Kunstverein Nordhorn präsentiert Bilder eines Malkurses – Anmerkungen zur kulturellen Bildung an den Volkshochschulen

„Kultur ist das Grundgerüst des gesellschaftlichen Zusammenlebens: wie wir leben, wie wir miteinander und mit unserer Umwelt umgehen, wie wir Vergangenes tradieren und uns auf die Zukunft vorbereiten. Kulturelle Bildung ist ein zentraler Bestandteil der allgemeinen Bildung und des lebenslangen Lernens“ – so lautet das Selbstverständnis der Volkshochschulen in Deutschland, wenn es um den Bereich Kulturelle Bildung geht, der dort mit 1,5 Millionen Kursstunden und 870.000 Teilnehmerinnen und Teilnehmern den Platz 3 bei den unterschiedlichen Bildungsangeboten einnimmt, die sich von Sprachen über Arbeit und Beruf bis hin zur EDV erstrecken. Die Zahlen machen noch einmal deutlich, welchen Rang die Kultur gerade für die Gesellschaft einnimmt.

Die Palette der Angebote bei den Volkshochschulen reicht von Vorträgen, Theater-, Museums- und Ausstellungsbesuchen bis hin zu praktischen Angeboten zum Thema Malerei. Kursbesucher können damit ihre gestalterischen Talente aufspüren und sie mit professioneller Anleitung weiterentwickeln. Weiter heißt es in dem von der Volkshochschule ausgesprochenen Selbstverständnis: „Mit ihren Angeboten im Bereich der Kulturellen Bildung ermöglichen Volkshochschulen einen Zugang zu Kunst und Kultur und vermitteln jene kreativen, ,kommunikativen und sozialen Fertigkeiten, die für kulturelle Teilhabe, Integration und Inklusion notwendig sind. Durch ihre vielfältigen Angebote ist die Volkshochschule letztendlich selbst ein unverwechselbarer kultureller und interkultureller Ort.“

Und was bedeutet es für die Teilnehmer eines Kurses oder kann es bedeuten? „… ein großes Maß an Selbstbildung, durch aktive Teilhabe an Kunst und Kultur, durch schöpferisches Arbeiten, durch Lernen mit Kopf, Herz und Hand – mit Verstand, Sinnen und Gefühl, mit Lust und Genuss“, wie es Hans-Hermann Groppe, erster Vorsitzender des VHS-Fördervereins „Bildung für alle“ in seinem seinem Artikel „Kulturelle Bildung in den Volkshochschulen als Herausforderung und Chance für eine weltoffene Bürgergesellschaft“ über Eigenschaften und Potenziale kultureller Arbeit an Volkshochschulen geschrieben hat.

Angesichts der der kulturellen Bildung bei der Volkshochschule zugeschriebenen Bedeutung und des 75-jährigen Bestehens der Volkshochschule Grafschaft Bentheim hat der Kunstverein Nordhorn seine nächste Ausstellung diesem Thema gewidmet. Es soll darum gehen zu zeigen, wie vor Ort anhand eines konkreten Beispiels die kulturelle Arbeit an der Volkshochschule in der Praxis aussieht.

Gezeigt werden die Ergebnisse eines Kurses mit dem Titel „Kreatives Malen mit Acryl“, der von der Volkshochschule Grafschaft Bentheim angeboten und von der Nordhorner Dozentin Ulrike Jahnke geleitet wird.

Ulrike Jahnke hatte schon als Kind eine große Leidenschaft für die Malerei. In ihrer Freizeit nach der Schule fertigte sie vor allem Bleistiftzeichnungen und Aquarelle an. Eine vertiefte Beschäftigung mit der Malerei begann dann etwas später. Sie nahm an zahlreichen Workshops und Weiterbildungen im Bereich der Bildenden Kunst teil, um das Handwerk des Malens in seinen unterschiedlichsten Aspekten kennenzulernen und auch zu beherrschen. Die Bandbreite reichte dabei von den Grundlagen der Farbenlehre über Farbwirkung, Spannungsaufbau,, Bildkomposition im abstrakten Bild und Farbpigmente bis hin zu Dreidimensionalität durch Strukturen, Lasuren und Wischtechniken sowie Stilleben und Porträt. Dann folgten noch Themen wie Verfremdung und das Medium Farbe im Spiel mit verschiedenen Materialien.

Die in diesen Kursen gemachten Erfahrungen brachten Ulrike Jahnke später auf die Idee, ihr erlerntes Wissen als Dozentin weiterzuvermitteln. Im Gespräch betont sie vor allem das Gemeinschaftsgefühl und den kreativen Austausch, der sie begeisterte und zu diesem Entschluss brachte.

Nachdem sie zuerst Kurse bei der Kunstschule der Städtischen Galerie Nordhorn geleitet hatte, folgte 2021 der Wechsel zur Volkshochschule Grafschaft Bentheim. Dort übernahm sie 2021 die Kurse Acrylmalerei von Marlies Dasselaar, die in Pension gegangen war.

Unter dem Titel „Kreatives Malen in Acryl“ haben Anfängerinnen und Fortgeschrittene die Möglichkeit, mit verschiedenen Materialien wie Spachtelmasse, Papier und Sand zu experimentieren. Diese werden beim Erstellen eines Bildes gemeinsam mit Acrylfarben, Ölpastellen, Bunt- und Bleistiften verwendet. Weiter heißt es in der Kursbeschreibung: „Auf der Leinwand lassen wir interessante Oberflächen entstehen und spielen dabei mit der Wirkung von Licht und Schatten oder wir konzentrieren uns auf die rein naturalistische Darstellung spannender Motive. Alles ist möglich! So entstehen am Ende ganz individuelle Kunstwerke.“

Wie Ulrike Jahnke im Gespräch berichtet, kommen die Teilnehmerinnen und Teilnehmer mit einem konkreten Motiv zum Kurs, das in unterschiedlichsten Formen vorliegt, als Ausdruck, als Foto oder aus dem reichhaltigen Fundus der Online-Pinnwand von Pinterest. Dieses Motiv soll dann in ein selbst gemaltes Bild übertragen werden. Ob das dann in einer 1:1-Variante geschieht oder das Motiv nur als Ausgangspunkt für eigene kreative Ideen dient, ist den Kursteilnehmern überlassen.

Zum Kursbeginn müssen sie ihre eigenen Leinwände selbst mitbringen. Pinsel, Farben und andere Materialien werden von der Volkshochschule gestellt.

Bevor es losgehen kann, geht Kursleiterin Ulrike Jahnke zu jedem Teilnehmer, lässt sich das gewählte Motiv zeigen, um zu erkennen, welcher Schwierigkeitsgrad der Maltechnik damit verbunden ist. Da,bei mag es dann auch mal dazukommen, dass im Gespräch mit dem Teilnehmer abgewogen wird, ob er sich das zutraut oder ob es gegebenenfalls eine Alternative zu dem ursprünglich gewählten Motiv gibt.

Und schon geht es los. Die Kursleiterin erklärt, wie ein Bildhintergrund aufzubringen, Spachtelmasse aufzutragen oder Papier aufzukleben ist. Und sie fordert die Teilnehmer zum Vorzeichnen des Motivs auf. So endet dann der erste Abend, der sich wie die anderen Abende – insgesamt vier an der Zahl – über drei Stunden erstreckt.

Am zweiten Abend steht die Ausarbeitung des Bildes im Mittelpunkt. Bei Fragen steht Ulrike Jahnke selbstverständlich mit Rat und Tat zur Seite.

Schwierig, berichtet Ulrike Jahnke, wird es am dritten Abend. Viele Teilnehmer sind der Verzweiflung nah, sie sind beim Vergleich des gewählten Motivs mit ihren Ergebnissen unzufrieden, Ungeduld macht sich breit. An dieser Stelle wirkt die Dozentin ein, macht Mut und rät zur Pause. Sie gibt Tipps, Gespräche unter den Teilnehmern entwickeln sich, Ideen und Inspirationen werden ausgetauscht. Hilfreich ist es auch, dass alle Bilder an die Wand gehängt und betrachtet werden. Dabei ergeben sich weitere Ideen, Problemlösungen und vielleicht die Einsicht, sich von der Vorlage zu lösen und neue kreative Wege zu gehen.

Und schneller als gedacht naht auch schon der vierte und letzte Abend. Natürlich ist der von Ungeduld geprägt. Bald sollte das eigene Bild fertig sein. Auf Wunsch wirkt Ulrike Jahnke ein, weist auf ein möglicherweise fehlendes Bildelement, mangelnde Tiefe der Farbe oder andere Probleme hin und gibt Tipps zu deren Lösung. Abschließend werden die Bilder nochmals an die Wand gehängt, mit der Vorlage verglichen und besprochen. Wie die Kursleiterin aufgrund ihrer bisher gemachten Erfahrungen berichten konnte, gibt es „zumeist Lob, die Stimmung ist gut und das Interesse für einen weiteren Kurs wird bekundet.“

Was die meisten Kursteilnehmer miteinander verbindet, ist die Leidenschaft für die Malerei aus Kinder- und Jugendtagen, doch irgendwann hat es oft keine Weiterentwicklung gegeben. Natürlich spielen auch Gründe wie Familie und Beruf eine Rolle, die oft wenig Zeit lassen, der Leidenschaft für die Kunst nachzugehen. Was die Kursteilnehmer dazu bewegt, irgendwann dieser Leidenschaft wieder intensiver nachzugehen, ist höchst unterschiedlich. Zeit ist dabei ein wichtiger Faktor.

Manche empfinden Entspannung beim Malen, wollen den oft stressigen Alltag hinter sich lassen und einfach etwas für sich tun. Eine Teilnehmerin, die trotz ihres stressigen Alltags an dem Kurs teilnimmt, sagt: „Ich schalte für drei Stunden den Alltag aus, bin dann in einer ganz anderen Welt, bin nur auf das Malen konzentriert. Das gibt mir Kraft für den Rest des Tages.“ Ein weiterer Grund für die Teilnahme am Malkurs: die Begegnung mit einer kreativen Gemeinschaft, die alle inspiriert und bei der man voneinander viel lernt, auch jenseits der Malerei, allein durch die persönliche Begegnung.

Wie Ulrike Jahnke sagt, bietet der Kurs die Möglichkeit, in entspannter Atmosphäre, ohne Druck und überspannte Erwartungen seiner Kreativität freien Lauf zu lassen. Ihre Erfahrung: „Es ist toll zu sehen, wie sich jeder einzelne entwickelt und was für wunderbare Ergebnisse herauskommen. Die Freude und die Dankbarkeit, die mir von den Teilnehmern entgegengebracht wird, motiviert mich immer wieder, mein Wissen weiterzugeben. Es macht einfach Spaß.“

Deutlich wird, dass die von der Volkshochschule postulierten Ziele im Bereich der Kulturellen Bildung in Kursen wie „Kreatives Malen in Acryl“ ihre konkrete Widerspiegelung erfahren.

In der Ausstellung, die am 31. Mai, 19.30 Uhr, in der Alten Weberei (Eingang zum Textilmuseum im hinteren Bereich) eröffnet wird, werden die Werke folgender Kursteilnehmer gezeigt: Beate Aldekamp-Wolters, Inge Bartels, Hilde Boll, Sonja Brüna, Christa Diesner, Marlies Dietrich, Marina Egbers, Brigitte Gervink, Adriana Hoekama, Rita Kamps, Inge Knief, Ursula Lübbers, Andrea Möller-Krause, Marion Peters, Hermine Schievink, Christiane Teichmann, Elke Vordermark, Nicole Voigt, Elisabeth Weernink, Vanessa Wenning und Christine Wolterink.

Eine Einführung in die Ausstellung erfolgt durch den ersten Vorsitzenden des Kunstvereins Nordhorn, Gerald Nierste. Die Ausstellung ist bis zum 31. Juni zu den Bürozeiten der Alten Weberei und am Sonntag von 15 bis 18 Uhr geöffnet. Dann ist auch ein Mitglied des Kunstvereins Nordhorn vor Ort.

Über Ulrike Jahnke

Schon als Kind hatte die 1961 in Nordhorn geborene Ulrike Jahnke eine große Leidenschaft für die Malerei. Später nahm sie an zahlreichen Workshops und Weiterbildungen im Bereich der Bildenden Kunst teil und erwarb sich Kenntnisse in der Farblehre, der Farbwirkung, der Bildkomposition und vielem mehr. Seit ein paar Jahren lebt und arbeitet sie wieder in Nordhorn und ist neben ihrem Beruf als Technische Zeichnerin und Technische Illustratorin als Dozentin an der Volkshochschule Grafschaft Bentheim tätig. Dort bietet sie den Kurs Kreatives Malen in Acryl an, der sich großer Beliebtheit erfreut.

Kunstbetrachtungen, Teil 4: Kunst soll verstanden werden

Auf einen wesentlichen Faktor bei der Betrachtung des Themas Kunst weist der Professor der Philosophie, Georg W. Betram, hin: Den Betrachter, auch Rezipient genannt.

Eine Lektüre-Empfehlung zum Thema Kunst ist das beim Verlag Reclam erschienene Buch „Kunst – Eine philosophische Einführung“ von Georg W. Bertram, Professor für Philosophie an der Freien Universität Berlin.

Offenheit der Sinne, Sich-Zeit-Lassen …

Gleich zu Beginn seiner Ausführungen bringt er einen wichtigen Punkt in die Diskussion um das Thema Kunst ein: Arbeit. Im Zusammenhang mit der Kunst kann sie philosophisch als Prozess der bewussten schöpferischen Auseinandersetzung des Menschen angesehen werden. Die geleistete Arbeit ist laut Bertram mit einer gewissen Anstrengung verbunde. Während der Künstler aus unterschiedlichen Motiven Materialien und mit einer Idee vor Augen ein Werk formt, geht es bei dem Betrachter um Aufmerksamkeit, Verständnis, Offenheit der Sinne, Sich-Zeit-Lassen und manchem mehr. „Die Arbeit, die Kunst für diejenigen darstellt, die mit ihr Erfahrungen machen, ist geistiger Natur. Kunst muss in irgendeiner Art verstanden werden“, erklärt der Autor.

Und was bedeutet das? Es geht zunächst um die Fähigkeit, Unterschiede zu erkennen und Strukturen zu erfassen, nicht gleich um ein allumfassendes Verständnis. Bertram sieht Verstehen als einen Prozess an, der sich nicht sofort in Worten ausdrücken lässt. Als Beispiel nennt Bertram das schwarze Kreuz von Kasimir Malewitsch, einem der führenden Vertreter der abstrakten Kunst in den 1920-er Jahren.

„Zunächst geht es um die Intensität der sinnlichen Erfahrung, die mit dem … Werk gemacht wird.“

Zunächst geht es um die Intensität der sinnlichen Erfahrung, die mit dem genannten Werk gemacht wird. „Ich muss aber meine Erfahrung als eine erleben, die genau diesen Inhalt – die Erfahrung einer sinnlichen Intensität schwarzer Farbe – hat. In der Erfahrung steckt unter anderem eine Beherrschung des Unterschieds von Schwarz und Grau“, schreibt Bertram. Klingt banal, ist es aber nicht, wenn darüber nachgedacht wird, wie das menschliche Hirn zu unterscheiden lernt.

Wie Bertram weiter ausführt, sind „Kunstwerke nicht nur Gegenstände der Wahrnehmung und der sinnlichen Auseinandersetzung, sondern auch und in erster Linie des Verstehens“. In diesem Zusammenhang kommt natürlich auch die Philosophie ins Spiel, die sich schon immer mit dem Prozess des Verstehens beschäftigt hat und daher auch die Kunst in den Blick genommen hat.

Bertram betont, dass die Philosophie Hilfsmittel und Einsichten für die geistige Auseinandersetzung mit der Kunst entwickelt habe.

Verstehen von Kunst keine leichte Sache

Dass es aber mit dem Verstehen von Kunst keine leichte Sache ist und dass Kunst auf Missvertändniss gestoßen ist und immer noch stößt, ist auch dem Autor von „Kunst – Eine philosophische Auseinandersetzung“ bewusst. Er verweist in diesem Zusammenhang auf zwei Ereignisse aus dem Jahre 1913, die einen Kunst-Skandal sondergleichen auslösten.

Kunstbetrachtungen, Teil 3: Und was ist nun Kunst?

Je weiter sich Kunst und Betrachter auseinanderentwickeln, desto schwieriger wird ein Erklärungsversuch. Aber er ist es wert.

Erheblichen Ärger verursachte gleichfalls das Kunstwerk „One step, two step“ von Richard Deacon. Zwei auf geologische Formen der Stadt Nordhorn bezogene und fest verankert geglaubte Flächen aus Stahl auf der Vechte, die von Enten als Brutplatz genutzt wurden, lösten sich irgendwann aus ihrer Verankerung und waren nicht mehr gesehen. Erheblicher Schaden war entstanden, der nicht behoben wurde. Dem Volksmund sind sie als Entenklos in Erinnerung geblieben, weil sie auf den Stahlflächen auch ihre körperlichen Ausscheidungen hinterließen. Ein Witzbold erlaubte sich dann auch noch den Scherz, auf einer der Flächen ein Klo aufzustellen. Ein weiteres Missverständnis gegenüber der Kunst war entstanden und ist bis heute nicht geklärt.

Ist eine Ankerkette Kunst?

Nicht weniger umstritten waren später einige Kunstwerke im Rahmen der Projekte „kunstwegen“ und „raumsichten“. Als beispielsweise von einer Jury für den Standort Spöllberg bei Uelsen das Werk „tumulus“ des italienischen Künstlers Luciano Fabro, einem Vertreter der arte povera, ausgewählt wurde, bestehend aus einer 270 Meter langen Ankerkette, war das Rumoren in der dortigen Bevölkerung groß. Vor allem als bekannt wurde, dass sich das Kunstwerk infolge seiner allmählichen Verrostung auflösen und eins mit der Erde wird.

Ein weiteres Werk, das es sogar ins Fernsehen schaffte – allerdings nur als Ulk in die NDR-Satiresendung „Extra drei, war das Objekt „Laßnitz“ von Hans Schabus. Eine ausrangierte, aber intakte Brücke in gutem Zustand wurde in die Grafschaft Bentheim, genauer gesagt bei Ohne in unmittelbarer Nähe zu einem Hofcafé, transportiert und ohne Verkehrsanschluss über die Vechte gelegt.

„… zur eventuell möglichen Beantwortung der Frage, was Kunst eigentlich ist.“

Hans Schabus erklärte die Brücke zu einem Kunstwerk. Er stellte sie frei und streifte ihren ursprünglichen Standort ebenso ab wie das Verkehrsnetz, an dem sie hing. An ihrem neuen Standort steht die Brücke einfach nur da. Sie ist ohne verkehrstechnische Funktion und dennoch verbindet sie an dieser Stelle zwei Bundesländer miteinander. Der eine Brückenfuß steht in Niedersachsen, der andere in Nordrhein-Westfalen. Die Landesgrenze trennt und verbindet quer durch die Vechte genauso wie das Kunstwerk, das beide einerseits überwindet, aber andererseits für die Besucher nicht begehbar ist. Das erschloss sich nicht jedem.

Noch relativ aktuell und äußerst skrril ist der Umgang der Umwelt-Aktivisten der sogenannten „Letzten Generation“ mit der Kunst. Das Ankleben an und das Bewerfen von Kunstwerken mit Lebensmitteln diente ihnen als Mittel, um Aufmerksamkeit auf ihr geäußertes Anliegen, nicht weniger als die Rettung der Welt, zu lenken.

Fachlektüre lohnt

Was allerdings der Schutz der Umwelt mit beschmierten Kunstwerken zu tun hat, erschließt sich – wenn überhaupt – nur den etwas sehr verpeilt wirkenden Umweltaktivisten, die den Adressaten ihrer Botschaft nicht zu kennen scheinen und führt zu der wesentlichen Frage über das Wesen der Kunst und zur eventuell möglichen Frage, was Kunst eigentlich überhaupt ist. Zu diesem Zweck lohnt die Lektüre einschlägiger Fachliteratur.

Kunstbetrachtungen, Teil 2 – Kunst: ein Missverständnis?

Auch die Zeit nach 1945 ist von Problemen im Umgang mit zeitgenössischer Kunst geprägt,

Auf die Zerstörung moderner Kunst vor allem der 1920-er und 1930-er Jahre folgt 1945 nach dem Ende des Zweiten Weltkrieges mit seinen Verheerungen und schrecklichen Folgen eine weitere schwierige Phase im Umgang mit der Kunst, eine Zeit des noch mehr zunehmenden Un- und Missverständnisses, die sich bis heute fortsetzt und gleichfalls zu Attacken gegenüber der Kunst und Künstlern geführt hat, nur in geringerer Zahl und mit erheblich weniger Gewalt als in den 1930-er und 1940-er Jahren.

Als Beispiel ist die Künstlerbewegung „CoBrA“ zu nennen. Stilelemente der Volkskunst sowie kindlich-naive Malerei verbanden sich bei den Mitgliedern mit abstrakten und figurativen Farb- und Formgebungen. Die Künstler verband eine Kunstauffassung, die sich gegen bürgerliche und akademische Vorstellungen wandte.

Attacken auf die Kunst

Ihre Bilder sollten spontan entstehen und die Abkehr von jeglicher überlieferter Vorstellung von Ästhetik vermitteln. Viele Motive wirkten für Außenstehende wie unbeholfene Kinderzeichnungen. Sie erschlossen sich den meisten nicht. 1949 kam es bei der Enthüllung eines Wandgemäldes in der Kantine des Amsterdamer Stadthauses zu so starken Protesten in der Bevölkerung, dass das Kunstwerk erst 10 Jahre später der Öffentlichkeit wieder zugänglich gemacht wurde. Auch die Ausgabe einer Zeitschrift und die Eröffnung einer Ausstellung in Lüttich führten zu Kritik und Tumulten.

Nicht weniger konfliktreich war es in den Folgejahren. Eines der prominentesten Beispiele: Joseph Beuys, der Aktionskünstler, Bildhauer, Medailleur, Zeichner, Kunsttheoretiker und Professor an der Kunstakademie Düsseldorf. Er gehört ohne Zweifel zu den bekanntesten, aber auch umstrittensten Künstlern des 20. Jahrhunderts, und das nicht nur auf nationaler, sondern auch auf internationaler Ebene.

Filz und Fett

Aktionen wie „Joseph Beuys erklärt dem toten Kaninchen die Kunst“, das kurzzeitige Zusammenleben mit einem Kojoten bei einer Kunstaktion in den USA oder die von ihm gefertigten Objekte aus Filz und Fett, angeblich basierend auf seinen Erlebnissen als abgeschossener Pilot im Zweiten Weltkrieg, stießen auf viel Widerspruch und im Extremfall zur Entsorgung durch Hausmeister oder Putzfrau, die sie nicht als Kunstwerke, sondern als Schrott oder Müll betrachtet wurden. Die dafür verlangten Schadensersatzforderungen, die zum Teil sechsstellig waren, riefen dann noch mehr Empörung bei der Bevölkerung hervor.

Auch vor ort führte die Kunst zu Missverständnissen und Konflikten. Erinnert sei in diesem Zusaammenhang an die aus Standardwerkstücken des Materials Edelstahl bestehende Erich Hauser-Plastik „Doppelsäule I / 70“ vor dem Rathaus der Stadt Nordhorn. Als es um die Gestaltung, den Ankauf und den damit verbundenen Preis ging, schlugen die Wellen hoch. Erst mit der finanziellen Unterstützung durch den Förderverein der Städtischen Galerie Nordhorn konnte der Ankauf getätigt werden.

Kunstbetrachtungen, Teil 1: Ist das Kunst oder kann das weg?

Egal ob Fettecken von Beuys im Museum, „Entenklos“ auf der Vechte oder ein Urinal, das als „readymade“ zur Kunst erklärt wurde – was Kunst ist, oder nicht, ist nicht leicht zu klären.

„Kunst ist schön, macht aber auch viel Arbeit“, ist ein bekanntes Zitat des Münchener Komikers Karl Valentin, dass trotz des durchklingenden Humors deutlich zum Ausdruck bringt, was für Valentin mit Kunst unmittelbar verbunden ist: „Schönheit und erhebliche Anstrengung“. Ein weiteres bekanntes Zitat, das in unterschiedlichen Variationen zuerst vom deutschen Philosophen Herder in seiner Schrift „Kalligone“ nachzulesen ,war, lautet in seiner eher humoristischen Variante: „Kunst kommt von Können, sonst würde es ja Wunst heißen“. Es fordert die Beherrschung eines wie auch immer gearteten Könnens hin.

Kunst kommt von Können

Und das hat auch seine Gründe. Die Herkunft des Wortes Kunst von können ist etymologisch korrekt. Das zugrundliegende „kunnan“ bedeutete zudem kennen, wissen. Ursprünglich etwa Kunstfertigkeit, Fähigkeit, Geschicklichkeit bezeichnend, traten im 18. Jahrhundert die heute verbreiteten Bedeutungen „künstlerische Tätigkeit“ und Gegensatz zur Natur hinzu.

Gemeint in Verbindung mit der Bildenden Kunst, um die es in der Serie „Kunstbetrachtungen“ geht, ist die Fähigkeit, ein Bild so malen oder eine Skulptur so formen zu können, dass das Motiv oder ein Gedanke, der ausgedrückt werden soll, erkennbar sind.

In eine ganz andere Ecke jenseits der formalen und inhaltlichen Vorstellungen und Vorgaben vonseiten des Publikums, der Kritiker und großen Teilen der Bevölkerung haben sich viele Künstler seit der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts bewegt. Die Bandbreite der eingeschlagenen Richtungen reicht vom Impressionismus und Expressionismus über den Fauvismus, Dadaisms, Kubismus und Surrealismus bis hin zur absoluten Abstraktion und zur Ablehnung der Malerei als künstlerischem Ausdrucksmittel. Auf alle Fälle immer weiter weg vom klassischen Realismus und der damit verbundenen figürlichen Darstellung.

Die Aufregung über diese Entwicklungslinien der Kunst war schon im 19. Jahrhundert groß und ist sie bis heute geblieben. So befand der Kunstkritiker Louis Leroy 1874 anlässlich einer Ausstellung von mehreren Künstlern im Atelier des Pariser Fotografen Nadar, dass ein einfaches Tapetenmuster künstlerisch anspruchsvoller sei als ein Bild von Claude Monet, der heute zu den bedeutendsten Vertretern des Impressionismus gehört und dessen Werke zu mehrstelligen Millionensummen verkauft werden.

Nicht nur eine Arbeit der Ausstellung wirkte auf den Kunstkritiker unvollendet sowie skizzenhaft, sondern viele weitere mehr. Diese Meinung teilten übrigens auch zahlreiche Besucher der Ausstellung. Die geäußerte Kritik war vernichtend. Die Folgen waren sinkende Besucherzahlen, wodurch die Kosten der Ausstellung, die die Künstler selbst trugen, nicht gedeckt waren. Trotzdem ließen sie sich nicht von der von ihnen eingeschlagenen Richtung abhalten. Der spätere Erfolg sollte ihnen recht geben.

„Entartete“ Kunst

Den völligen Höhepunkt der Ablehnung erlebten die Künstler der Moderne in der Zeit des Nationalsozialismus.Ihre Kunst wurde als „entartet“ gebrandmarkt, was sich mit den Begriffen „aus der Art geschlagen“ oder „andersartig“ auf den Punkt bringen lässt. Es wurde von den Nazis und ihrer Geistesverwandten der Vorwurf erhoben, dass die moderne Kunst von Pessimismus und Dekadenz geprägt sei und daher nicht dem angeblich „deutschen Geist“ von Kraft, Stärke, Wille und Macht, wie er von den Nazis vor allem mit ihrem Körperkult und ihrer Verächtlichmachung des Geistigen propagiert wurde, entspreche. Antisemitismus und Antibolschewismus spielten auch eine Rolle. Die Folgen waren dramatisch. Die Künstler wurden verfolgt, ins Exil getrieben oder ermordet, ihre Kunst zu einem nicht geringen Teil zerstört. Besonders betroffen waren jüdische Künstler wie Felix Nussbaum oder Charlotte Salomon, die im Konzentrationslager starben.