Erinnerungen an einen Besuch der Museumsinsel Hombroich

„Kunst parallel zur Natur“

1987 ist die Museumsinsel Hombroich entstanden. Aus einem Park mit historischem Baum- und Pflanzenbestand hat sich ein einmaliges Ensemble aus Landschaft, Architektur und Kunst entwickelt.

Von den idyllischen Ausläufern des Flusses Erft umgrenzt, befindet sich bei Neuss die Museumsinsel Hombroich. Entstanden ist sie aus einem bereits 1816 errichteten Park mit historischem Baum- und Pflanzenbestand.

Es war der Düsseldorfer Kunstsammler Karl-Heinrich Müller, der1982 den schon lange verwilderten Park erwarb, ihn um eine angrenzende Ackerfläche erweiterte und daraus in Kooperation mit dem Gartenarchitekten Bernhard Korte ein einzigartiges Ensemble aus Landschaft, Architektur und Kunst schuf. Dabei stand die Balance zwischen Naturbelassenheit und pflegendem Eingriff im Mittelpunkt.

Balance zwischen Eingriff und Naturbelassenheit

Eine weitere wichtige Person bei diesem Projekt war der Bildhauer Erwin Heerich. Er übersetzte seine streng geometrischen skulpturalen und zeichnerischen Werke ins Architektonische. So entstanden zehn begehbare Objekte mit Außenseiten aus niederländischem Abbruch-Feldbrandstein.

Zu nennen ist auch noch der Maler Gotthard Graubner, der für die Präsentation von Ausstellungen zuständig war. Sein Konzept sah vor, dass Kunst und kulturhistorische Gegenstände aus zwei Jahrtausenden miteinander in den Dialog treten.

Dritter im Bunde war der schon erwähnte Landschaftsarchitekt Bernhard Korte. Er realisierte eine Ideallandschaft, die Topographie und Geschichte des Ortes ebenso berücksichtigt wie die gemeinsam entwickelte Vision „Kunst parallel zur Natur.“ Das gesamte Gelände ist von schon vorhandenen Geländestufen ebenso geprägt wie von früheren Verläufen des Flusses Erft.

„Die Insel wird gepflegt, als ob sie nicht gepflegt wird.“ (Bernhard Korte, Landschaftsarchitekt)

Ein Schwerpunkt der Sammlung, die ein bemerkenswertes breites Spektrum aufweist, liegt in der europäischen Moderne zum Ende des 19. Jahrhunderts bis hin zu den Anfängen des 20. Jahrhunderts. Zu entdecken sind Gemälde, Skulpturen, Zeichnungen und künstlerisch geprägte Gebrauchsgegenstände von so bekannten Namen wie Hans Arp, Constantin Brancusi, Marcel Breuer, Alexander Calder, Paul Cézanne, Alberto Giacometti, Yves Klein, Gustav Klimt, Henri Matisse, Francis Picabia und Kurt Schwitters.

Zu nennen ist auch der Künstler Anatol Herzfeld. Der Bildhauer, Maler und Aktionskünstler Anatol Herzfeld (1931-2019) studierte parallel zum Polizeidienst von 1964 bis 1972 bei Joseph Beuys an der Düsseldorfer Kunstakademie. 1972, 1977 und 1982 beteiligte er sich an der documenta in Kassel, 1975 initiierte er die Freie Akademie Oldenburg. Von 1983 bis zu seinem Tod hatte Anatol Herzfeld sein Atelier auf dem Gelände von Museum Insel Hombroich. Sein Nachlass umfasst zahlreiche Gemälde, Skulpturen und Zeichnungen sowie Fotos und Filme zu seinen Aktionen.

Ein weiterer Schwerpunkt liegt in archäologischen Artefakten von der Früh- bis zur Neuzeit sowie in Ostasiatika.

Die anfangs private Sammlung entstand dabei weder aus kunsthistorischer Mission noch aus Kriterien regelhafter Vollständigkeit, sondern aus individueller Leidenschaft der Sammler und dem Interesse an möglichst unterschiedlichen Positionen. In den Gebäuden und auf dem Gelände der Museumsinsel Hombroich ist sie gewissermaßen als ständige Installation im Wechsel des Tageslichts und der Jahreszeiten zu sehen.

Ergänzung durch Raketenstation

Wer die Museumsinsel Hombroich besucht, sollte natürlich auch die benachbarte „Raketenstation“ im Blick haben, die ebenfalls von Karl-Heinrich Müller erworben wurde. Die ehemalige Nato-Raketenstation wird seit 1994 komplementär zu Museum Insel Hombroich als Ort der Entwicklung von Kunst und Architektur und als Lebens-und Arbeitsraum für Künstler aus den Bereichen Kunst, Literatur und Musik genutzt. An ihrer Umgestaltung und Neubebauung beteiligten sich die Künstler und Architekten Raimund Abraham, Tadao Ando, Dietmar Hofmann, Erwin Heerich, Oliver Kruse, Katsuhito Nishikawa, Claudio Silvestrin und Álvaro Siza.

Per Kirkeby-Areal

Das nach Per Kirkeby benannte Areal ermöglicht in fünf Bauten des dänischen Künstlers Kunstinstallationen und die Realisierung weiterer künstlerischer Formate (Drei Kapellen), darunter die Sammlung Kahmen und das vom Clemens Sels-Museum Neuss betriebene Feld-Haus-Museum für Populäre Druckgrafik.

Ausstellung Raimund Abraham – Erdbeben der Stille

Noch bis November 2025 ist die Ausstellung „Raimund Abraham – Erdbeben der Stille“ zu sehen. Mit dem Haus für Musiker (Planung seit 1994, Ausführung 2006–2017) existiert auf der Raketenstation Hombroich bei Neuss neben dem Wohn- und Geschäftshaus an der Berliner Friedrichstraße eines der beiden in Deutschland realisierten Bauwerke des österreich-amerikanischen Architekten Raimund Abraham (1933–2010). Der außergewöhnliche Rundbau ist nicht nur sein letztes fertiggestelltes Gebäude, sondern steht darüber hinaus beispielhaft für die Radikalität Abrahams. Und auch für das ambitionierte und am Ende nicht realisierte Hombroicher Raumortlabor steuerte er 2003 noch den Entwurf einer Wohnsiedlung bei, die sich mit komplexen Bezugslinien wie ein künstlicher Horizont in die Landschaft legen sollte. Fast bedeutsamer als die realisierten Gebäude sind aber Abrahams Zeichnungen und imaginären Architekturen. Mit der Aufnahme seines umfangreichen Nachlasses in die Sammlung Egidio Marzona (Berlin) bietet sich nun die Möglichkeit, das planerische, visionäre Denken dieses herausragenden Architekten mit zahlreichen Zeichnungen, Modellen, Fotos und Dokumenten sowie den in Hombroich aufbewahrten Beständen umfassend zu präsentieren.

Erinnerung an eine Ausstellung im Rijksmuseum Twenthe

In der Männerwelt durchgesetzt

Dass Frauen es trotz aller Schwierigkeiten schon vor Jahrhunderten schaffen konnten, sich in einer männerbeherrschten Welt zu etablieren, zeigt das Beispiel der Künstlerin Artemisia Gentileshi. Eine Ausstellung mit ihren Werken war bis Anfang 2023 im Rijksmuseum Twenthe in Enschede zu sehen.

Große Kunst von Frauen gab es bereits im Zeitalter des Barock: Die bekannteste Vertreterin war Artemisia Gentileshi. Sie wurde 1593 in Rom als Tochter des bekannten Malers Orazio Lomi geboren. Dadurch hatte die junge Artemisia – anders als die überwiegende Mehrheit der der Frauen zu ihrer Zeit – Zugang zu Bildung und Kultur. Sie lernte von ihrem Vater, und schnell wurde klar, dass ihr künstlerisches Talent groß war.

Meisterwerk mit 17

Schon im Alter von siebzehn Jahren war sie in der Lage, ein Meisterwerk zu schaffen: eine komplexe Komposition mit mehreren Figuren. Im Mittelpunkt steht dabei die schöne, biblische Susanna, die beim Baden von zwei älteren Männern begafft und belästigt wird. Sie stellen Susanna vor eine unmögliche Wahl: Entweder sie gibt sich ihnen hin, und niemand wird es hören, oder sie weigert sich, wird trotzdem vergewaltigt und die beiden werden nachher herumerzählen, dass sie sich ihnen hingegeben hat. Gentileshi zeigt das Dilemma ohne Ausweg für Susanna, die Gefahr läuft, ihre Ehre zu verlieren. Im Gegensatz zur Auffassung mancher ihrer männliche Zeitgenossen war für die Künstlerin das Baden von Susanna keine Entschuldigung für sexualisierten Voyeurismus, sondern eine Gelegenheit, sich selbst über ihren Körper und das Sein als Frau bewusst zu werden.

In einem Brief zeigte sich Vater Orazio stolz auf seine Tochter Artemisia, die „so fähig geworden ist, dass ich es kaum zu sagen weiß.“

Trotz guter Voraussetzungen führte Artemisia das erfolgreiche römische Atelier ihres Vaters nicht fort; und das hatte Gründe. Sie wurde von Agostino Tassi, einem Freund ihres Vaters, bei dem sie Kenntnisse in perspektivischer Malerei erhalten sollte, vergewaltigt. Damit nicht genug, hielt er das Versprechen, sie zu heiraten, nicht ein – mit der Behauptung schon verheiratet zu sein, was aber nicht stimmte.

Für Artemisias Vater war diese Lüge, der Verrat, das größere Verbrechen als die Vergewaltigung. Orazio reichte eine Klage gegen seinen Freund, der die Ehre seiner Tochter wegen eines nicht eingehaltenen Heiratsversprechens geschändet hatte. Aufgrund des öffentlichen Charakters dieses Prozesses drohte Artemisia das Schicksal der von ihre gemalten Susanna im Bade zu erleiden. Nach dem Prozess, der mit einer Verurteilung für Tassi endete, begann für Artemisia ein turbulentes, aber auch relativ unabhängiges Leben.

Ein neues Leben

Sie verließ Rom und wählte Florenz als ihre neue Heimat, bevor sie 1620 wieder zurückkehrte. Danach lebte sie noch einige Jahre in Venedig, bevor sie sich dauerhaft in Neapel niederließ. In dieser Zeit heiratete sie, bekam Kinder und wurde die erste Frau, die der Accademia di Arte Disegno in Florenz beitreten durfte. Als Künstlerin war sie erfolgreich und arbeitete für nationale und internationale Kunden.

Aber es gab auch Tragödien im Leben von Artemisia Gentileshi. Von ihren fünf Kindern starben vier im jungen Alter, sie begann eine außereheliche Affäre, entfremdete sich von ihrem Mann und verlor den Kontakt zu ihrem Vater. Auch ständige Geldprobleme prägten ihr Leben.

Das relativ begrenzte Wissen über Artemisias Leben wurde durch knappe Quellen wie die Abschriften des Prozesses gegen Agostino Tassi und mehrere Dutzend diktierter oder selbst geschriebener Briefe an Kunden oder Bekannte dokumentiert. Zusammen mit ihrem gemalten Werk bietet dieses Wissen einen Einblick in das Leben einer selbstständigen, als Künstlerin arbeitenden Frau im Zeitalter des Barock. Durch ihren Beruf als Malerin erreichte Artemisia ein für die damaligen Verhältnisse großes Maß an Freiheit und Erfolg. Und ihr Werk ist es, mit dem sie viele universelle Geschichten – besonders die über Frauen – auch heute noch immer erzählt.

„Schweinische Kunst“ in Kassel

Die Ausstellung „Documenta“ war schon immer für Überraschungen gut. Das war auch 1997 der Fall, als dort die „Bunte Bentheimer“ Kunstcharakter bekam.

Dass Schweine philosophieren können, weiß man spätestens nach folgendem kurzen Dialog: Sagt das eine Schwein zum anderen: „Es ist Wurst, was aus uns wird.“ Antwort: „Ich weiß.“ Dass aber das Schwein in der Kunst der Moderne Bedeutung gefunden hat, ist vielleicht vielen nicht mehr so geläufig.

Geschehen ist das im Jahre 1997 bei der „documenta X“ in Kassel. Die bekannten Künstler Rosemarie Trockel und Carsten Höller hatten damals die „Bunte Bentheimer“ zum Kunstobjekt erkoren. Die Schweinerasse, die von dem Isterberger Landwirt Gerhard Schulte-Bernd durch koordinierte Weiterzucht und Vermarktung (Motto „Erhalten durch Aufessen“) vor dem Aussterben bewahrt wurde, war in einem ökologischen Musterstall, genannt „Haus für Schweine und Menschen“, in der Nähe der Orangerie in der Karlsaue zu einem Bestaunen vor verspiegeltem Glas für das Publikum freigegeben.

Aber wie kam nun das Schwein zur Kunst? Das hatte die „Bunte Bentheimer“ der künstlerischen Leiterin der documenta, Catherine David, zu verdanken, die im Gegensatz zum Ansatz der vorangegangenen documenta, die aktuelle Weltkunst-Szene zu spiegeln, eine ganz andere inhaltliche Ausrichtung anstrebte. Die von ihr verantwortete documenta X sollte zu einer Schau über das Thema Globalisierung, zu einer „kritischen Auseinandersetzung mit der Gegenwart“ werden. Statt eines Epochenquerschnitts der Kunst hatte David eine politisch gemeinte Themenschau eingerichtet.

„Irgendwie pervers, sich da so gegenseitig durch die Scheibe anzuschauen“

Mit einer gewissen Süffisanz schrieb Jürgen Hohmeyer vom Magazin „Der Spiegel“ zur documenta von 1997 folgende schöne Zeilen: „Wer in den Stall sah und sich an den glücklichen Tieren erfreute, dachte unweigerlich über Massentierhaltung, Ausbeutung und Gewinnmaximierung nach. Gedankenvoll entspannt sollen documenta-Besucher schließlich am Ende ihres Parcours, in einem Heckengeviert des Kasseler Aueparks, dem Bruder Tier ins Auge blicken. Rosemarie Trockel und Carsten Höller unterhalten da ein Gehege für eine Familie der im Kotelett-Wettbewerb minder effektiven und daher existenzbedrohten Schweinerasse „Schwarzbunte Bentheimer“. Der Eber hat sein Werk getan: Eine von zwei Säuen säugt im Stroh ihre sieben neugeborenen Ferkel, die andere wird noch während des ersten Ausstellungsmonats werfen – vielleicht vor den Augen von Kunstfreunden, die sich diesseits der Trennscheibe bequem auf einer schiefen Ebene fläzen. Und eine Besucherin sagte mit kritischem Blick: „Irgendwie pervers, sich da so gegenseitig durch die Scheibe anzuschauen.“

Trockene Fakten zum saftigen Fleisch

Um die „Bunte Bentheimer“ nun wieder auf den profanen Boden der Tatsachen zurückzubringen, seien folgende, eher trockene Fakten kurz erwähnt: „Das Bunte Bentheimer Schwein ist ein mittelgroßes Schwein im Landschweintyp (Schlappohren), langgestreckt und rahmig mit kurzem Becken sowie unregelmäßig schwarzen Flecken auf weißem oder hellgrauen Untergrund. Eigenschaften und Zuchtziel: hohe Fruchtbarkeit, lange Nutzungsdauer, stressstabil und robust, genügsam in der Haltung, exzellente Fleischqualität. Vorkommen: früher Grafschaft Bentheim, Emsland, Cloppenburg und Wettringen. Heute gibt es bundesweit Zuchtbetriebe.“

Erinnerung an eine Ausstellung vor über zehn Jahren

Großer Sozialkritiker und Künstler im Otto Pankok-Museum

Hin und wieder wird es Zeit, Sachen auszusortieren, die lange nicht mehr in Gebrauch oder in Erinnerung waren. Letzteres gilt beispielsweise für Artikel aus Zeitungen oder Magazinen, die zu einer bestimmten Zeit wichtig waren und die aus diesem Grunde für eventuell weitere Nutzungszwecke zur Seite gelegt wurden. Manches Mal gibt es aber auch Fundstücke, die noch einen zweiten Blick verdienen und dann auch wieder den Weg aus dem Papierkorb zurück in das Archiv finden.

Dies gilt in meinem Falle für einen Artikel, den ich 2012 nach einem Besuch vor Ort für das Grafschafter Wochenblatt über eine Ausstellungseröffnung im Otto Pankok-Museum in Gildehaus geschrieben habe:

Der Titel: Altmeister der Grafik und der Zeichnung zum Wiederentdecken: Heinrich Zille

„Gehen Sie lieber auf die Straße raus ins Freie, beobachten Sie selbst, das ist besser als nachmachen. Was sie auch werden – im Leben können Sie es immer brauchen“ – so sprach Professor Hosemann von der Kunstschule in Berlin 1872 zu Heinrich Zille, der bei ihm zweimal in der Woche den Unterricht besuchte.

Zille nahm diesen Ratschlag an. Und wie er ihn in die Tat umsetzte, ist in einer umfangreichen Ausstellung zu entdecken, die noch bis zum 27. Februar 2013 im Otto Pankok-Museum in Gildehaus zu sehen ist.

Der Grafiker, Zeichner und Fotograf Heinrich Zille war der Chronist Berlins während der Zeit Kaiser Wilhelms II. Mit Zeichenstift und Block durchstreifte der damals als „Pinselheinrich“ bekannte Künstler das Berlin der sogenannten „kleinen Leute“, der Prostituierten. Ganoven und der Menschen, die in Armut am Rande der Gesellschaft lebten.

Aber auch den derben Spaß, mit dem diese Menschen versuchten, ihren Alltag zu meistern, erlebte er unter anderem während seiner Lehre bei einem Steinzeichner und schilderte es in seinem Lebenslauf für die Aufnahme in die Akademie der Künste: „Zum Frühstück musste ich Bier holen, das konnten wir von den Kellnern des Orpheums, die eine eigene Kantine hatten und vormittags beim Putzen des Fußbodens, der Spiegelscheiben usw. bekommen. Da lagen noch betrunkene Männer und Weiber in den Nischen und Logen: die Glücklichen der Gründerzeit, die die Ernte der Kriegserfolge von 1870-71 einheimsten. Ich kam mal dazu, wie sich die Kellner eine besoffene dicke Hure über den Stuhl gelegt hatten und auf dem entblößten Hintern einen Dauerskat kloppten.“

„Zille sein Milljöh“, wie es in Berlin hieß, das waren wie eben deutlich und äußerst drastisch beschrieben, fragwürdige Kneipen, die berüchtigten düsteren Berliner Hinterhöfe, enge Wohnungen und dunkle Straßen, die den Kindern als Spielplatz dienten. Hier hielt er sich auf und schuf eine Vielzahl von Zeichnungen, die ein Spiegelbild der elenden Wohn- und Lebensbedingungen im schnell wachsenden Berlin der Gründerzeit sind.

Keine einfache Arbeit, wie Zille selbst einmal sagte: „Als ich anfing, war es ein großes Risiko, arme Leute zu malen. Damals koofte sowat kein Hammel – nicht einmal der Magistrat.“

Trotz viel Kritik wurde Heinrich Zille noch zu Lebzeiten bekannt. Den Höhepunkt in seiner künstlerischen Karriere bildete die Ausstellung „Zilles Werdegang“ im Märkischen Museum Berlin, passend zu seinem 70. Geburtstag.

Sein um 1900 entstandenes großes fotografisches Werk wurde jedoch erst gegen Ende der 1960-er Jahre bekannt. Zille benutzte die Kamera als „lichtbildnerischen Notizblock“. Die Schnappschüsse von Reisigsammlern, Hinterhöfen und Arbeitern zeigen in ihrer Bildgestaltung das geschulte Auge des Künstlers.

Bevor Zille aber Künstler wurde, absolvierte er eine Ausbildung als Lithograph bei der Photographischen Gesellschaft, einem der damals führenden Betriebe der Reproduktionstechnik. Dort schaffte er es vom Gesellen bis zum Druckereileiter. Da er gleichzeitig auch künstlerische Gehversuche machte und sich dabei vor allem mit der proletarischen Unterschicht beschäftigte, erfolgte die Entlassung aus dem Betrieb. Das traf ihn zunächst hart, doch glücklicherweise stellte sich mit der Zeit Erfolg ein; und dabei war ihm seine Ausbildung eine große Hilfe. Dank seiner technischen Fertigkeiten gelang es ihm, seine Arbeiten vor allem bei Zeitschriften unterzubringen. Zille arbeitete unter anderem für den „Simplicissimus“, „Lustige Blätter“ und „Der liebe Augustin“.

Über die Zeit erwarb er sich Bekanntheit als virtuoser Porträtmaler, und auch die Kunstwelt wurde auf sein Werk aufmerksam. 1903 erfolgte Zilles Aufnahme in die neu gegründete „Berliner Secession“, einer Künstlergruppe, die sich auf Betreiben von Max Liebermann, Walter Leistikow und Franz Skarbina vom bis dahin dominierenden klassischen Kunstbetrieb abgespalten hatte.

Liebermann, einer der wohl bedeutendsten deutschen Maler seiner Zeit, wurde Protegé und Freund. Dies wird unter anderem durch einen Brief belegt, in dem Liebermann voll Begeisterung folgende Worte schrieb: „Zwar ist das, was Sie darstellen, durchaus nicht vergnüglich. Im Gegenteil! Der Menschheit ganzer Jammer würde jeden anpacken, der sich in den nassen Kellergeruch und in die nagende Feuchtigkeit, die ihre Interieurs ausmachen, versetzen würde. Aber, „was im Leben uns verdrießt, man in Bildern gern genießt“, notabene, wenn das Bild von der Hand eines Meisters stammt. Wer aber ist ein Meister? Der sich mit den Mitteln seiner Kunst sein seelisches Erlebnis so zu übermitteln versteht, daß wir es miterleben.“

Was Liebermann damit meint, ist auf den im Otto Pankok-Museum ausgestellten Werken gut zu sehen. Sie zeigen detailreich und genau auf den Punkt gebracht das Elend der einfachen Menschen, aber auch ihre manchmal derbe Freude an Alkohol und Sex und ihre dem harten Leben abgetrotzte Virilität.

Nach einem mehr als erfüllten Leben, das 1924 noch mit der Aufnahme in die Preußische Akademie der Künste und der Ernennung zum Professor gekrönt wurde, starb Zille 1929.

Erinnerungen an einen Museumsbesuch vor über 10 Jahren

Kunstgenuss im beschaulichen Otterloo

Hin und wieder wird es Zeit, Sachen auszusortieren, die lange nicht mehr in Gebrauch oder in Erinnerung waren. Letzteres gilt beispielsweise für Artikel aus Zeitungen oder Magazinen, die zu einer bestimmten Zeit wichtig waren und die aus diesem Grunde für eventuell weitere Nutzungszwecke zur Seite gelegt wurden. Danach verloren sie an Bedeutung. Manches Mal gibt es aber auch Fundstücke, die noch einen zweiten Blick verdienen und dann auch wieder den Weg aus dem Papierkorb zurück in das Archiv finden.

Dies gilt in meinem Falle für einen Artikel, den ich 2012 nach einem Besuch vor Ort für das Grafschafter Wochenblatt über das Kröller-Müller-Museum in Otterloo geschrieben habe:

Der Titel: Zweitgrößte Vincent van Gogh-Sammlung der Welt im Kröller-Müller-Museum

„Eine der wohl bösesten und makabersten Rachegeschichten der Weltliteratur stammt von Edgar Allen Poe und heißt im Original „Hop Frog: Or, the Eight Chained Ourangoutangs“.

Sie erzählt von einem Zwerg, der sein Dasein als Narr bei einem grausamen König fristen muss. Der Zwerg kann sich auf seinen schwächlichen Beinen nur schwerfällig fortbewegen, dass die sieben Minister des Königs ihm den Spitznamen „Hopp-Frosch“ geben. Zum Ausgleich seiner schwächlichen Beine hat „Hopp-Frosch“ aber äußerst kraftvolle Arme. Der König, ebenso beleibt wie seine fetten sieben Minister, liebt derbe Scherze.

Als ein Maskenball bevorsteht, soll Hopp-Frosch ihm und seinen sieben Ministern eine noch nie dagewesene Maskierung empfehlen. Als Hopp-Frosch nichts einfällt, zwingt der König ihn trotz Widerwillens zum Trinken. Als er ihm noch ein zweites volles Glas aufzwingen will, bittet Tripetta, eine Freundin von Hopp-Frosch, den König demütig, ihrem Freund, der den Wein nicht verträgt, die Qual zu ersparen. Wütend über ihre Anmaßung, schüttet der König ihr den Wein ins Gesicht. Darauf hin fällt Hopp-Frosch ein, wie sich die acht Würdenträger maskieren könnten: Als Orang-Utans! Die Aussicht, damit großen Schrecken bei den Damen zu erzeugen, begeistert den König ebenso wie die Minister. Sie lassen sich Trikots überziehen, die mit Teer bestrichen werden, darauf wird Werg geklebt. Dann bindet Hopp-Frosch sie mit einer Kette im Kreis zusammen, fügt aber zwei Ketten hinzu, die den Kreis rechtwinklig schneiden. Im Festsaal ist der große Kronleuchter aus der Kuppel entfernt worden, nicht aber die Kette, an der er hing. Als der König und seine Minister nun zum großen Schrecken des Publikums in ihrer Verkleidung auftreten, befestigt Hopp-Frosch das Kettenkreuz unversehens am Haken der Kronleuchterkette, die über das Dach durch ein Gegengewicht beweglich ist. Hopp-Frosch lässt die acht Maskierten hoch empor ziehen, besorgt sich eine Fackel, springt mit hinauf und zündet das Bündel der Hängenden an, die schnell in hellen Flammen stehen und verbrennen.

Diese Geschichte inspirierte den belgischen Maler James Ensor, einen der wichtigsten Vorreiter des Expressionismus, zu dem Werk „La vengeance de Hop-Frog“, das in der Geschichte der Malerei eine besondere Stellung genießt. Es besticht durch seinen starken Kontrast zwischen der karnevalistisch anmutenden Atmosphäre und dem darin sich abspielenden mörderischen Racheakt von Hopp-Frosch und Tripetta, die ihrem Freund natürlich zur Seite steht.

Zu sehen ist das Meisterwerk im Kröller-Müller-Museum im beschaulichen Otterloo nordwestlich von Arnheim. Umgeben von einem wunderschönen Park, in dem sich Skulpturen von so bedeutenden Künstlern wie Auguste Rodin, Jean Dubuffet und Richard Serra finden, ist das Kröller-Müller-Museum mit seiner großartige Sammlung an Kunst aus unterschiedlichen Jahrhunderten eine absolute Empfehlung; und es braucht zirka nur eine Stunde Autofahrt, um von der Grafschaft Bentheim dort hinzukommen.

Als Entreé im Kröller-Müller- Museum gibt es in Glasvitrinen aufgestellte Kleinskulpturen verschiedener Künstler, deren Werke sich durch die Kombination unterschiedlicher Materialien und vielfältigster Formen auszeichnen. Aber dieser Bereich ist nur ein kleiner Vorgeschmack auf das, was noch folgt.

Sofort ins Auge fällt eine der filigranen Figuren von Alberto Giacometti. Sie umgibt ein nicht zu lüftendes Geheimnis, eine Faszination, die sich nicht erklären lässt, die aber auch nicht erklärt werden muss. In unmittelbarer Nähe nicht weniger geheimnisvoll und faszinierend eine Skulptur von Henry Moore.

Danach kann sich der Kunstfreund auf eine lange Reise durch die Geschichte der Malerei begeben und wird feststellen, dass er hier unter anderem auf eine große Vincent van Gogh-Sammlung stößt, übrigens die nach Amsterdam zweitgrößte Sammlung dieses führenden Vertreters des Impressionismus und des beginnenden Expressionismus. Zwei absolute Klassiker der Kunstgeschichte der Kunstgeschichte sind hier vertreten, die die Entwicklung van Goghs exemplarisch dokumentieren. „Die Kartoffelesser“ bilden einen der Höhepunkte seiner niederländischen Periode, die Café-Terrasse bei Nacht das vermutlich am meisten verwendete Motiv für Kunstkalender und Kunstpostkarten, einen der Höhepunkte der französischen und letzten Periode seines Schaffens.

Abgerundet wird die Sammlung des Kröller-Müller-Museum durch Werke von Pablo Picasso, Juan Gris, George Seurat, Fernand Leger, Hans Arp, Piet Mondrian, um nur die bekanntesten Klassiker der Moderne zu nennen. Aber auch Vertreter der Gegenwartskunst wie Anselm Kiefer, Jenny Holzer und Jan Fabre finden ihren gebührenden Platz. Sonderausstellungen und weiteres ergänzen das Programm.

Das Kröller-Müller-Museum ist dienstags bis sonntags von10 bis 17 Uhr geöffnet.

Nähere Informationen: erfolgen unter der Telefonnummer (0031) 0318 591241, im Internet auf www.kmm.nl und per Email unter info@kmm.nl

Wissenswertes über die Andreaskirche in Düsseldorf

Vor kurzem hat mich meine Freundin Kerstin zu einem Stadtrundgang durch Düsseldorf eingeladen. Eines der Ziele war die St. Andreaskirche an der Andreasstraße, die durch ihre beeindruckende Architektur und Geschichte besticht.

Wie einem Flyer zu entnehmen ist, zählt die ehemalige Hof- und Jesuitenkirche Sankt Andreas im Herzen der Düsseldorfer Altstadt – zusammen mit der Hofkirche in Neuburg an der Donau – zu den „interessantesten Bauten der ausgehenden deutschen Renaissance und des beginnenden Barocks“ – nachzulesen im1988 erschienenen und von Sonja Schürmann geschriebenen DuMont Kunst-Reiseführer „Düsseldorf. Eine moderne Landeshauptstadt mit 700-jähriger Geschichte und Kultur“.

Die „stadt- und kunstgeschichtlich bedeutende Andreaskirche entstand auf Anregung der 1619 nach Düsseldorf gerufenen Jesuiten. Unter Herzog Wolfgang Wilhelm aus dem Hause Pfalz-Neuburg konnte die Kirche inmitten des Dreißigjährigen Krieges in recht kurzer Zeit (1622 – 1629) vollendet werden. Erweiterungen und Umbauten folgten in späteren Jahren. In der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts wurde das sich westlich der Kirche anschließende Jesuitenkolleg errichtet. 1708 erhielt die Andreaskirche den offiziellen Titel „Hofkirche“. Das Mausoleum fand im 19. Jahrhundert seine heutige Form. Im Frühjahr 1991 konnten umfangreiche Restaurierungsarbeiten im Inneren der Kirche abgeschlossen werden.

Beim Betreten der hellen, dreischiffigen Emporenhalle mit ihrem Kreuzrippengewölbe fallen vor allem die Stuckarbeiten in den Deckenpartien ins Auge. Das Bildprogramm der Stuckdekoration ist aller Wahrscheinlichkeit nach in wesentlichen Teilen auf Herzog Wolfgang Wilhelm selbst zurückzuführen.

Formal der klassischen Spätrenaissance entsprechend thematisieren die Stuckarbeiten die Dreifaltigkeit (Apsis), die Engel, Patriarchen, Propheten, Evangelisten und heiligen Monarchen (Mittelschiff), das „Jüngste Gericht“ (hinter dem Orgelprospekt) sowie die Heiligen der Kirche (Seitenschiffe und Emporen.

Das Bildwerk in seiner Gesamtheit stellt nach den Worten des Kunsthistoriker und Verlegers Hugo Schnell die „umfassende Idee der Kirche“ dar. Hingewiesen sei besonders auf die Darstellungen des Heiligen Andreas (linke Empore) und des Heiligen Dominikus. In Ergänzung zu den stuckierten Heiligendarstellungen finden sich an den Außenpfeilern der Seitenschiffe unter anderen lebensgroße Holzstatuen der zwölf Apostel aus dem 17. Jahrhundert; an den Pfeilern des Mittelschiffs präsentieren sich verschiedene Heilige des Jesuitenordens.

Nähere Erläuterungen dazu gibt es in dem von Sonja Schürmann geschriebenen DuMont Kunst-Reiseführer „Düsseldorf. Eine moderne Landeshauptstadt mit 700-jähriger Geschichte und Kultur“. Wie sie darin ausführt, haben „alle diese Heiligendarstellungen … nicht nur eine dekorative Funktion, sie sind darüber hinaus Träger eines bestimmten Programms. Der gläubige Laie ist im ganzen Kirchenraum von Heiligen umgeben. Die Vorstellung des augustinischen Himmelsstaates „civitas dei“ wirkt hier nach.“

Die beiden Seitenaltäre sind Barockschöpfungen aus der Entstehungszeit der Kirche, die jetzigen Altarbilder entstanden im 19. Jahrhundert: auf der linken Seite „Maria als Himmelskönigin mit Kind“ von Ernst Deger und rechts „Christus an der Geisselsäule“ von Julius Hübner, beides Düsseldorfer Maler. Ebenfalls zur ursprünglichen Ausstattung (um 1650) gehört die Kanzel; wie die Seitenaltäre ist sie ein Werk der beiden Jesuitenkünstler J. Wolf und J. Hoen.

Ungewöhnlich im Rahmen der barocken Architektur ist der Hochaltar von Ewald Mataré. 1960 schuf der auch als Künstler tätige Professor an der Düsseldorfer Kunstakademie diesen Marmoraltar einschließlich der Fenster des Chorraumes und des zentral hängenden Kreuz-Teppichs.

Aus dem im letzten Weltkrieg zerstörten barocken Hochaltar stammt das nun in der sogenannten „Fürstenloge“ zu sehende große Gemälde „Martyrium des Heiligen Andreas“ von Heinrich Lauenstein.

Durch die „Räume des Empfangs“ hindurch ist das Mausoleum zu erreichen. Dieser außen zwölf- und innen sechsseitige Zentralbau beherbergt die Sarkophage von sieben Mitgliedern des herzoglichen Hauses Pfalz-Neuburg, darunter auch den reich geschmückten Zinnsarkophag des 1716 verstorbenen Kurfürsten Johann Wilhelm, besser bekannt als „Jan Wellem“.

Wieder dem Ausgang der Kirche zugewandt fällt der Blick auf den prächtigen Orgelprospekt, entstanden in der Zeit von 1780 bis 1782 und links neben dem Portal auf ein großes Barockkreuz, das vermutlich von Gabriel de Grupello entworfen wurde.

Die Andreaskirche und ihre Schätze

Die Andreaskirche besitzt einen reichen Kirchenschatz. Bemerkenswert sind Silberfiguren aus dem 17. Jahrhundert, darunter eine Madonna von Heinrich Ernst aus dem Jahre 1656, ein kürzlich ergänzter Elfenbein-Kalvarienberg aus der Zeit um 1700 und ein Rokoko-Kelch aus dem Jahre 1760. Unter den Paramenten aus verschiedenen Jahrhunderten sind neben einer um 1650 entstandenen komplett schwarzen Kapelle zum Beispiel eine rote Kasel (1685) und barocke Chormäntel erwähnenswert.

Von den Jesuiten zu den Dominikanern

Bis zur Auflösung des Jesuitenordens 1773 blieb St. Andreas eine Klosterkirche. 1842 bis 2005 war sie Pfarrkirche, seitdem ist sie wieder Klosterkirche – jetzt der Dominikaner, die 1972 ihren Düsseldorfer Konvent von der Herzogstraße in die Altstadt verlegten und seitdem für die Seelsorge an der Kirche verantwortlich sind. 1991 begannen sie mit ihrem Cityseelsorge-Projekt „St. Andreas – Offene Kirche der Dominikaner“. Der Kirchenraum ist an allen Tagen geöffnet und findet durch Predigten, Gottesdienste und Gebet, aber auch durch Konzerte, Ausstellungen und andere kulturelle Veranstaltungen vielfältige Nutzung.

Nähere Informationen:

Telefon: 0211 136340

E-Mail: dominikaner@gmx.de

Internet: http://www.dominikaner-duesseldorf.de

Verwendete Literatur:

Jürgen Wiener, Düsseldorf – St. Andreas, Euro Art Verlag Kurt L. Lehner Kunstführer, Passau, 1997

Sonja Schürmann, Düsseldorf. Eine moderne Landeshauptstadt mit 700-jähriger Geschichte und Kultur, DuMont Kunst-Reiseführer, Köln, 1988

Flyer der St. Andreas – Offene Kirche der Dominikaner

Ein Kultururlaub: Buchmesse in Leipzig und Moritzburg in Halle/Sachsen-Anhalt

Es ist schon eine etwas längere Tradition, dass ich zur Buchmesse nach Leipzig fahre. Vor etwas längerer Zeit im März letzten Jahres war es wieder so weit.

Morgens um 9 Uhr ging es los, bei durchwachsenem Wetter, das sich aber bald zum Besseren wendete. Neben der Entscheidung, nach drei Jahren Pause wieder einmal zur Buchmesse zu fahren, war es eine weitere gute Entscheidung, statt über Hannover und Salzgitter zu fahren, die Strecke über Kassel zu wählen. Die war von der Fahrtzeit zwar länger angegeben, war aber kürzer und hatte den Vorteil, dass ohne Stau bis nach Naumburg durchgefahren werden konnte, wo das Hotel war, das äußerst empfehlenswerte „Braugasthaus“ in unmittelbarer Nähe des Marktplatzes mitten im Zentrum dieser schönen Stadt, die durch viele, gut erhaltene Gebäude aus verschiedenen Jahrhunderten besticht. Immer wieder bemerkenswert und aufs Neue zu entdecken sind die liebevoll mit Ornamenten, Objekten und Figuren gestalteten Fassaden in Fachwerkbauweise, die zum längeren Verweilen und genauerem Betrachten einladen.

Anhand der gut sichtbaren Hinweisschilder sind auch die architektonischen und kulturellen Sehenswürdigkeiten Naumburgs schnell zu entdecken. Dazu gehört an erster Stelle der Naumburger Dom, eine Doppelchoranlage mit je einem Chor an beiden Schmalseiten und eines der bedeutendsten Kulturdenkmäler des europäischen Hochmittelalters. Weltweit einzigartig sind seine Architektur, die Glasmalerei und die Bildhauerkunst. Wertvolle Kunstschätze entführen den Besucher in die Welt des Mittelalters; und die romantische Ladegastorgel lässt den Dombesuch bei einem der zahlreichen Orgelkonzerte zum einzigartigen Klangerlebnis werden.

Nicht vergessen werden darf an dieser Stelle die Figur der Uta von Naumburg, eines der bedeutendsten plastischen Bildwerke der deutschen Gotik. Es handelt sich um die Darstellung der um 1000 geborenen Uta von Ballenstedt, die zum Hochadel und zum Hof des Kaisers gehörte. 1026 wurde sie mit Ekkehard II., Markgraf von Meißen, verheiratet. Sie galt als schönste Frau des Mittelalters, und so wurde sie vom Naumburger Meister dargestellt. Ihre Schönheit verdankt sie nach der Vorstellung des Künstlers ihrem Charakter, der von Vornehmheit, Gottesgläubigkeit, Frommheit und Großzügigkeit gekennzeichnet war. So war es auch kein Wunder, dass sie die Berühmteste der 12 Stifterfiguren des Naumburger Doms ist. Besonders war es für die damalige Zeit, nicht heilige, sondern weltliche Figuren in der Kirche darzustellen.

Alle zwei Jahre veranstaltet die Stadt Naumburg übrigens ein besonderes Treffen für alle Namenspaten der Stifterfigur des Naumburger Doms, „Uta von Ballenstedt“. Geboten wird ein vielfältiges Programm mit Dom- und Stadtführungen, Workshops, Theateraufführungen und Konzerten.

Interessant ist natürlich auch ein Besuch des Nietzsche-Hauses. Der Verkünder vom Tode Gottes und vom Übermenschen, der jenseits aller traditionellen, vor allem vom Christentum verkündeten Moralvorstellungen sein Leben in die selbstbestimmten Hände legt, hatte dort einige Zeit mit seiner Mutter und seiner Schwester Elisabeth zusammengelebt. Heute ist das Gebäude am Weingarten 18 ein Museum, das sich dem Leben und Werk des Philosophen widmet.

Und wer in Naumburg und Umgebung nur einfach Urlaub machen will, wird auch sein Vergnügen haben. Die abwechslungsreiche Landschaft und die umliegenden Weinorte und geschichtsträchtigen Städte sind immer einen Ausflug wert.

Abends kann man dann den Tag bei gutem Essen und Trinken in einer der zahlreichen gastronomischen Betriebe ausklingen lassen, die oft in älteren Gebäuden beherbergt sind und so durch ihre besondere, geschichtsträchtige Atmosphäre bestechen.

Als Peter Twiehaus mehrere Sachen aus seiner Tasche fielen

Am zweiten Tag geht es zur Buchmesse. Hier kann ein Stau angesichts der Besuchermassen nicht vermieden werden, aber der hält sich in Grenzen und ein Parkplatz, sogar kostenlos, ist schnell gefunden. Wer als Erstes auffällt, sind die „Cosplayer“ in ihren sehr fantasievoll gestalteten Kostümen. Sie haben bei der Buchmesse in Leipzig am Freitag ihren zentralen Tag. Wem der Name Cosplayer nichts sagt, dem sei erklärt, dass es sich um Fans von Comics, Fantasy, Science Fiction oder Manga handelt, die versuchen, ihrer Lieblingsfigur aus Buch und Film möglichst nahezukommen. Da darf es einen auch nicht wundern, wenn einem zum Beispiel „Darth Vader“, „Harry Potter“ oder „Jack Sparrow“ begegnen. Manches Mal sehen die auch sehr martialisch aus, aber es ist ja nur ein bunter Spaß.

Wie es der Zufall will, begegnet dem aufmerksamen Besucher schon kurz vor dem Eingang in eine der riesigen Hallen der Leipziger Messe, die durch ihre großen Glasfassaden bestechen, auf einen Prominenten. Es ist Peter Twiehaus, vielen als Film- und Buchexperte aus dem ZDF-Frühstücksfernsehen bekannt. Ihm ist etwas aus seiner Tasche gefallen, und beim Aufheben fällt ihm gleich alles aus der Tasche. Nervosität vor dem Auftritt? Er wird es wohl hinkriegen, war ja auch nicht viel, was auf dem Boden liegt, denken wir und gehen weiter zum Eingang.

Eine kurze Enttäuschung an der Kasse: Trotz des Eintrittspreises in Höhe von 24 Euro gibt es kein Programmheft, nur eine Wegbeschreibung. Begründung: Aus Umweltgründen soll auf Papier verzichtet werden. Da haben die Aktivisten, die einem auf dem Weg ohne Fragen Flyer in die Hand drücken, weniger Skrupel, aber ein höchst moralisches Anliegen. Sie machen sich für die Palästinenser im Gaza-Streifen stark, bezeichnen Israels Gegenwehr gegen den mörderischen Anschlag vom 7. Oktober mit über 1000 Toten und vielen Geiseln als Genozid, wissen aber nichts von der langjährigen und komplexen Geschichte, die dahinter steht. Ich war schon drauf und dran, den Aktivisten zu empfehlen, sich das Alte Testament zur Hand zu nehmen, aus dem sich die Anfänge des Konflikts zwischen den Arabern und Israelis entnehmen lassen, und dazu noch ein paar Bücher über die folgenden Entwicklungen bis zur Gegenwart, Zeitungen, politische Magazine und Sendungen im öffentlich rechtlichen Fernsehen; aber bei solchen vor selbstgefälliger Moral nur so strotzenden Leuten, die in ungewissen Internetforen ihre Wahrheit suchen und sie zumeist nur in Form von ein oder zwei Sätzen, begleitet mit ungesichertem Videomaterial, zu sich führen, kann ich mir die Mühe sparen.

Skurril muten zwei Trotzkisten an, die auf die Palästina-Aktivisten folgen. Ich wusste nicht einmal, dass es die noch gibt. Aber wissen die, dass Trotzki genau so ein kaltblütiger Mörder war wie seine Genossen Lenin und Stalin und es in Kauf nahm, auch auf Arbeiter und Soldaten schießen zu lassen, die für die Revolution waren, aber nicht für die Alleinherrschaft der Bolschewisten. Der Unterschied zu Stalin war nur, dass der gewiefter war, die Macht nach Lenins Tod ergriff und 1941 endgültig bewies, wer von den beiden im kommunistischen Lager was zu sagen hat. Trotzki bekam in seinem Exil in Mexiko einen Eispickel ins Gesicht mit tödlichem Ausgang. Stalin konnte dann noch weitermorden bis zu seinem krankheitsbedingten Tod im Jahre 1953. Auch auf diese Diskussion habe ich keinen Bock, da mit Ideologen, die durch ihre Unbeirrbarkeit immer im Recht sind, kein Wort zu sprechen ist.

Sowohl die Aktivisten als auch die Trotzkisten bleiben aus nachvollziehbaren Gründen zumeist für sich und ihre Flyer landen auf dem Boden. Schade ums Papier, das man besser für ein Programmheft zur Buchmesse hätte verwenden können. Sei´s drum.

Im Eingangsbereich West angekommen, lädt eine Gastronomie-Meile zum gemütlichen Verweilen ein, doch dann war der Name Dennis Scheck zu hören, bekannt als Literaturkritiker vor allem durch seine Sendung „Druckfrisch“. Und umstritten durch seine Art, wie er Bücher, die er überhaupt nicht mag, unter anderem von Sebastian Fitzek, gewissermaßen entsorgt. Darüber kann man streiten, aber nicht darüber, dass er geistreich und unterhaltsam ist; und dass er von sich überzeugt ist, gehört wohl zu seinem Metier. Beeindruckend allemal ist es, wie er in 30 Minuten 30 Lesetipps gibt und dabei in der Lage ist, zu jedem das Wichtigste zu sagen. Die Bandbreite reicht von aktuellen Büchern über Kafka aus Anlass seines 100. Todestages über Neuauflagen der Aphorismen und Parabeln von Kafka bis hin zu Nora Krug mit ihrer graphic novel „Im Krieg. Zwei illustrierte Tagebücher aus Kiew und St. Petersburg“ und zu Wolf Haas, der mit dem Roman „Eigentum“ zu den Nominierten für den Preis der Leipziger Buchmesse 2024 gehörte.

Ohne festen Plan geht es dann zu den Ständen bekannter Verlage wie Rowohlt, Fischer, Beck und Reclam, wo ich zum ersten Mal fündig werde. Auf Empfehlung von Dennis Scheck kaufe ich mir die Fabeln von Franz Kafka, aus eigenem Interesse die wunderbar gezeichneten und äußerst humorvollen Bildergedichte „Meine Klassiker“ von Hans Traxler, indem er sich oft den sexuellen Begehrlichkeiten und Nöten so prominenter Figuren wie Johann Wolfgang von Goethe, Friedrich Nietzsche, Siegmund Freund oder Casanova widmet, und einen Band mit Kürzestgeschichten für den kleinen literarischen Hunger zwischendurch. Ein weiterer Anlaufpunkt: das Antiquariat, das von mehreren Antiquaren bestückt wird. Ärgerlich ist hier die ungeordnete Bestückung der Regale. Orientierunglos laufe ich dort herum, bis ich zumindest eine Idee habe, was ich mir dort kaufen könnte. Bei mehreren Gesprächen mit Freunden wurde ich auf die literarische Qualität der Maigret-Krimis von Georges Simenon hingewiesen. Aber wo finden? Glücklicherweise habe ich doch ein paar davon entdeckt. Ich entscheide mich aufgrund des Titels für den Band „Hier irrt Maigret“. Ein Glücksgriff, wie sich bei der späteren Lektüre herausstellt. Danach lasse ich es ein bisschen ruhiger angehen, gönne mir etwas zu trinken und beobachten die Leute. Was vor allem bei den Besuchern auffällt: geschmacklose und vor allem bei den Frauen unvorteilhafte Kleidung. Ich zerreiße mir innerlich das Maul, und wundere mich, warum Menschen, die sich mit einer so schönen Materie wie Literatur beschäftigen, so wenig auf ihr Äußeres achten.

Als Enttäuschung empfinde ich den Stand der Gastländer Niederlande und Flamen. Lieblos, ohne Zusammenhang und Erklärung wurden dort Bücher aneinandergereiht. Aber das war bei anderen Präsentationen von Gastländern auch schon der Fall. Ist aber keine Entschuldigung.

Ebenfalls enttäuschend: die Auswahl der Preisträger in den Bereichen Belletristik und Sachbuch. Ohne genau zu wissen, woran es liegt, spricht uns keines der Werke an. Die Autorinnen und Autoren sind bis auf Wolf Haas zumindest uns beiden völlig unbekannt.

Und dann geht es auch schon zurück nach Naumburg, wo ich den Abend bei gutem Essen und Trinken ausklingen lasse. Bei den Planungen für den kommenden Tag kommt irgendwann natürlich die Frage auf, welche Stadt ich mir am Samstag anschauen sollte. Da im Freundes- und Bekanntenkreis oft von Halle gesprochen wurde, und dem dort ansässigen Kunstmuseum Moritzburg, das mich auch interessierte, fiel die Entscheidung für Halle. Außerdem kannte ich die Stadt Halle noch nicht.

Auf nach Halle zur Moritzburg

Bevor es mit der Beschreibung des Kultururlaubes weitergeht, ein paar Worte zu der „Diva in grau“: Halle in Sachsen-Anhalt. Den Beinamen hat sich Halle durch den Fotoband „Diva in Grau. Häuser und Gesichter in Halle“ erworben. Die Fotografin Helga Paris hatte von 1983 bis 1985 auf ihren Motiven den desaströsen Zustand der Stadt festgehalten. Zudem enthielt der Band literarische Texte, die wie die Fotos den Zustand der Stadt und die Befindlichkeit vieler Bewohner mit einer poetischen Präzision trafen, dass „Diva in Grau“ in der Folge zu einer viel zitierten Chiffre für die Stadt wurde. Halle war zum Synonym für Verfall und Tristesse geworden.

Für den Betrachter von heute ergibt sich ein durchwachsenes Bild. An Orte des Verfalls schließen sich direkt viele gut erhaltene historische Gebäude an, die vom früheren Ruhm der Stadt als Standort von Handel, Universität, Kunst und Kultur und als Residenzort zeugen. Aufwändige Sanierungsmaßnahmen und städteplanerische Überlegungen haben Früchte getragen. In einem Artikel zum Fotoband heißt es, dass Halle bei aller Tristesse den Glauben aufrecht erhalten habe, eine unzerstörbare Würde zu besitzen, und für künftige Zeiten die Perspektive, wieder einmal lichtere Zeiten erleben zu können.

Was ich von Halle außerhalb der Moritzburg noch sehen werde, entscheidet sich später. Für die, die von der Moritzburg bisher noch nichts gehört haben, an dieser Stelle ein paar Basisinformationen: DieMoritzburgist heute eine als Museum rekonstruierte Burgruine, Im Jahr 1484 wurde der Grundstein für die spätere Residenz der Magdeburger Erzbischöfe gelegt. Sie wurde im Stil der Spätgotik errichtet und ist heute eines der imposantesten Bauwerke der Saalestadt Halle. Im Dreißigjährigen Krieg wurde die Moritzburg 1637 durch ein Feuer in weiten Teilen beschädigt und 1639 sprengten sächsische Truppen die Südwest-Bastion mit einer Mine, um die schwedischen Besatzungstruppen zur Aufgabe zu zwingen. Danach blieb die Burg weitgehend Ruine und der Wohnsitz des Magdeburger Erzbischofs wurde auch offiziell in die benachbarte, 1531 erbaute Neue Residenz verlegt. Seit 1904 beherbergt die Moritzburg vor allem ein Kunstmuseum mit überregionaler Ausstrahlung. Von 2005 bis Dezember 2008 wurden der Nord- und der Westflügel von den Architekten Enrique Sobejano und Fuensante Nieto zur Erweiterung der Ausstellungsfläche ausgebaut. Seit dem 13. Dezember 2008 ist das erweiterte Kunstmuseum für den Publikumsverkehr wieder geöffnet.

Der persönliche Eindruck: eine äußerst beeindruckende Anlage im Zentrum der Stadt, die gerade für Freunde der Kunst ein absolutes Muß ist. Die Bandbreite dessen, was dort an Kunst versammelt ist, beeindruckt. Sie erstreckt sich auf mehreren Ebenen von sakraler Kunst aus der Zeitspanne vom Mittelalter bis zum Barock über die Kunst des 16. bis 19. Jahrhunderts bis hin zur Kunst in der ehemaligen DDR.

Zunächst einiges zum Stichwort „Wege der Moderne – Kunst in der SBZ/DDR 1945 – 1990“: Nach dem Zusammenbruch der DDR herrschte insbesondere in Westdeutschland ein großer Vorbehalt gegenüber der dort von 1945 bis 1990 geschaffenen Kunst. Der Grund: die Nähe bekannter Künstler wie Werner Tübke, Willi Sitte und Bernhard Heisig zur allein herrschenden SED und dem diktatorischen Staatsapparat der DDR. Diese problematische Beziehung wird allerdings in der Ausstellung thematisiert. So wird darauf hingewiesen, dass die sogenannte Formalismus-Debatte im Jahre 1948 zu großen Verwerfungen in der dortigen Künstlerszene führten. Künstler, die nach dem Zweiten Weltkrieg einen Neuanfang wagten und sich nicht den Vorgaben des „Sozialistischen Realismus“ fügten, der eine klare Abgrenzung zum „westlich-dekadenten Kunstbetrieb“ zum Inhalt hatte, bekamen Schwierigkeiten. Auf der ersten Zentralen Kulturtagung der SED vom 7. Mai 1948 wurde eine Abkehr von der Freiheit der Kunst gefordert. „Die Idee der Kunst muss der Marschrichtung des politischen Kampfes folgen“, formulierte der Ministerpräsident der DDR, Otto Grotewohl, was verkürzt bedeutete, dass sich die Künstler in der DDR in den Dienst der Idee des Sozialismus zu stellen hatten. Sie sollten mit ihren Werken ein wahrheitsgetreues und gegenständliches Abbild der „sozialistischen“ Wirklichkeit liefern. Der sogenannten „formalistischen Kunst“ aus dem Westen wurde die „Zerstörung der gesellschaftlichen Zusammenhänge“ und der „tatsächlichen Erscheinungsformen der Wirklichkeit“ zum Vorwurf gemacht, die Werke von Künstlern wie Pablo Picasso, Marc Chagall, Karl Schmidt-Rottluf und Karl Hofer wurden mit den Begriffen „Mummenschanz“ und „Wirklichkeitsfälschung“ tituliert.

Die Ausstellung in der Moritzburg greift diese Thematik auf. Wie dort auf Infotafeln nachzulesen ist, „werden offizielle sozialistisch-realistische Positionen kontrastiert mit Werken von Künstlern, die nach Wegen suchten, im Kontakt mit internationalen Entwicklungen zu bleiben beziehungsweise Positionen der künstlerischen Moderne weiterzuentwickeln.“

„Wege der Moderne – Kunst in der SBZ/DDR 1945 – 1990“

Beim genaueren Betrachten des Bereiches „Wege der Moderne – Kunst in der SBZ/DDR 1945 – 1990“ wird deutlich, dass die von den Verantwortlichen der Moritzburg formulierten Ziele in bester Manier umgesetzt wurden. Die Bandbreite der Ausdrucksformen sowie das große künstlerische Handwerk überzeugen ebenso wie die zur Verfügung gestellten Informationen über die Künstler, ihre Werke und die damit verbundenen Auseinandersetzungen in einem Staat, der sich den Sozialismus auf die Fahnen geschrieben hatte und daran gescheitert ist.

Weiteres ist in einem Flyer nachzulesen: „Mit der Präsentation der Kunst nach 1945 bezieht sich das Museum auf die eigene Sammlung, die sich für diesen Zeit abschnitt historisch bedingt in erster Linie als eine Sammlung zur Kunst in der ehemaligen DDR darstellt. Dementsprechend bekennt sich das Museum zu seiner regionalen und historischen Verortung und präsentiert die Kunst in der zweiten Jahrhunderthälfte fokussiert auf die vielfältigen künstlerischen Ausdrucksmöglichkeiten in der ehemaligen SBZ/DDR.

Den Auftakt bilden in Halle (Saale) entstandene Arbeiten aus den späten 1940er Jahren bis Mitte der 1950er Jahre, jener Zeit, in der Künstler wie Hermann Bachmann, Herbert Kitzel, Horst Strempel oder Theo Balden im Anknüpfen an die von den Nationalsozialisten geächtete Moderne einen künstlerischen Neuanfang versuchten. Infolge der Formalismus-Debatte ab 1948 verließen viele von ihnen enttäuscht die neu gegründete DDR gen Westen.

Im Kern der Präsentation werden offizielle sozialistisch realistische Positionen kontrastiert mit Werken von Künstlern, die nach Wegen suchten, im Kontakt mit internationalen Entwicklungen zu bleiben bzw. Positionen der Moderne weiterzuentwickeln. Arbeiten beispielsweise von Werner Tübke, Wolfgang Mattheuer, Willi Sitte oder Willi Neubert treffen u. a. auf Werke von Hermann Glöckner, Robert Rehfeldt, Wasja Götze, Hans Ticha oder A. R. Penck und Hartwig Ebersbach. Mit Werken von Einar Schleef, Wolfram Ebersbach, Clemens Gröszer, Norbert Wagenbrett, Eberhard Göschel, Peter Ma kolies und Hartmut Bonk öffnet sich die Präsentation in die Jahre vor der Wiedervereinigung beider deutscher Staaten.

Kunst aus dem Dritten Reich

Auch an ein Tabuthema wagt sich das Museum heran: umstrittene Kunst aus dem Dritten Reich. Wie es damit umgeht, ist auf der Internetseite des Museums nachzulesen: „Eine Besonderheit stellt der Ausstellungsbereich zur Kunst 1933 bis 1945 dar. Es werden Werke präsentiert, die in diesem Zeitabschnitt entstanden und zum Teil auch erworben worden sind – sowohl von Vertretern der Moderne als auch von Vertretern der „NS-Kunst“. Mit diesem Ausstellungsteil geht das Museum als eines der ersten Kunstmuseen in Deutschland offensiv mit seiner Institutions- und Sammlungsgeschichte im Rahmen einer Dauerausstellung um und spart die „schwarzen Jahre“ der nationalsozialistischen Diktatur nicht länger als blinden Fleck der Sammlungspräsentation aus. Vielmehr wird in Reaktion auf die jüngeren Forschungsergebnisse zur Kunst im „Dritten Reich“ reagiert und eine Präsentation der Werke gezeigt, die die plakative Schwarz-Weiß Zeichnung der Vergangenheit aufgibt und den Besucher zu einer differenzierten Betrachtung der in dieser Zeit entstandenen Kunst einlädt.“

Dauerausstellung zur Kunst des 20. Jahrhunderts in Deutschland

Es werden aber auch weitere Kunstwerke aus der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts gezeigt: „Die 2017 neu eingerichtete Dauerausstellung zur Kunst in Deutschland zwischen 1900 und 1945 stellt die einzigartige Museumsgeschichte anhand herausragender Objekte aus den Sammlungen des Hauses vor. Sie ist in drei Bereiche gegliedert: Kunst 1900–1918 mit dem Schwerpunkt Expressionismus; Kunst 1919–1933 mit den Schwerpunkten Neue Sachlichkeit und Abstraktion; und wie schon erwähnt Kunst 1933–1945. Entlang dieser Abschnitte wird die Geschichte des Museums mit seinen Direktoren und deren Formung der Sammlungen gemeinsam mit der Entwicklung der Kunst in Deutschland in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts vermittelt. Alle drei Bereiche präsentieren Werke der freien und angewandten Kunst gleichrangig miteinander – neben Gemälden und Plastiken werden dem historischen Profil des 1885 als Museum für Kunst und Kunstgewerbe gegründeten Hauses entsprechend Objekte des Kunsthandwerks sowie kleinplastische Medaillen ausgestellt.“

Vertreten sind Werke unter anderem von Gustav Klimt, George Minne, Edvard Munch, Max Beckmann, Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Erich Heckel, Franz Marc, Emil Nolde, Wilhelm Lehmbruck, Georg Kolbe, Moissey Kogan, Alexander Kanoldt, Karl Völker, Richard Horn, Conrad Felixmüller, William Wauer, Lyo nel Feininger, Otto Griebel, Georg Schrimpf, Christian Schad, Oskar Nerlinger, Paul Klee, Fritz Winter, Erwin Hahs, El Lissitzky, Walter Dexel, Erich Buchholz, Ewald Mataré, Gustav Weidanz, Karl Hofer, Otto Dix, Franz Lenk, Werner Peiner, Ernst Wilhelm Nay, Max Ernst, Oskar Moll, Karl Müller, Heinz Trapp, Paul Mathias Padau, Fritz Klimsch, Richard Scheibe, Gerhard Marcks und Emi Roeder sowie Mathilde Flögl, Max Laeuger, Wilhelm Wagenfeldt, Marianne Brandt, Marguerite Friedlaender und Jan Bontjes van Beek.

Kunst des 16. bis 19. Jahrhunderts und Sakrale Kunst vom Mittelalter bis Barock

Ergänzt wird die insgesamt 250.000 Gemälde, Zeichnungen, Aquarellen, Druckgrafiken, Fotografien, Plastiken, Objekte des Kunsthandwerks und Designs sowie Münzen, Geldscheinen und Medaillen umfassende Sammlung durch Kunst des 16. bis 19. Jahrhunderts und durch Sakrale Kunst vom Mittelalter bis Barock.

In den beiden Etagen des Talamtsgebäudes im Südflügel der Moritzburg werden in sechs Räumen Gemälde, Plastiken, Objekte des Kunsthandwerks und Medaillen vom 16. bis 19. Jahrhundert präsentiert. Neben Arbeiten von Anselm Feuerbach, Hans von Marées oder Carl Adolf Senff gibt es unter anderem auch Gemälde von französischen und italienischen Meistern zu entdecken. Besondere Höhepunkte sind das Vanitas-Stillleben des Damien Lhomme, genannt „Meister des Almanachs“, und dieDiana von Hans von Aachen, des Hofmalers Kaiser Rudolfs II. in Prag.

Die Ausstellung mittelalterlicher Altäre und Skulpturen, von Spolien aus bedeutenden halleschen Bauwerken und sakralen Objekten im Gotischen Gewölbe vereint eine Auswahl aus den reichen Sammlungen der alten Kunst in einem Raum, der zu den ursprünglichen Teilen der Residenz zählt.

Seit 1952 wird das Gewölbe für Ausstellungen alter Kunst und des Kunsthandwerks genutzt. Die Altäre und Altarﬁguren der Sammlung stammen vorwiegend aus Kirchen im mitteldeutschen Raum. Überwiegend wurden sie auch in den zahlreichen Werkstätten in der Region gefertigt.

Zu Besuch in Weimar – Von Goethe bis Bauhaus-Bewegung

Schon seit ein paar Jahren fahre ich zur Buchmesse nach Leipzig. Damit verbunden ist auch ein Ausflug zu Sehenswürdigkeiten in der näheren und weiteren Umgebung.

Da durfte natürlich die wunderschöne Stadt Weimar nicht fehlen, die nicht zuletzt durch das dortige Wirken des Dichters Johann Wolfgang von Goethe zu Weltruhm gelangte und bis heute ein kultureller Standort von hohem Rang ist. Davon zeugen unter anderem die Räumlichkeiten des ersten Bauhaus-Standortes, die Herzogin Anna Amalia-Bibliothek, das Nietzsche-Archiv und natürlich das Goethe-Haus am Frauenplan.

Und der erste Eindruck von Weimar, wenn man ins Zentrum gelangt: Ein absoluter Traum, man fühlt sich angesichts der vielen gut erhaltenen Häuser, Villen, Kultureinrichtungen, Schlösser oder anderer Amtssitze sofort in die Goethe-Zeit versetzt. Ganze Straßenzüge vermitteln den Eindruck, seit mehreren Jahrhunderten ohne große Veränderungen und unbeschadet geblieben zu sein. Und wenn einem einer der Helden der großen kulturellen Ära Weimars wie Goethe, Schiller oder Herder begegnet wäre, hätte es einen auch nicht gewundert.

Angesichts der Tatsache, dass wir nur eine begrenzte Zeit zur Verfügung hatten, beschränkten wir uns bei dem Besuch von Sehenswürdigkeiten auf das Goethe-Haus und das Bauhaus-Museum. Aber das alleine reicht schon. So umfängt einen im äußerst repräsentativen Goethe-Haus – ausgestattet mit vielen Original-Möbeln, Kunstwerken, Nachbildungen griechischer und römischer Büsten sowie einer umfangreichen Sammlung aus seiner Tätigkeit als Naturwissenschaftler – der unermessliche Geist des Dichterfürsten, der mit dem Briefroman „Die Leiden des jungen Werther“ das Lebensgefühl der jungen Menschen seiner Zeit traf, mit dem „Faust“ das ultimative Drama um den Kampf zwischen Gut und Böse schrieb und mit vielen weiteren Werken zum führenden Vertreter der Klassik wurde, in der das geistige Schaffen der griechischen und römischen Kultur eine Renaissance erfuhr. Goethe war es auch, der dank der Unterstützung des Weimarer Fürstenhauses und dank seines Bekanntheitsgrad viele Geistesgrößen wie Friedrich Schiller und manche mehr um sich vereinen konnte und die damals noch nicht so bekannte Stadt zu einem führenden Zentrum des Geistes und der Kultur in Deutschland machte. Mit diesem Wissen im Kopf wird das Goethe-Haus immer wieder zu einem inspirierenden Ort, der die Leidenschaft nach Kunst, Kultur und Wissen stets neu zu entfachen vermag.

Auch im 20. Jahrhundert vermag es Weimar ein weiteres Mal, zu solch einem Ort zu werden. Nach der Katastrophe des Ersten Weltkrieges erwächst die Sehnsucht nach einer geistigen und kulturellen Neuorientierung. Sie manifestiert sich unter anderem in der Bauhaus-Bewegung, deren erster räumlicher Standort 1919 Weimar war. Was sich dahinter verbirgt, wird im Bauhaus-Museum auf dem ehemaligen Minolplatz am Rande des Weimarhallenparks sichtbar.

Die zwar erst 1924 formulierten Fragen „Wie werden wir wohnen, wie werden wir siedeln, welche Form des Gemeinwesens wollen wir anstreben“ bringen in knapper Form auf den Punkt, was schon vorher die Beteiligten mit Walter Gropius an der Spitze umtrieb. Er selbst formulierte folgenden Anspruch: „… Kunst … braucht die innigste Verbindung mit der Umwelt mit dem lebendigen Menschen. Erst muß der Mensch wohlgestaltet sein, dann erst kann ihm der Künstler das schöne Kleid anziehen. Das heutige Geschlecht muss von Grund auf neu beginnen, sich selbst verjüngen, erst eine neue Menschlichkeit, eine allgemeine Lebensform des Volkes erschaffen. Dann wird die Kunst kommen.“

In der Dauerausstellung werden die von der Bauhaus-Bewegung entwickelten Ideen und die daraus resultierenden Ergebnisse in mehrere Bereiche unterteilt, die aber auch in einem inneren Zusammenhang stehen: „Der neue Mensch“, „Schule als Experiment“, „Neuer Alltag“, „Neues Wohnen“ und „Bühne des Bauhauses als Experimentierfeld“. Auch die Frage „Was bleibt“ wird gestellt.

Deutlich wird im Bauhaus-Museum, wie unterschiedlich die Vorstellungen gerade beim Thema des „Neuen Menschen“ waren. Sollte es nach den Verheerungen des mit industriellen Mitteln geführten Ersten Weltkrieges und dem dadurch entstandenen Zweifel an der Technik und ihren auch zerstörerischen Möglichkeiten ein Zurück zur Natur geben? Können die infolge der Gründung der Sowjetunion aufgekommenen utopisch-sozialitischen Gesellschaftsideale eine Lösung sein? Was ist mit dem Begriff des von dem Philosophen Friedrich Nietzsche entwickelten Gedanken des Übermenschen, der sich aus den Fesseln des Christentums löst und sein Leben nach eigenen Vorstellungen in die Hand nimmt? Bekannt geworden ist auch die Wandervogelbewegung, die sich gegen das Diktat der Vernunft, der Erwachsenenwelt und der auferlegten Pflichten wendet und das Zurück zur Natur und zum Individualismus beschwört In eine ganz andere Richtung geht der Konstruktivismus. Er setzt auf die Technik der Zukunft, in der die Menschen mittels mathematischer Vernunft die Moderne verwirklichen können. Alle diese Positionen finden sich beispielhaft im Bauhaus-Museum.

Weiteres Stichwort „Schule als Experiment“: Am Bauhaus in Weimar sollen die vorher getrennten Bereich Kunst und Technik eine neue Einheit bilden. Eingerichtet werden neben dem Bereich Kunst, Architektur und Siedlungsplanug eine keramische Werkstatt, eine Metallwerkstatt, eine Textilwerkstatt, eine Möbelwerkstatt, eine Glas- und Wandmalereiwerkstatt, eine Grafische Druckerei, Werkstätten für Holz- und Steinbildhauerei und eine Werkstatt für Buchbinderei. Auch Tanz und Theater spielen eine Rolle.

Dem früheren System einer elitären Kunstakademie wird eine Absage erteilt. Kunst und Leben sollen in direkter Verbindung stehen, Unterricht und Lernen ergeben sich in Form von Experimenten, nicht in überkommenen Auffassungen. Deutlich wird, dass der Geist der 1919 ins Leben gerufenen Demokratie in Deutschland im Bauhaus seinen Widerhall findet. Dort sollen in intensiven Diskussionen Ideen entwickelt werden, wie mit Architektur, Kunst und Handwerk ein Beitrag dazu geleistet werden kann, dem modernen Menschen ein ihm entsprechendes Leben auch im täglichen Dasein zu ermöglichen. Und dass soll nicht nur für eine Elite gelten, sondern für alle. Dieser Geist wird im Bauhaus-Museum mit verschiedenen Ansätzen widergespiegelt. Wie Heike Hanada in dem Buch „Bauhaus Museum Weimar“ schreibt, soll das Gebäude eine Stätte lebendiger Vermittlung sein, die „offen ist für unterschiedliche Zielgruppen des Weimar-Tourismus, der Bildungsreise bis hin zu Schule und Studium, als Forum für Diskussionen und Veranstaltungen, als Zentrum von Aktivitäten und als Labor, in dem sich Forschen und Sammeln, Präsentieren und Vermitteln, Experimentieren und Reflektieren wechselseitig durchdringen“.

Programm des Bauhauses: Es geht bei dem zu vermittelnden Wissen um eine Verbindung zwischen Kunst und Handwerk. Zum einen wird die Meinung vertreten, dass Kunst nicht lehrbar sei, sondern in der „Gnade eines Augenblicks“ entsteht, zum anderen, dass Kunst handwerkliche Fähigkeiten voraussetzt. Ute Ackermann bringt diesen Aspekt in ihrem Beitrag „Die Institution“ zum Buch über das Bauhaus-Museum auf den Punkt: „Die Künstler und Architekten müssen zu ihrem gemeinsamen Ursprung, dem Handwerk zurückkehren. Deshalb sollten alle Schüler und Schülerinnen eine handwerkliche Lehre aufnehmen. Dementsprechend nannten sie sich Lehrlinge und Gesellen; die Professoren wurden als Bauhaus-Meister betitelt“.

Mit diesen Gedanken wurde zum Ausdruck gebracht, dass es im Bauhaus keine dünkelhafte Abgrenzung zwischen Künstler und Handwerker geben sollte. Gemeinsam sollten sowohl die „Meister“ als auch „die Lehrlinge und Gesellen“ Utopien für eine neue Gesellschaft entwickeln. So wurde unter Anleitung des „Meisters“ Walter Determann eine Siedlung im Sinne des Bauhauses geplant, mit Häusern, Möbeln, Gemeinschaftsbauten und Außenanlagen.

Bauhaus im Alltag: Selbstverständlich spielte das Bauhaus auch eine Rolle bei Dingen des Alltags. Es ging darum, das Leben im privaten Haushalt zu vereinfachen. Mobilität, Hygiene, Raumoptimierung sowie neue Licht- und Energiequellen spielten eine Rolle, aber auch der Bedarf an Haushaltsgeräten, welche die Erledigung der dieser Tätigkeiten vereinfachen konnten: Wasch- und Spülmaschinen zählten ebenso dazu wie Toaster und Staubsauger. Von zentraler Bedeutung waren die Funktionalität von Produkten, die funktionale Gestaltung und die materialgerechte Form für die maschinelle Form. Ein zentraler Satz bei der Erstellung solcher Produkte lautete: Die Form folgt der Funktion. Einige dieser Produkte sind natürlich im Bauhaus-Museum zu sehen.

Dieser Satz galt aber auch für Räume, insbesondere für die Küche, in der kein geringer Teil der Hausarbeit zu leisten war. Das aus Ideen des Bauhauses entstandene Haus Am Horn in Weimar macht deutlich, wie eine Küche neuerer Art gestaltet wurde. Hier wurden erstmals Arbeitsläufe durchdacht und in eine passende Form der Küchenmöbel umgesetzt. Alle zu erledigenden Arbeiten konnten ohne unnötigen Wege Schritt für Schritt erfolgen. Die Wohnküche alten Stils hatte ausgedient.

Ein weiterer Schritt bei der Raumgestaltung: Für die meisten Menschen war zu Zeiten des Bauhauses ein eigenes Bad in der Wohnung ein absoluter Luxus. So stellte sich die Aufgabe, mit kostengünstig in großer Stückzahl industriell gefertigten Elementen wie Armarturen, Becken und Wannen ein modern ausgestattetes Bad auf möglichst kleinem Raum unterzubringen.

Ein ganz großer Schritt: Häuser im Baukastensystem. Der Architekt und Leiter des Bauhauses, Walter Gropius, entwickelte die Idee, Gebäude als Massenprodukte fertigen zu lassen. Johannes Siebler schreibt darüber im Buch zum Bauhaus-Museum: „In Fabriken sollten einzelne Raumkörper auf Vorrat industriell gefertigt und dann vor Ort am Bauplatz zusammengefügt werden … Durch die unterschiedlichen Kombinationsmöglichkeiten der Raumkörper und ihrer diversen funktionalen Belegung wird versucht, den individuellen Bedürfnissen der Bewohnerinnen und Bewohner gerecht zu werden und gleichzeitig eine Formvielfalt in der Architektur zu erhalten“. Heute nennt sich so etwas Fertighaus, ist aber oft von wenig kreativem Geist beseelt und sieht meist sehr fad aus.

Zu erwähnen sind natürlich auch noch die Themen Bühne, Ballett und Möbel, die im Museum in aller Ausführlichkeit widergespiegelt werden. Stichwort „Triadisches Ballett“.

Zum Schluss die Frage: Ist das Bauhaus gescheitert? Was die mit dem Bauhaus verbundenen Hoffnungen auf eine neue und bessere Gesellschaft angeht, muss wohl deutlich gesagt werden, dass die Zeit direkt nach dem verlorenen Ersten Weltkrieg und dem Zusammenbruch des deutschen Kaiserreiches dafür noch nicht reif genug war. Wegen Anfeindungen von der politischen Rechten musste das Bauhaus seine Zelte 1925 in Weimar abbrechen, fand aber in Dessau eine neue Heimat. Dort ging es bis 1933 weiter. Dann übernahmen die Nationalsozialisten die Macht. Sie schlossen das Bauhaus und vernichteten nicht nur mit diesem Schritt alle Hoffnungen auf einen gesellschaftlichen Neuanfang im Geist von Humanität, Demokratie und geistiger Freiheit. Geistige Barbarei, Krieg und der Massenmord an den Juden, aber auch an vielen anderen Minderheiten, bestimmten die nächsten 12 Jahre in Deutschland, aber auch in vielen anderen von Deutschland überfallenen Staaten in Europa.

Aber auch in kleinerem Rahmen konnte das Bauhaus die selbst formulierten Ziele nicht erfüllen. So gelang es bei der Entwicklung neuer Produkte nicht oder kaum, etwas zu schaffen, was für eine Mehrheit der Bevölkerung erschwinglich war. Der Vorwurf, Luxusprodukte für eine kleine Elite geschaffen zu haben, stand im Raum. Das galt auch für den Baubereich. Die von Hannes Meyer, Architekt und zweiter Direktor des Bauhauses, favorisierte Idee, auf genossenschaftlicher Ebene Bauprojekte auf die Beine zu stellen, scheiterte an der Politik. Wegen seiner linken Gesinnung wurde Meyer als Direktor entlassen.

Es gibt aber trotzdem noch eine Faszination für das Bauhaus. Wie Ulrike Bestgen im Buch zum Bauhaus-Museum schreibt, gibt es eine rege Forschungstätigkeit. Themen sind unter anderem die Weiterentwicklung von im Bauhaus entstandenen Ideen, die nach Flucht und Vertreibung der zumeist dem Nationalsozialismus gegnerisch gegenüberstehenden Schülern und Lehrern international Verbreitung fanden, die Gründung von länderübergreifenden Netzwerken und die technische Erforschung der am Bauhaus eingesetzten Materialien und Produktionsweisen. Deutlich wird das große Interesse am Bauhaus auch durch die Besucherzahlen des Museums in Weimar und des Bauhauses in Dessau samt den anliegenden Meisterhäusern.

Und was noch bleibt: die im Bauhaus-Museum zusammengetragenen Werke von Bauhaus-Künstlern, Einblicke in das Wirken der Bauhaus-Direktoren Walter Gropius, Hannes Meyer und Mies van der Rohe, das Haus Am Horn, das Haus Esters in Krefeld und die Villa Tugendhat in Brünn (Brno) und und und … Kurzum: Ein Besuch Weimars lohnt immer wieder!

Kunstbetrachtungen, Teil 15

Die Künste und ihre Unterteilung

Schon in der letzten Folge der Kunstbetrachtungen wurde anhand des Buches „Kunst – Eine philosophische Einführung“ von Georg W. Bertram das Thema der Begrifflichkeit der Kunst und die unter diesem Oberbegriff zusammengefassten Künste angesprochen – aber auch die damit verbundene Problematik, wie es gelingen kann, trotz der Unterschiedlichkeit der Künste diese unter dem Obergriff Kunst zusammenzufassen.

Bertram vertritt dazu die These, dass die Unterschiedlichkeit ein Charakeristikum der Kunst sei und schreibt: „Die Frage nach der Kunst betrifft die Kunst gerade in der Unterschiedlichkeit der Künste. Kunst leistet Selbstverständigung in der Differenz unterschiedlicher künstlerischer Medien und Verfahrensweisen.“ Erinnert sei dabei an die schon angesprochenen künstlerischen Ausdrucksformen wie Literatur, Malerei oder Skulptur, ihre jeweils unterschiedliche Herstellungsweise und die ebenfalls unterschiedliche Art ihrer äußerlichen Darstellung.

Was die Autoren und ihre Texte angeht, die sich mit diesem Thema beschäftigt haben, stellt Bertram heraus, dass viele davon sich darum kreisen, den Versuch zu unternehmen, die Künste zu gruppieren. Als einfachsten Weg, eine solche Gruppierung vorzunehmen, sieht er es an, „zwei Pole zu formulieren, und die unterschiedlichen Künste dann jeweils einem der beiden Pole zuzuordnen. Die Pole werden dabei so betrachtet, dass sie unterschiedliche Prinzipien von Kunst zum Ausdruck bringen, die ein einheitlicher Begriff der Kunst nicht zu umfassen vermag.“

Was diese Gruppierungen angeht, so stellt Bertram drei unterschiedliche Herangehensweisen bekannter deutscher Geistesgrößen heraus: „Es handelt sich erstens um Lessings prominente Unterscheidung von einerseits Künsten, die sich im Raum, und andererseits Künsten, die sich in der Zeit entwickeln. Zweitens kommt Nietzsches Unterscheidung von Dionysischem und Apollinischen zur Sprache.“ Und Dritter im Bunde ist Walter Benjamin, der zwischen auratischer und nichtauratischer Kunst unterschieden hat. Einschränkend weist der Autor darauf hin, dass es sowohl bei Nietzsche als auch bei Benjamin nicht der Fall sei, dass sie alle Künste jeweils in zwei unterschiedliche Lager verwiesen hätten.

Bedeutung von Raum und Zeit in den Künsten

Der erste der genannten Autoren, dem sich Bertram dann widmet, ist der bekannte Dichter und Vertreter der philosophischen Richtung der Aufklärung, Gotthold Ephraim Lessing, der 1766 die bekannte Schrift „Laokoon oder über die Grenzen der Malerei und Poesie“ veröffentlichte. Er trifft darin den Unterschied „zwischen Raumkünsten und Zeitkünsten.“ Zu den Raumkünsten zählt er Architektur, Plastik und Malerei, zu den Zeitkünsten Literatur und Musik – eine Unterscheidung, die rasch nachvollziehbar ist – ihre Charakteristiken ebenfalls.

Bertram definiert die Unterschiede, basierend auf Lessings Ausführungen, wie folgt: „Für Raumkünste ist charakteristisch, dass sie den Raum benötigen, um sich zu entfalten. Kunstwerke dieser Künste konfigurieren unterschiedliche Elemente nebeneinander. Ein solches Nebeneinander kann man nur überblicken, wenn es sich im Raum darbietet. Die unterschiedlichen Elemente einer Architektur, einer Plastik oder einer Malerei werden so im Raum gleichzeitig wahrgenommen. Architektur ist als solche gestalteter Raum. Eine Plastik muss in einem Raum zur Aufstellung kommen. Ihre Elemente stehen im Raum neben. Auch für Bilder – Malerei, Grafik, Fotografie oder anderes – gilt, dass Sie ein Nebeneinander von Elementen realisieren. Das Nebeneinander findet allerdings in diesem Fall – mehr oder weniger – auf einer Fläche statt.

Und was Lessing zum Thema Literatur und ihren Besonderheiten zu sagen hat, folgt bald im Rahmen von Teil 16 der Kunstbetrachtungen – wie immer anhand des Buches „Kunst – Eine philosophische Einführung“ von Georg W. Bertram.

Kunstbetrachtungen, Teil 14

Der Begriff der Kunst und die Unterschiede in den Künsten

Ging es in der letzten Folge der Kunstbetrachtungen noch um die Beziehung zwischen der Kunst und ihrer Rezipienten, den Wert der Kunst und philosophische Betrachtungsweisen, stehen in dieser Folge die Kunst und ihre Unterarten im Fokus – aber auch die Problematik der Begrifflichkeiten.

Sie wird sogleich zu Anfang des Kapitels „Die Kunst und die Künste“ deutlich gemacht: „Der Singular Kunst ist nicht so selbstverständlich, wie andere Singulare es sind. Ich kann zum Beispiel davon sprechen, was der Hund ist. Es ist ein fleischfressendes Haustier, das vier Beine hat und das bellt. Auch wenn Hunde groß werden können wie Kälber oder in ausgewachsenem Zustand kleiner sind als gewöhnliche Katzen, bringt eine solche Bestimmung des Hundes wenig Probleme mit sich. Sie wird allen Hunden gerecht. Mit der Kunst verhält es sich anders.“

Zunächst ausgehend davon, dass Kunst vereinfacht als etwas betrachtet werden kann, das gemacht ist (Herkunft aus dem griechischen Begriff „téchne“ und dem lateinischen Begriff „ars“, die sich mit dem Wort Herstellungskunst übersetzen lassen), definiert Autor Georg W. Bertram, dass in den unter dem Begriff Kunst zusammengefassten Künste mit unterschiedlichen Materialien und auf unterschiedliche Weise gearbeitet wird.

Was die Literatur angeht, schreibt Bertram, arbeitet diese „mit dem Material natürlicher Sprachen und formt daraus Texte unterschiedlicher Länge und Gestalt, die in stiller Lektüre oder stimmhafter und körperlicher Aufführung dargeboten werden.“

Ganz anders bei der Plastik: Bei ihr wird „gewöhnlich kein im Vorhinein strukturiertes Material verwendet. Ihren Ausgangspunkt bilden höchst unterschiedliche Dinge: mehr oder weniger formlose Steine und Hölzer, verflüssigte Metalle oder alle möglichen sonstigen gestalteten oder ungestalteten Gegenstände der alltäglichen und nicht alltäglichen Welt.“

In Bertrams folgenden Ausführungen zum Thema „Kunst – Eine philosophische Betrachtung“ wird er die genannten Materialien als ästhetische Medien (die natürliche Sprache in der Literatur und form- und gestaltbare Materialien unterschiedlichster Art in der Plastik) und die Verarbeitungsformen als ästhetische Verfahrensweisen bezeichnen.

Was Verfahrensweisen bei der Literatur angeht, können Prosa und Lyrik unterschieden werden: „Formt die Prosa aus Ausdrücken der natürlichen Sprache lange Erzählstränge, geht es der Lyrik eher darum, aus solchen Ausdrücken bestimmte Konstellationen herzustellen.“

Was die ästhetische Verfahrensweise der Plastik angeht, ist diese nach Bertram „das Bearbeiten eines oder mehrerer Materialien an ihren Oberflächen und in den Raumkonstellationen, die sie bilden.“

Deutlich wird: Die unter dem Oberbegriff Kunst definierten Künste unterscheiden sich „grundsätzlich und zum Teil tiefgreifend mit Blick auf die ihnen eigenen Medien und Verfahrensweisen.“

Für den Autor stellt sich das Problem, das aufgrund dieser großen Unterschiede zwischen Plastik und Literatur und der jeweils mit ihnen verbundenen Medien und Verfahrensweisen nicht so einfach zu erklären ist, warum sie unter dem Oberbegriff Kunst zusammengefasst werden können. Und ein weiterer Aspekt kommt noch dazu: Die genannten Unterschiede haben „zum Beispiel zur Folge, dass manche Künste sich ausstellen lassen, andere Künste hingegen Darbietungen benötigen.“

Für Bertram ergibt sich daher folgende Aufgabe: „Einen Begriff der Kunst kann man nur dann verständlich machen, wenn eine plausible Antwort auf die Frage gelingt, wie trotz der Unterschiedlichkeit der Künste von Kunst gesprochen werden kann.“

Dazu mehr in der nächsten Folge der Kunstbetrachtungen.