mit den motorischen Fähigkeiten habe, was wiederum auf Parkinson hindeuten könnte.“

Cathérine: „In seiner Kunst war Van Mieghem Beobachter und Reporter. Er selbst war nicht so besorgt um die Psyche.“

Wie haben sie die Ausstellung angelegt und wen wollen sie ansprechen?

Eric: „Wir haben oft selten ausgestellte Werke aus der Spende der Van Mieghem Foundation an die KMSKA, aus verschiedenen Privatsammlungen – mit freundlicher Genehmigung von Erwin Joos – und aus der riesigen Sammlung des Druckraums des Museums Plantin-Moretus ausgewählt. Wir wollen ein möglichst breites und abwechslungsreiches Bild davon geben, was Van Mieghem faszinierte: die schicke Unterhaltung auf der De Keyserlei und in den Theatern neben dem harten Leben im Hafen, Porträts seiner kranken Frau neben atmosphärischen Stadtansichten. Hoffentlich sprechen wir damit ein junges und internationales Publikum an.“

Cathérine: „Obwohl seine Werke oft klein sind, gibt es so viel darin zu entdecken. Was die technische Umsetzung betrifft, sind sie oft auch komplex. In seinem Werk erleben wir eine Gesellschaft in Bewegung, in all ihren Facetten. Wir möchten dieses Zuschauervergnügen so gut wie möglich teilen.“

Nähere Informationen: KMSKA, Leopold de Waelplaats 1, 2000 Antwerpen, Telefon +32 32247300, E-Mail: hello@kmska.be

1938 hielt René Magritte am Koninklijk Museum voor Schone Kunsten Antwerpen (KMSKA) einen Vortrag über seine Realitätsvision. Er diskutiert die Ursprünge und Entwicklung seiner Kunst sowie die Geschichte der surrealistischen Bewegung in Belgien. Unter dem Titel „La ligne de vie“ war dieser Vortrag der wichtigste Vortrag, den Magritte je über sein Werk hielt.

Die Ausstellung „Magritte. La ligne de vie“, die noch bis zum 22. Februar 2026 im KMSKA zu sehen ist, kehrt zu diesem Schlüsselmoment der belgischen Kunstgeschichte zurück. „Gehen Sie sozusagen durch Magrittes Vortrag und lassen Sie sich von seinen eigenen Worten und den damals beschriebenen Gemälden leiten“, heisst es vonseiten des KMSKA. Wie er beginnt man mit seinen frühen Werken und geht an Gemälden voller visueller Rätsel und Wortspiele vorbei, wie „Ceci n’est pas une pipe“. Magritte selbst erklärt, warum er so oft Bäume und Fenster malte und was hinter diesen Motiven steckt.

Gleichzeitig zeigt die Ausstellung, wie wichtig dieser Vortrag für die surrealistische Szene in Antwerpen war. Persönlichkeiten wie Marcel Mariën und Léo Dohmen, die später den Nachkriegssurrealismus in Flandern prägen sollten, fanden ihren Wegbereiter in Magritte. Sein Auftritt bei der KMSKA war ein Wendepunkt: Magritte präsentierte sich nicht nur als Künstler, sondern auch als Denker. Sein bodenständiger, visueller Ansatz steht im Widerspruch zum verträumten französischen Surrealismus und gibt den Ton für eine eigenwillige belgische Variante, in der das Geheimnis im Banalen liegt.

„Die Natur gibt uns den Traumzustand, der unserem Körper und Geist die dringend benötigte Freiheit bietet.“ (René Magritte, während seiner Vorlesung La ligne de vie)

Es ist kein Zufall, dass diese Ausstellung parallel zur Ausstellung über Marthe Donas verläuft. Beide Ausstellungen repräsentieren zwei verschiedene Strömungen innerhalb des Modernismus. Und obwohl Magritte zunächst mit Abstraktion experimentierte, lehnte er dieses Gemälde ab und schlug seinen eigenen Weg ein. Er wollte Ideen malen.

Die Ausstellung im KMSKA erfolgt in Zusammenarbeit mit der Fondation René Magritte.

Nähere Informationen: KMSKA, Leopold de Waelplaats 1, 2000 Antwerpen, Telefon +32 32247300, E-Mail: hello@kmska.be

Am 25. November 2025 sind es 50 Jahre her, dass Suriname unabhängig wurde. Das Museum Cobra in Amstelveen feiert diesen historischen Moment mit einer groß angelegten Ausstellung: „Wi Sranan. Surinamische Kunst in Bewegung“.

Noch bis 1. März 2026 werden 24 Künstler und ein Künstlerkollektiv den Kampf, die Transformation und die Zukunft der Freiheit mit bestehenden und neuen Werken darstellen. Mode, Fotografie, Gemälde, Installationen, Film und Performances zeigen, wie Geschichten aus der Vergangenheit in der Vorstellung der Gegenwart weiterleben – und wie Künstler die Bedeutung von Freiheit immer wieder neu definieren, mit Blick auf die Zukunft.

„Die Künstler in Wi Sranan machen greifbar, wie Traditionen sich verändern können, wie Identität ständig neu geformt wird und wie Kunst Raum für Dialog und Vorstellungskraft schafft. Es ist eine Hommage an Suriname und eine Einladung an uns alle, über Gemeinschaft und die Zukunft nachzudenken“, sagt Direktorin Suzanne Wallinga.

„Wi Sranan. Surinamese Art in Motion“ wird vom Gastkurator Noukhey Forster kuratiert, der für seine Arbeit zu Inklusion und neuen Erzählungen in Kunst und Mode bekannt ist. Die Ausstellung umfasst Werke von Totomboti, Neil Fortune, Guillaume Lo A-Njoe, Sheila Janet Pinas, jahi quasim reeberg, Tessa Leuwsha, Marga Weimans, Angel-Rose Oedit Doebé, Meredith Joeroeja, Soeki Irodikromo, Dhiradj Ramsamoedj, Isan Corinde, Kenneth Flijders, Kurt Nahar, Maikel Deekman, Patricia kaersenhout, Reilly do Rosario, Rinaldo Klas, Remy Jungerman, Sara Blokland, Sarojini Lewis, Sri Irodikromo, Xavier Robles de Medina. Marcel Pinas und Iris Kensmil.

Freiheit in Bewegung

Das Thema Freiheit ist der rote Faden der Ausstellung. Es passt nahtlos zum Geist von Cobra, das einst mit akademischen Regeln brach und die Kraft von Vorstellungskraft und Zusammenarbeit umarmte. In einer Zeit, in der Debatten über Meinungsfreiheit und die soziale Rolle der Kunst aktueller denn je sind, stellen die Künstler von Wi Sranan dringende Fragen in ein neues, vielstimmiges Licht. Wallinga: „Mit Wi Sranan, was grob ‚Unser Surinam‘ bedeutet, bieten wir unseren Besuchern die einzigartige Gelegenheit, Cobra- und surinamische Kunst in einem neuen Licht zu entdecken.“

Die Ausstellung „Wi Sranan“ steht im Einklang mit dem historischen Austausch zwischen Cobra und Suriname. Cobra-Künstler wie Corneille (1922–2010) ließen sich vom surinamischen Tembe und der Maroon-Kultur inspirieren, während surinamesische Künstler wie Erwin de Vries (1929–2018), Soeki Irodikromo (1945–2020) und der Zeitgenoss Guillaume Lo A-Njoe (1937) den experimentellen Geist von Cobra übernahmen. Während diese Generation damals einen Dialog mit Cobra führte, setzen zeitgenössische Künstler diese Tradition der Vorstellungskraft fort, jeder aus seiner eigenen Perspektive.

Vielfalt als Quelle der Vorstellungskraft

Suriname hat eine reiche, vielschichtige Geschichte und eine Gesellschaft mit beispielloser kultureller Vielfalt. Diese Vielfalt hallt in der Kunst wider: in Bezug auf Erbe und Traditionen, aber auch in futuristischen Perspektiven und radikaler Vorstellungskraft. In der Ausstellung verleihen die Künstler der Geschichte Surinames jeweils ihre eigene Stimme: von Erinnerung und Ritual bis hin zu Experimenten und Avantgarde.

Tembe-Kunst und indigene Stimmen

Ein wichtiger Teil der Ausstellung ist der Maroon-Kunst gewidmet, mit besonderem Augenmerk auf Tembe-Kunst, eine Kunstform der Maroon-Kultur, die sich sowohl in farbenfroher Malerei als auch in raffinierter Holzschnitzerei ausdrückt. Dabei kommen Kampf, Schönheit und kulturelle Freiheit zusammen. Auch die surinamische indigene Kunst erhält einen prominenten Platz: Die Werke der ersten Bewohner Surinames, die selten als vollwertige Kunstform anerkannt werden, werden hier von jungen Künstlern stolz in ihren Arbeiten verwendet. Indem Museum Cobra diese Kunstformen sichtbar macht, möchte es nicht nur Tribut zollen, sondern auch einen breiteren Dialog über Erbe, Identität und Zukunft anregen.

Komposition und neue Aufträge

Dank intensiver Zusammenarbeit mit Künstlern, Verleihern und Institutionen aus Suriname und den Niederlanden kann das Museum Cobra eine vielseitige Auswahl zeitgenössischer surinamischer Kunst zeigen. Neben bestehenden Werken sind auch neue Auftragsarbeiten zu sehen, bei denen die Zusammenarbeit mit lokalen indigenen Machern eine wichtige Rolle spielt. (Text aus Museumstijdschrift)

Nähere Informationen: Museum Cobra, Sandbergplein 1, 1181 ZX Amstelveen, Telefon +31 (0)20 5475050, E-Mail: info@cobra-museum.nl.

Jeder Mensch muss früher oder später mit Verlust umgehen. Ob es nun der Verlust eines geliebten Menschen, eines Haustiers oder einer Heimat ist. Wie gehen Sie mit dem Verlust um und wie halten Sie Ihre Liebsten nah bei sich? In der Ausstellung „Masses as a Round Shape“, inspiriert vom von der Kritik gefeierten Buch gleichen Namens der Schriftstellerin und Kuratorin Hanne Hagenaars, präsentiert das Stedelijk Museum Schiedam noch bis zum 1. März 2026 eine Sonderauswahl von Kunstwerken von mehr als dreißig (inter)nationalen Künstlern, die sich mit Verlust und Weiterleben beschäftigen, aber auch mit Festhalten und Lebenskraft. Auf inspirierende Weise werden die Besucher von tiefgründigen Werken und Geschichten von Aysen Kaptanoglu, Minne Kersten, Kevin Simón Mancera, Keetje Mans, Job Koelewijn, Berend Strik, Aline Thomassen, Efrat Zehavi und vielen anderen mitgenommen. Künstler, jeder mit seiner eigenen Geschichte und persönlichen Erfahrungen, und dennoch für alle erkennbar. Die Ausstellung hebt die Kraft von Kunst und Vorstellungskraft hervor, um mit Verlust umzugehen.

Missing as a round shape

Im Buch „Missing as a round shape“ (2023) erläutert Hanne Hagenaars, wie man Kunstwerke nutzen kann, um sicherzustellen, dass man jemanden nicht völlig verliert, und wie man ihn oder sie – oder sich selbst – am Leben erhalten kann. Während des Schreibens entdeckte sie, dass der Verlust eines geliebten Menschen leichter zu ertragen sein kann, wenn man das Gefühl hat, Teil eines größeren Ganzen zu sein, wenn man an mehr als ’nichts‘ glaubt – zum Beispiel an ein Leben nach dem Tod, eine Seele, einen Gott oder ein gesellschaftliches Ideal, für das man kämpfen kann. Spiritualität spannte sich durch das Buch als zusätzliche Schicht. Sie war auch berührt davon, wie mit dem Tod in verschiedenen Kulturen umgegangen wird.

Hanne hat eine Faszination für verlorene Erinnerungen, ausgelöst durch den frühen Tod ihrer Mutter. Sie war achtzehn Jahre alt, hatte gerade die High School abgeschlossen und war bereit, das Leben anzunehmen. Die darauf folgende erdrückende Stille, weil in der Familie kaum über ihre Mutter gesprochen wurde, führte viele Jahre später zu „Messen als Rundform“. Hanne sagt: „Jetzt, wo ich viel älter bin als meine Mutter es je war, bleibt noch Zeit, die fehlende Stille auszugleichen. Hier, bitte, ein Buch.“

Kunst als etwas, an dem man festhalten kann.

Die Ausstellung „Massen als runde Form“ ist eine Fortsetzung des Buches, keine wörtliche Übersetzung. Es ist auch keine düstere Ausstellung; Trauer und Schmerz werden nicht ignoriert, aber die Lebenskraft, um mit Verlust umzugehen, spielt eine wichtige Rolle. Gemeinsam mit dem Museum bringt Hanne Künstler zusammen, die jeweils ihre eigene Geschichte haben und Kunst als Sprache nutzen, um Erfahrungen oder Erinnerungen darzustellen.

Zum Beispiel geht die Künstlerin Marenne Welten (*1959) seit zwanzig Jahren in Gedanken durch die Zimmer ihres Elternhauses. Genauer gesagt das Wohnzimmer, in dem ihre Mutter ihr erzählte, dass ihr Vater gestorben sei. Seit zwanzig Jahren hält sie die Erinnerungen dieses Ortes in ihren Gemälden fest. Sie malt den Raum nicht buchstäblich, sondern das Gefühl, im Raum zu sein. Dieses Wohnzimmer wird somit zu einem mentalen Raum, in den sie zurückkehrt.

Job Koelewijn (*1962) hielt seine Erinnerungen an seinen Vater in steifen alten Männerunterhosen fest. Eine sehr häusliche und alltägliche Sache, die mit etwas Großem zu tun hat. Es sind die Unterhosen, die Koelewijns Vater auf dem Sterbebett trug. Ein Stück Stoff, das um seinen toten Körper gelegt wurde und nun als Kunst präsentiert wird. Das macht es mehr als nur Unterhosen. Es ist ein intimes und lebendiges Bild, das heute nur noch als Fotografie existiert.

In ihrem Film „Tela Bordada Sao Paulo“ nimmt die Brasilianerin Teresa Margolles (*1963) den Mord an mindestens 125 trans Frauen im Jahr 2018 als Ausgangspunkt. Mit Hilfe von Freunden eines der Opfer zieht die Künstlerin ein Stück Stoff auf den Boden, an dem ihre Leiche gefunden wurde. Dann machen Verwandte und Mitglieder der trans Community eine Stickerei darauf. Die Muster beziehen sich auf Trauer und Hoffnung. Stickerei ist somit eine Verarbeitung des Dramas sowie ein Akt des Widerstands und der Bedeutung.

In ihrem Werk spielt die in der Mongolei geborene Künstlerin Odonchimeg Davaadorj (*1990) auf eine Welt nach dem Tod an, in der Natur, unsichtbare ökologische Systeme und Lebewesen wieder harmonisch zusammenkommen. Zum Beispiel stellt sie einen Menschen und einen Vogel in einer symbiotischen Beziehung dar, basierend auf der Frage, ob es nach dem Tod noch eine Unterscheidung in der Beziehung lebender Wesen zueinander gibt.

Im Werk des Künstlers Aysen Kaptanoglu (*1985) fliegen Vögel in einer weiten und farbenfrohen Landschaft. Sie zeigen den Tod ihres Vaters und seinen Übergang zum übernatürlichen Leben.

In den Gemälden von Keetje Mans (*1979) sind Himmel und Erde durch Kerzenlicht verbunden. Das Ritual, eine Kerze anzuzünden, findet in allen Kulturen statt. Eine Kerze anzuzünden ist ein Akt, Kontakt mit etwas so Unsicherem, Unklarem und Flüchtigem wie dem Tod aufzunehmen. Eine flackernde Flamme scheint eine treffende Metapher für die Seele zu sein. Der Mensch spricht von einer anderen Welt, davon, sich mit etwas Höherem zu verbinden. „Ich möchte, dass die Arbeit auf einer dünnen Linie läuft, was sowohl gut als auch schlecht ist, es ist ein bisschen eine Grauzone, wie ein Mensch es sein könnte.“ Kunst als eine Linie zwischen dem Irdischen und dem Himmlischen, genau auf jener Linie, an der sich der Verlust zeigt.

Verlust als universelles Thema

Die persönlichen „in memoriams“ der verschiedenen Künstler, in unterschiedlichen Techniken, Materialien und Formen tragen zur heilenden Wirkung des Verlusts bei – für sich selbst, aber auch für alle, die sich damit verbinden können. Sowohl das Anfertigen als auch das Betrachten eines Kunstwerks können Orientierung bieten. Noch mehr als im Buch ist die zentrale Frage, wie man nach Verlust, Schmerz und Trauer weiterlebt, egal ob etwas ‚Größeres‘ hilft oder nicht. Das Fehlen fühlt sich also nicht mehr wie eine Linie mit Anfang und Ende an, steigend oder fallend, sondern wie eine runde Form.

Die Ausstellung „Messen als Rundform“ umfasst einen gesamten Flügel des Stedelijk Museum Schiedam, die Werke sind lose um mehrere Themen gruppiert.

Anne de Haij, Direktorin des Stedelijk Museum Schiedam, erläutert: „Als Hanne ihr Buch „Messen als runde Form“ veröffentlichte, waren wir sofort berührt. Das Thema trifft einen besonderen Nerv. Verlust und der Umgang damit sind ein universelles menschliches Thema, das in einer unsicheren Zeit wie der Gegenwart wichtiger erscheint als je zuvor. Wir sahen eine wunderbare Gelegenheit, diese Unsicherheit durch Kunst auszugleichen. Und ermutige zu einem offenen Gespräch darüber, wie man nach einem Verlust bei so vielen Menschen wie möglich weitermachen kann. Wir hoffen, eine größere Gruppe von Menschen ein wenig näher an sich selbst, einander und an die Kunst zu bringen.“

Ko-Entstehung mit Schiedammern

Natürlich beziehen wir als Stedelijk Museum Schiedam auch Schiedammer und städtische Partner für diese Ausstellung ein. Diese Zusammenarbeit nimmt Gestalt in der Ausstellung „The Love Behind Missing“ an, in der neun Schiedammer ihre persönlichen Geschichten teilen. Ob es nun um das Vermissen eines geliebten Menschen, dessen Heimatland, Gesundheit oder Haustier geht. Die Gruppe ist vielfältig hinsichtlich Alter (zwischen 10 und 63), kulturellem und religiösem Hintergrund und zeigt jeweils eine andere Art, mit Verlust umzugehen. Die Teilnehmer werden von der Stadtprogrammiererin Dorien Theuns und der Trauerberaterin Jessie Pley geleitet. Außerdem hat eine der Teilnehmerinnen eine Doppelrolle: Indra Diallo hat viel Unterstützung durch das Harfenspiel erhalten, um ihren eigenen Verlust zu erleben. Nach ihrer Ausbildung in Musiktherapie begleitet sie nun auch andere durch Heilharfen-Sitzungen. Auf diese Weise hat sie die anderen Teilnehmer mit ihrer Harfenmusik auch näher an ihre Gefühle herangeführt. Der Rotterdamer Künstler Efrat Zehavi arbeitet mit allen Beteiligten an einem künstlerischen, intimen Gedenken für ihren Verlust. Ihre keramische Arbeit wird zu einem ’spirituellen Geschenk‘ für jeden Teilnehmer.

Die rote Linie in der Ausstellung ist, dass das Fehlen das Gegenteil von Liebe ist. Es wird daher ein warmer Ort sein, in dem Sie als Besucher auch dem geliebten Menschen, den Sie vermissen, mit einem kleinen Ritual Aufmerksamkeit schenken können. Darüber hinaus organisiert das Museum eine Reihe verwandter Aktivitäten mit und für Schiedammer, wie eine Dia de Muertos-Feier und einen Wunschbaum, um an die Liebsten zu erinnern. Sobald die Daten bekannt sind, finden Sie sie hier auf der Website.

Über Hanne Hagenaars

Gastkuratorin Hanne Hagenaars (*1960) ist Kuratorin, Schriftstellerin und Lehrerin. Sie gründete mehrere Kunstzeitschriften, darunter „Mister Motley“, mit denen sie Kunst und Leben zusammenbrachte und es einem breiten Publikum zugänglich machte. Hagenaars schreibt Essays, hält Ausstellungen und unterrichtet an verschiedenen Kunstakademien. Sie sucht stets nach erfinderischen Wegen, zeitgenössische Kunst einem vielfältigen Publikum zugänglich zu machen, basierend auf einem festen Glauben an die Kraft der Kunst. 2023 wurde ihr Buch „Missing as a round shape“ veröffentlicht, das von der Kritik hochgelobt wurde. Derzeit arbeitet sie an einer Fortsetzung, die teilweise von der Forschung für diese Ausstellung inspiriert ist. Für die Gestaltung dieser Ausstellung arbeitete sie eng mit Zoë Hollander zusammen.

Teilnehmende Künstler sind: A young Yu (in Zusammenarbeit mit Nicholas Oh), Agnes Waruguru, Aida Kasaei, Aimée Zito Lema, Aline Thomassen, Arnoud Holleman, Ayşen Kaptanoğlu, Berend Strik, Bertien van Manen, Daan van Golden, Dirk Braeckman, Doina Kraal, Efrat Zehavi, Eva Spierenburg, Fatima Barznge, Fatima Hassouna, G, Hanne Hagenaars / Paul Kooiker, Sylvie Zijlmans & Hewald Jongenelis, Isabel Cavenecia, Jennifer Tee, Job Koelewijn, Kees de Goede, Keetje Mans, Kevin Simón Mancera, Mai van Oers, Marenne Welten, Marie-Claire Messouma Manlanbien, Mariëlle Videler, Marike Hoekstra, Marisca Voskamp, Minne Kersten, Mounir Eddib, Nazif Lopulissa, Odonchimeg Davaadorj, Oscar Abraham Pabón, Reinoud van Vught, Samboleap Tol, Shani Leseman, Simone Hoàng, Susanne Khalil Yusef, Teresa Margolles und Tiemar Tegene.

Nähere Informationen: Stedelijk Museum Schiedam, Hoogstraat 112, 3111 HL Schiedam, Telefon +31 (0)10 246 3666, E-Mail: info@stedelijkmuseumschiedam.nl

Im Museum „Het Schip“ in Amsterdam glänzen noch bis zum 28. Juni 2026 die Werke der weiblichen Macherinnen der Amsterdamer Schule – von Hausplänen bis zu Skulpturen. Die Ausstellung trägt den Titel „Beispielloses Talent – Die Frauen der Amsterdamer Schule“.

Ein Brief an die Designerin Margaret Kropholler (1891–1966) beginnt mit dem Gruß „Dear Gentleman“. So war es damals: Ihr männlicher Kunde konnte sich einfach nicht vorstellen, dass eine Frau seine Lampen entworfen hatte. Sie ist beispielhaft für den Widerstand, mit dem die Frauen der Amsterdamer Schule zu kämpfen hatten.

Die Amsterdamer Schule war zwischen 1910 und 1930 eine expressive Architektur- und Designbewegung, in der Ästhetik ebenso wichtig war wie Funktionalität. Die Ausstellung zeigt dies deutlich: wellenförmige Fassaden, braune Ziegel, reich dekorierte Innenräume und ausdrucksstarke geometrische Formen in Druckerzeugnissen und Typografie. In diesem Zusammenhang war es für Frauen nicht einfach, eine Karriere zu machen. Vor allem in der Architektur, wo Männer Anerkennung und Kunden forderten. Die Ausstellung zeigt überzeugend, wie groß der Beitrag der Frauen war, auch wenn ihre Namen nicht genannt wurden. Ein blinder Fleck, der hier korrigiert wird. Und das zu Recht, denn was für ein beispielloses Talent.

Bild der Welt hinter den Entwürfen

Das Museum „Het Schip“, selbst im Stil der Amsterdamer Schule erbaut, erweckt die Arbeiten der Künstlerinnen und Designerinnen in farbenfrohen Räumen voller Textilien, Druckerzeugnisse, Fotografien und Skulpturen zum Leben. Bilder von Workshops und Schulungen vermitteln ein lebendiges Bild der Welt hinter den Entwürfen. Die vielen Galerietexte bieten viel Tiefe, vielleicht nur ein wenig zu viel. Zu Beginn der Ausstellung können die Besucherinnen und Besucher in die Rolle einer Frau von 1920 mit einem Karrierespiel schlüpfen. Die erste Frage: „Sie sind als Grafikdesigner angestellt und möchten heiraten. Dein Arbeitgeber hält sich an das Gesetz und entlässt dich. Denken Sie darüber nach, wie Sie Ihre Karriere als verheiratete Frau fortsetzen können.“ Schon beim ersten Würfeln muss ich fünf Schritte zurückgehen. Noch bevor ich anfangen kann, bin ich fertig.

Appell für das Frauenwahlrecht

Dennoch erzielten die Frauen der Amsterdamer Schule Erfolge. So wird beispielsweise „Die Frau 1813–1913“ (1913) beleuchtet, eine von führenden Feministinnen, Künstlerinnen und Schriftstellerinnen organisierte Ausstellung, Aufmerksamkeit geschenkt. Die Ausstellung hob den Erfolg der Frauen in den letzten hundert Jahren hervor und war ein wichtiger Appell für das Frauenwahlrecht, für das sie ebenfalls kämpften. In dieser Zeit machten die Frauen der Amsterdamer Schule ihre ersten Schritte in diesem Beruf. Wilhelmina Drupsteen fertigte das Gewinnerplakat an: eine dreifarbige Lithografie. Sie zeigt eine Frau mit ausgestreckten Armen über zwei Handwerkerinnen vor einer Stadtsilhouette, die die neuen Möglichkeiten für die moderne Arbeiterin symbolisiert.

Aufbauend auf der Amsterdamer Schule

Heute kämpfen Frauen immer noch für Gleichbehandlung und Chancen. Deshalb zeigt die Ausstellung auch fünf Videoporträts von Frauen, die heute in Architektur, Kunst und Feminismus aktiv sind. Eine von ihnen ist Talisa Harjono, Künstlerin und Inhaberin des queeren Cafés Saarein im Jordaan. Sie erklärt die Bedeutung des intersektionalen Feminismus, der untersucht, wie verschiedene Formen von Ungleichheit – wie Geschlecht, Rasse und Klasse – gemeinsam bestimmen, wie jemand Diskriminierung erlebt. Eine Perspektive, die zur Zeit der ersten feministischen Welle noch fehlte.

Die aktuelle Perspektive zeigt, dass die heutigen Frauen auf dem aufbauen, was die Frauen der Amsterdamer Schule begonnen haben. Vom hart erkämpften Frauenwahlrecht in der ersten feministischen Welle bis hin zur Rekordzahl von Frauen im aktuellen niederländischen Abgeordnetenhaus. Die Ausstellung macht deutlich, wie reich und vielseitig die Arbeit der Frauen innerhalb dieser Bewegung war und wie sie es schafften, ihre Spuren in der Geschichte zu hinterlassen. (Text Museumstijdschrift)

Nähere Informationen: Museum Het Schip, Oostzaanstraat 45, 1013 WG Amsterdam, Telefon +31 20 6868595, E-Mail: info@hetschip.nl. Das Museum ist dienstags bis sonntags von 11 bis 17 Uhr geöffnet.

Parallel zu der großen Sonderausstellung „Barabara Hepworth – Art & Life“ präsentiert das Kunstmuseum Pablo Picasso Münster die Studioausstellung „The Blue Guitar – David Hockney trifft Pablo Picasso“. In drei Ausstellungsräumen mit mehr als 50 Exponaten treffen Lithografien, Radierungen, Linolschnitte und Malerbücher aus den Museumsbeständen auf hochkarätige Leihgaben aus musealen und privaten Sammlungen.

Neben Henry Moore und Francis Bacon zählt David Hockney zu den bedeutendsten britischen Künstlern des 20./21. Jahrhunderts, die Inspiration aus dem künstlerischen Schaffen Pablo Picassos schöpften. David Hockney (*1937) war schon in seiner Jugend begeisterter Anhänger des spanischen Künstlers. Nach eigener Aussage besuchte er als Student am Royal Collage of Art in London acht Mal hintereinander die große Picasso-Retrospektive, die 1960 in der Tate Gallery stattfand. Für Hockney stellte sich schon früh die Frage nach einer angemessenen Auseinandersetzung mit dem Werk des spanischen Jahrhundertkünstlers wie er gesprächsweise erklärte: „Ich hatte schon immer großes Interesse an Picasso gehabt, wusste jedoch nicht, wie ich damit umgehen sollte. Das geht wohl den meisten Künstlern so. Er erschien mir übermächtig, und seine Formen waren zu eigenwillig. Wie lernt man? Wie gebraucht man Sie?“

Drei Jahre nach dem Tod Picassos schuf Hockney zwischen 1976 und 1977 die 20-teilige Radierfolge „The Blue Guitar“, die einen Höhepunkt seiner Picasso-Rezeption bildet. In Form zahlreicher Zitate und Paraphrasen aus unterschiedlichen Stilphasen Picassos – von der Blauen Periode, über Kubismus und Surrealismus bis in das Spätwerk hinein – kreierte Hockney eine einzigartige Hommage an sein Vorbild. Neben Picasso fand Hockney Inspiration in dem Langgedicht „The Man with the Blue Guitar (dt.Der Mann mit der blauen Gitarre) des US-amerikanischen Lyrikers Wallace Stevens aus dem viele der poetischen Bildtitel der einzelnen Blätter entstammen.

Die Ausstellung stellt Hockneys berühmte Serie in Dialog mit Meisterwerken des druckgrafischen Schaffens Picassos aus nahezu sechs Jahrzehnten sowie weiteren Highlights aus Hockneys grafischem Werk. Hockney setzte sich nach Picassos Tod in öffentlichen Debatten in den 1970er- und 1980er- Jahren vehement für ein besseres Verständnis für Picassos Spätwerk ein, das zum damaligen Zeitpunkt von vielen Kunstkritikern als irrelevant eingestuft wurde.

„Die Besucherinnen und Besucher erhalten einen einzigartigen Einblick in David Hockneys spektakuläre künstlerische Auseinandersetzung mit seinem spanischen Idol, das er – trotz guter Kontakte zum britischen Picasso-Intimus Douglas Cooper – nie persönlich kennenlernte. Die Ausstellung zeigt, wie einer der bedeutendsten britischen Künstler der Gegenwart Ideen aus dem Werk Picassos schöpft und diese kongenial interpretiert“, erklären Viktoria Kapteina und Alexander Gaude, das Kuratorenteam der Ausstellung.

Öffnungszeiten:
Bis 8. März 2026, Dienstag bis Sonntag: 10-18 Uhr
24. Dezember, 25. Dezember, 31. Dezember & Neujahr geschlossen

Öffentliche Führungen:
Mittwoch: 15 Uhr, Samstag: 15 Uhr und 16.30 Uhr, Sonntag: 11 Uhr und 15 Uhr

Kuratorinnenführung:
Co-Kuratorin Viktoria Kapteina führt durch „The Blue Guitar – David Hockney trifft Pablo Picasso“: Mittwoch, 28. Januar 2026, 15 Uhr

Tickets:
Tickets für Eintritt, Führungen und Veranstaltungen sind über den Onlineticketshop auf der Museumswebseite erhältlich: http://www.kunstmuseum-picasso-muenster.de

Barbara Hepworth (*1903 +1975) ist eine der einflussreichsten britischen Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts. Die Bildhauerin stand an der Spitze der internationalen Avantgarde und engagierte sich leidenschaftlich für politische und technologische Veränderungen.

Das Picasso-Museum in Münster widmet ihr noch bis 8. März 2026 die große Einzelausstellung „Barbara Hepworth – Art & Life“ mit rund 90 ihrer Skulpturen, Gemälde, Zeichnungen, Drucke und Entwürfe aus über fünf Jahrzehnten Schaffenszeit. Die Werke stammen aus namhaften privaten und öffentlichen Sammlungen Großbritanniens, darunter The Hepworth Wakefield, TATE, der Courtauld Galery und den Erben der Künstlerin.

„Mit der Barbara Hepworth-Ausstellung würdigen wir die „grande dame“ der britischen Moderne“, erläutert Museumsleiter Prof. Dr. Markus Müller. „Die Strahlkraft ihres Werks entwickelt sich im Kontakt mit der Pariser Avantgarde. So traf sie 1933 Pablo Picasso, Constantin Brancusi und Hans Arp. Schon allein dieser Umstand rechtfertigt die monografische Schau einer britischen Lady zu Gast bei dem seit 25 Jahren in Westfalen ansässigen Spanier Picasso.“

Barbara Hepworths Bedeutung liegt in ihrer Fähigkeit, intuitive, naturverbundene Formen mit strenger, abstrakter Komposition zu vereinen. Sie war nicht nur eine herausragende Bildhauerin, sondern auch eine Frau, die die Grenzen gesellschaftlicher Rollenbilder sprengte. Ihr Werk ist ein kraftvolles Zeugnis für die Verbindung von Kunst, Leben und Menschlichkeit. Hepworth war Mutter von vier Kindern, darunter Drillinge. Sie musste ihren künstlerischen Anspruch mit familiären Verpflichtungen vereinen – eine Herausforderung, die für Frauen ihrer Zeit außergewöhnlich war.

„Barbara Hepworth hat eine einzigartige künstlerische Vision, die eine eingehende Betrachtung erfordert“, ergänzt Eleanor Clayton, Head of Collection and Exhibitions, The Hepworth Wakefield. „Diese Ausstellung beleuchtet ihre weitreichenden Interessen und wie diese in ihre künstlerische Praxis einflossen. Als zutiefst spirituelle Künstlerin, die sich leidenschaftlich mit den politischen, sozialen und technologischen Debatten des 20. Jahrhunderts auseinandersetzte, war Hepworth davon besessen, wie die physische Begegnung mit der Skulptur den Betrachter beeinflussen und seine Wahrnehmung der Welt verändern konnte.“

Gefördert wird die Ausstellung vom Freundeskreis des Picasso-Museums und vom Sparkassen-Kulturfonds des Deutschen Sparkassen- und Giroverbandes. „Mit der Unterstützung dieser Ausstellung würdigen wir das langjährige Engagement der Sparkassen-Institutionen in Westfalen-Lippe und die kontinuierlich exzellente kuratorische Arbeit des Picasso-Museums“, betont Dr. Heike Kramer, Direktorin des Gesellschaftlichen Engagements und Leiterin des Sparkassen-Kulturfonds im Deutschen Sparkassen- und Giroverband. „Hepworths Werk ist ein beeindruckendes Beispiel dafür, wie Kunst Orientierung geben und Menschen über Generationen hinweg verbinden kann. Diese Ausstellung macht sichtbar, welche Kraft kulturelle Impulse für unser gesellschaftliches Zusammenleben entfalten können“, so Kramer weiter.

Ausgehend von ihren Wurzeln in Yorkshire, lädt die Ausstellung „Barbara Hepworth: Art & Life“ den Besucher ein auf eine Reise von den modernistischen Skulpturen, die Hepworths Karriere in den 1920er- und 1930er-Jahren begründeten, über die ikonischen „String Pieces“ der 1940er- und 1950er-Jahre bis hin zu ihren späteren großformatigen Auftragsarbeiten. Die Ausstellung zeigt, wie sie Musik, Tanz, Wissenschaft, Weltraumforschung, Politik und Religion sowie Ereignisse aus ihrem persönlichen Leben in ihr Werk integrierte und so eine einzigartige Vision von Kunst und Leben schuf.

Die Ausstellung wird vom The Hepworth Wakefield in Zusammenarbeit mit der Fondation Maeght und dem Kunstmuseum Pablo Picasso Münster organisiert.

Öffnungszeiten:
22. November bis 8. März 2026, Dienstag bis Sonntag: 10 bis 18 Uhr, 24. Dezember, 25. Dezember, 31. Dezember & Neujahr geschlossen

Öffentliche Führungen:
Mittwoch: 15 Uhr, Samstag: 15 Uhr und 16.30 Uhr, Sonntag: 11 Uhr und 15 Uhr

Kuratorinnenführungen:
Kuratorin Ann-Katrin Hahn führt durch „Barbara Hepworth – Art & Life“: Donnerstag, 27. November 2025 und 5. März 2026, 15 Uhr
Tickets:
Tickets für Eintritt, Führungen und Veranstaltungen sind über den Onlineticketshop auf der Museumswebseite erhältlich: http://www.kunstmuseum-picasso-muenster.de