In der neuen Ausgabe der Museumstijdschrift findet der Leser oder die Leserin viele Tipps über Kunstausstellungen in den Niederlanden und manches mehr aus der Welt der Kunst. Hier ein kleiner Ausschnitt:
Die guten Sluijters – Von Jaron Beekes
Die gemalten Nachkommen von Jan Sluijters konnten lange Zeit auf wenig Begeisterung zählen. Während seine experimentellen Arbeiten ihm Ruhm einbrachten, waren seine späteren Familienporträts bei Kunsthistorikern weniger beliebt. Aber waren sie wirklich so süß und kitschig? Das Noordbrabants Museum steht für die guten Seiten von Sluijters ein.
Jeder kennt sie, oder vielleicht bist du selbst einer davon: Menschen, die ständig Fotos von ihren (Enkeln) machen. Mitten in einem Gespräch holen sie ein Handy heraus und zeigen eine Sammlung von Jantje, Pietje in der Badewanne, Miepje am Strand und so weiter. Berührend, aber besonders interessant für den betreffenden (Groß-)Elternteil. Der Rest der Welt kümmert sich meist weniger um die Familienfotos anderer Menschen und fühlt sich vielleicht ein wenig verlegen, wie ein Eindringling in diesem intimen Bereich.
Lange Zeit wurden die vielen Kinderporträts von Jan Sluijters (1881–1957) als sentimental, zuckersüß und sogar geradezu kitschig abgetan. Mit ‚Die Kinder der Sluijters‘ möchte das Het Noordbrabants Museum diese Sichtweise nuanceren und Kindergemälden einen vollwertigen Platz in ihrem Werk geben.
Laute Farben
Sluijters, geboren und aufgewachsen in Den Bosch, ist einer der beliebtesten Modernisten der Niederlande. Diesen Ruf verdankt er seinen ‚wilden Jahren‘ zwischen 1906 und 1914, als er das Pariser Nachtleben genoss und in der Zwischenzeit ausgiebig mit grellen Farben und einer kubistischen Designsprache experimentierte.
Mitte der 1920er Jahre, zu dieser Zeit ein renommierter Gesellschaftsporträtist und Familienmensch, passte er seinen Stil und seine Themen an, wobei er wohlhabende Förderer und die vorherrschenden Moralvorstellungen im Blick hatte. Nach dem Zweiten Weltkrieg war Sluijters‘ Ruf als Innovator vorbei. Unter dem Einfluss modernistischer Kunsttheoretiker wie dem Amerikaner Clement Greenberg wurde alles Figurative als altmodisch und verdächtig abgetan. Schließlich liebten die Nazis nicht auch realistische Kunst?
In seiner eigenen Zeit wurde Sluijters von Kritikern für seinen ruhigeren Stil gelobt. Es galt als die ideale Kombination aus Moderne und Tradition. Auch seine konservativere Themenwahl wurde begrüßt. Sluijters‘ Werk galt zunächst als sinnlich und unmoralisch, doch nun nutzte er Nacktheit als Allegorie für die ideale Familie. „Diese Akte sind vollkommen keusch“, schrieb das Maandblad voor Beeldende Kunsten 1927 erleichtert. In Porträts wie „Motherhood“ (1921) bezog er sich eindeutig auf die visuelle Tradition von Madonna und Kind.
Traditionelle Staphorst-Tracht
Die Ausstellung macht deutlich, dass diese ‚gute‘ Seite schon immer in Sluijters war. Ab dem siebzehnten Lebensjahr illustrierte er Kinderbücher, wie Theo Thijssens „Boys‘ Days“ (1909). 1910 malte er das zarte Kinderzimmer im Van-Gogh-Stil.
Natürlich spielen Sluijters‘ eigene vier Kinder eine Hauptrolle, wobei das Showstück der Publikumsliebling „Liesjes birthday“ (1929) ist, aber wir sehen auch viele Auftragswerke von Kindern, Mädchen im Staphorst-Kostüm und schließlich Sluijters‘ Enkel. Gegen die Langeweile während der langen Pose bekamen die Kinder unweigerlich ihre Lieblingspuppe oder -spielzeug zum Halten. Es ist schön, dass einige dieser Originalstücke ebenfalls ausgestellt sind.
Neue Inspiration
Kurz nach dem Zweiten Weltkrieg zogen die oben erwähnte Tochter Liesje (Elisa) mit ihrer Familie als Teil einer staatlichen Maßnahme zur Bekämpfung des Wohnungsmangels bei Sluijters und seiner Frau ein. In der Audiotour erklärt Sluijters‘ Enkel Jan Kuijper, dass dies einen neuen Impuls in die Arbeit seines Großvaters gab: „In den vierziger und fünfziger Jahren war er in eine Sackgasse geraten. Dieser erzwungene Aufenthalt war seine Rettung, sonst hätte er nur Fabrikdirektoren und Blumenstillleben gemalt. Nun war er ständig von Kindern umgeben, was neue Inspiration gab.“
Die Stärke der Ausstellung liegt darin, dass sie nicht nur ein vollständigeres Bild von Sluijters‘ Werk bietet, sondern auch zeigt, wie sich unser Geschmack verändert. Und wie wir als zeitgenössische Betrachter damit umgehen. Denn ja, es ist süß und süß, es ist sentimental. All diese schönen Kinder schauen dich mit großen, unschuldigen Augen an. Und dieses Bild wird durch die pfirsichrosa und fliederfarbenen Wände verstärkt. Aber ist das etwas Schlechtes?
Das Noordbrabants Museum lässt den Betrachter entscheiden: Muss moderne Kunst unbedingt innovativ, spannend und herausfordernd sein, oder kann sie manchmal etwas zuckersüß sein, mit hübschen Kinderporträts als ultimatives heimliches Vergnügen?
Nähere Informationen: Noordbrabants Museum, Verwersstraat 41, ´s-Hertogenbosch, Telefon: +31 736877877, E-Mail: marcom@bnbm.nl, Internet: www.hetnoordbrabantsmuseum.nl
Louise Osieka neue Direktorin des Museums Bonnefanten
Louise Osieka wird ab dem 1. Januar 2027 neue Generaldirektorin und künstlerische Leiterin des Museums Bonnefanten in Maastricht. Sie folgt Stijn Huijts nach, der nach fast fünfzehn Jahren in den Ruhestand geht. Bis Anfang dieses Jahres leitete Osieka das „C-Mine“, ein Kulturzentrum in Genk, Belgien.
Osieka (1990) ist Kunsthistorikerin und Kuratorin und verfügt über zehn Jahre Erfahrung als Direktorin von Kulturorganisationen. Bis Anfang dieses Jahres war sie verantwortlich für ein multidisziplinäres Programm bei C-Mine in Genk auf einem ehemaligen Kohlebergwerksgelände. Davor leitete sie fünf Jahre lang das Jester, einen Präsentationsraum und eine Entwicklungsplattform für zeitgenössische Kunst.
Osieka hat auch viel Erfahrung im Aufbau einer Sammlung. Sie war Kuratorin der Sammlung moderner und zeitgenössischer Kunst der Nationalbank von Belgien. Als Mitglied der Erwerbskomitees der flämischen Regierung und des flämischen Parlaments trug sie zum Erwerb von Werken von Künstlern wie Laure Prouvost, Hana Miletić und Lucy McKenzie bei. Sie verfügt außerdem über ein großes internationales Netzwerk. Sie hat unter anderem mit der Whitechapel Gallery, der Triennale Milano und dem Design Museum London zusammengearbeitet und ist Vorsitzende von Kunsthal Mechelen.
Im Museum Bonnefanten möchte Osieka auf dem bestehenden Verlauf aufbauen, in dem alte und zeitgenössische Kunst miteinander verbunden sind. Sie sieht auch Möglichkeiten, die kulturellen Verbindungen zwischen niederländischem und belgischem Limburg zu stärken. „Die Bonnefanten-Sammlung enthält jahrhundertelange Geschichten, von mittelalterlicher Kunst bis hin zu Werken zeitgenössischer Künstler. Ich möchte diese Geschichten weitergeben und sie über Generationen hinweg nachhallen lassen“, sagt Osieka in der Pressemitteilung.
Ab dem 1. Januar wird sie zusammen mit der stellvertretenden Direktorin und Betriebsleiterin Peggy van Sebillen das Management bilden.
Nähere Informationen: Museum Bonnefanten, Avenue Céramique 250, 6221 KX Maastricht, Telefon: +31 433290190, E-Mail: info@bonnefanten.nl, Internet: http://www.bonnefanten.nl
Malerei jenseits des Normierten im Centraal Museum Utrecht
Ein kleiner Zug rast durch die Ausstellung ‚Graffiti‘. Wenn du reinkommst, kommst du an aufgeklebten Mülltonnen, neu lackierten Fensterläden und violetten Kolossen aus Rapswachs vorbei. Mit diesem festen Weg verspottet die Künstlerin Josephine Pryde (1967) ironisch die Tendenz von Museen, Besucher zu lenken. Die Ausstellung selbst lässt sich nicht in eine Richtung führen. Mit mehr als 120 Leinwänden, Installationen und Filmen zeigt das Centraal Museum in Utrecht, wie sich Graffiti und Bildende Kunst im Laufe der Jahre gegenseitig beeinflusst haben.
In manchen Räumen lassen die bunt besetzten Etiketten, lose Farbspritzer und provokante Parolen an den Wänden fast das Gefühl haben, auf der Straße zu sein. Große Leinwände mit ballonartigen Buchstaben und farbenfrohen Videoinstallationen zeigen, wie sich Graffiti entwickelt hat. Einst hauptsächlich als rebellische Gegenkultur angesehen, hat sich das Phänomen zu einer geschätzten Kunstform entwickelt, die auch Raum für sozialkritische Botschaften bietet. Ein Raum mit grafischen Werken von Keith Haring (*1958 +1990) und Jean-Michel Basquiat (*1960 +1988) zeigt, wie die Künstler die Lücke zwischen Graffiti auf der Straße und bildender Kunst in Galerien überbrückten und die Grenze zwischen beiden verwischten.
Doch die Ausstellung zeigt, dass „Graffiti“ immer Regeln umgeht, selbst jetzt, da die Kunstwelt es angenommen hat. „You Are Prisoned on the Earth So You Will Explode“ (1983–84) von Lady Pink (1964) und Jenny Holzer (1950) kritisiert eine Welt voller Angst und Kontrolle mit einer großen Leinwand mit leuchtend roten, skelettartigen Figuren und einem bedrohlichen Text. In den neonfarbenen Leinwänden von Rammellzee (*1960 +2010) verwandeln sich die Buchstaben in kaum entzifferbare Formen. Seine Botschaften sind für niemanden verständlich, außer für die Eingeweihten in der Graffiti-Szene.
Nähere Informationen: Centraal Museum Utrecht, Agnietenstraat 1, Utrecht, Telefon: +31 302362362, E-Mail: info@centraalmuseum.nl, Internet: www.centraalmuseum.nl
Stahlkolosse – Von Pauline Broekema
Als Kolumnistin für die Museumstijdschrift teilt Pauline Broekema in jeder Ausgabe ihre persönlichen künstlerischen Beobachtungen. In dieser Kolumne, von Nr. 7 • 2026, reist sie nach Hellevoetsluis, um Hermanus Berseriks Haringvliet im echten Leben zu sehen.
Es ist ein Gemälde, das man tatsächlich alleine erleben muss, sitzend auf einem Hocker, so wie ich es im Museum Henriette Polak erlebt habe. In Zutphen bin ich plötzlich am Haringvliet. „Schau nur“, sagte Hermanus Berserik (1921–2002) einmal darüber, wie man mit seiner Arbeit umgeht. Er gab der Realität ein eigenes Gesicht, dachte er.
Ich bin mit diesem ‚Berserik-Gesicht‘ aufgewachsen. Ich kenne ihn fast mein ganzes Leben. Schon aus meiner frühesten Kindheit der zahllosen Buchcover. Später die Plakate, die Skizzen, die Grafiken und natürlich seine Gemälde. Auf Leinwänden und außen, an Wänden.
Dieses weite Gemälde, das ich für mich allein habe, führt mich zurück nach Terschelling. Am Kai der sogenannten Tonnenloods von Rijkswaterstaat standen stets imposante Stahlbojen. Wie riesige Früchte auf einer riesigen Obstschale. Mit Formen und Farben, wie ich sie jetzt sehe. Scharfes Orange, Gelb-Grau, Teerschwarz und mildes Grün. Diese Stahlkolosse müssen jedes Jahr zur Wartung aus dem Wasser genommen werden. Dann werden dicke Ketten an den Liftaugen befestigt – die Befestigungspunkte sind ebenfalls im Gemälde zu sehen – und aus dem Wasser gehoben. Die Wartung dieser Stahlbojen ist harte Arbeit.
Rijkswaterstaat ersetzt die Fässer nun durch Kunststofffässer. Aber egal, wie viele abgenutzte Rückseiten und Lackierungen das spart, diese modernen Manschetten bekommen wahrscheinlich nicht diese schönen Dellen und Dellen in ihrer Plastikhaut mehr. Die meisten Bojen im Gemälde sind leicht beschädigt. Der Künstler stellt sie mit äußerster Präzision dar.
Es gibt noch etwas, das ich erkenne. So kann das Sonnenlicht von hinter den Wolken auf das Wasser fallen. Dadurch hebt sich die schwarze, kochttopfartige Boje scharf vom Horizont ab. So riesig er auch ist, er hat diese liebenswerte Leiter an sich. Die Buchstabenkombination SRK, die er trägt, steht für Schelderadar-Kette. Ein Wort, um ein Gedicht zu beginnen.
Die steifen Halme im Vordergrund erinnern mich an lange Spaziergänge am Waddendamm, eine Pause im Gras und das Erleben der Eckigkeit der Basaltblöcke am Wasserrand.
Aber ich möchte auch den Platz des Gemäldes im echten Leben erleben. Ich nehme den Zug nach Rotterdam, die Metro nach Spijkenisse, den Bus nach Hellevoetsluis. Unterwegs lese und beobachte ich, was Berserik über seine Arbeitsweise geschrieben und gesagt hat. Dem ging ein langes ‚Zweifel‘ und Skizzieren voraus. Das Ziel ist es, ein unverwechselbar gutes Bild zu schaffen. Wunderschön in der Farbe und gute Komposition.
Manchmal blitzt auf dem Weg nach Voorne-Putten etwas vorbei, das mich fragen lässt, was der Künstler wohl davon gehalten hätte. Ein senfgelbes Haus auf einem Schreberganlage. Ein Junge mit einem Helm, der auf einem Skatepark zu groß ist. Rosstiges altes Eisen in einem Schuppen. Wenn man in seine Arbeit eintaucht, beginnt man offenbar in Berserik-Bildern zu denken.
Ich steige in Hellevoetsluis aus. Das Erste, was ich besuche, ist Fortresse Holland, ein Museum mit Innen- und Außenfokus auf die maritime Geschichte der Festung. Zum Beispiel gibt es ein Trockendock aus dem neunzehnten Jahrhundert, in dem historische Schiffe unterhalten werden. Ein romantisches Werk von Cornelis Dommelshuizen (1842–1928) hängt an einem prominenten Platz im Ausstellungsraum. In unruhigem Wasser läuft ein großes Segelschiff der Marine ein.
Wofür ich hauptsächlich komme, ist sichtbar: der Leuchtturm von Hellevoetsluis aus dem Jahr 1822. Auf dem Weg zu diesem Turm frage ich hier und da, ob es dort jemals eine solche Lagerung von Bojen gab. Die Meinungen sind geteilt. Ich komme zu dem Schluss, dass das manchmal der Fall war. Aber nicht in der beeindruckenden Menge, die Berserik hineinlegt.
Im Gemälde platziert er das weiße Leuchtfeuer mit den Bullaugen leicht schräg. Er gibt ihm auch einen Platz im Hintergrund. Mit dem roten Hut berührt er fast den Rand der Leinwand. Dennoch sieht man, dass der Turm der Protagonist ist.
Einige Boote fahren an den Liegeplätzen vorbei in den Yachthafen. Abgesehen davon ist es ruhig. Wenn ich zur Bushaltestelle gehe, denke ich an das, was Berserik einst geschrieben hat. Dass das Einzige, was er suchte, Frieden und Gleichgewicht war. Und ein bisschen Poesie. Das habe ich heute am Haringvlet gefunden.
Ich habe die Grenze nicht überschritten, die Grenze hat mich überschritten
Diese Ausstellung mit mehr als dreißig Kunstwerken von siebzehn Künstlern untersucht, wie physische, kulturelle, soziale und persönliche Grenzen Identität, Bedeutung und Menschlichkeit beeinflussen. Die Ausstellung umfasst Werke von Maja Irene Bolier, Eli Content, Miriam Cahn, Nan Goldin, Frans van Hoek, Duane Michals, Dakota Magdalena Mokhammad, Prins Nicolas, Hemaseh Manawi Rad, Denys Shantar, Anne Silverstrand Forest, Leon Stoffelen, Koes Staassen, Silvia B., Charles Vos und Hanneke Wetzer.
‚I Didn’t Crossed The Border, The Border Crossed Me‘ handelt von sichtbaren und unsichtbaren Grenzen. Nationale Grenzen, kulturelle Grenzen, Normen rund um Geschlecht und Sexualität, Vorstellungen von Zuhause und Herkunft sowie Trennlinien zwischen Akzeptabel und Anderssein sind der rote Faden in der gesamten Ausstellung. Die teilnehmenden Künstler erforschen Themen wie Migration, Vertreibung, Krieg, Macht, Queerness, Intimität, Glauben, Familiengeschichte und den Körper.
Die Ausstellung wird von Haiko Sleumer kuratiert und umfasst Werke aus den Sammlungen des Museum W, Collectie G+W Nederland und Jo Brunenberg sowie neue Werke junger Künstler. Das Design befindet sich in den Händen von Kiki van Eijk und Joost van Bleiswijk vom Designstudio Kiki & Joost aus Eindhoven. In jedem Ausstellungsraum ist Spoken Word von Salma Ali, der ehemaligen Stadtdichterin von Weert, zu hören.
Nähere Informationen: Museum W, Meikoel 2, Weert, Telefon: +31 495531920, E-Mail: museum@weert.nl, Internet: www.museumw.nl
Geräusche sehen
Was wäre, wenn du auch Musik sehen könntest? In Seeing Sounds entdecken Sie die Arbeit von vier Künstlern verschiedener Generationen, für die Musik mehr als ein Thema ist: Sie ist eine Art, sich Freiheit vorzustellen. Zum Beispiel entwickelte Sedje Hémon (1923–2011), der nach seiner Rückkehr aus Konzentrationslagern nicht mehr in der Lage war, physisch Geige zu spielen, eine einzigartige Methode, abstrakte Kunst als Musikstück aufzuführen. Ihre Gemäldekompositionen sind ein wenig beleuchtetes Kapitel der niederländischen Kunstgeschichte. Sam Middleton (1927–2015), der im New Yorker Stadtteil Harlem aufwuchs und später in den Niederlanden arbeitete, übersetzte die Rhythmen und Improvisationen des Jazz in Collagen und Gemälde. In seinem Werk sind afroamerikanische Kultur und der Kampf für Bürgerrechte greifbar.
Jahrzehnte später greift Dion Rosina (1991) auf ähnliche Weise auf die Hip-Hop-Sample-Kultur zurück: Er verwendet bestehende Bilder wieder, um Platz für lange ignorierte Geschichten und Gemeinschaften zu schaffen. Und in den Gemälden von Raafat Ballan (1990) spielen Musiker eine entscheidende Rolle. Für ihn ist Musik eine soziale Praxis – etwas, das Menschen zusammenbringt und Raum für Bedeutung und Verbindung schafft. Doch etwas bleibt unsichtbar, bis du zuhörst. Nehmen Sie Platz an einer der Vinyl-Stationen, stöbern, wählen Sie aus, hören Sie und entdecken, wie Musik Ihre Sicht auf die Kunstwerke verändert. Eine Einladung, mit Augen und Ohren zu schauen!
Nähere Informationen: Museum van Bommel van Dam, Keulsepoort 1, Venlo, Telefon: +31 773513457, E-Mail: info@vanbommelvandam.nl, Internet: http://www.vanbommelvandam
